Instalada en el stand B8 del Pabellón de Cristal, con artistas procedentes de Argentina, Chile, Colombia y México, que trabajan en España.

Se ha organizado conjuntamente con la Secretaría de Estado para Iberoamérica, con el apoyo de las embajadas y agregadurías culturales de los respectivos países

Como parte del programa de las acciones conmemorativas de la Comisión para la Conmemoración de la Independencia de las Repúblicas Iberoamericanas y conjuntamente con la Secretaría de Estado para Iberoamérica, Art Madrid dedica un espacio diferenciado, dentro del Pabellón de Cristal, a la celebración de los Bicentenarios, con una exposición de 11 artistas latinoamericanos residentes en España y con nacionalidades de cuatro de los países que celebran su Bicentenario durante el año 2010: Argentina, Chile, Colombia, México.

La exposición se presenta bajo el título de Residentes: Artistas Latinoamericanos en España, y está producida conjuntamente por Art Madrid y la Secretaría de Estado para Iberoamérica, con la colaboración de las Embajadas y Agregadurías Culturales de los respectivos países.

Por países, los artistas participantes en la exposición son:

ARGENTINA

Gabriela Bettini Loyarte
Doble Nacionalidad argentino-española, 1977. Residente en Madrid

Durante los últimos años, mi proyecto artístico se ha nutrido de aspectos autobiográficos como punto de partida para analizar las consecuencias del exilio y representar de forma poética sus diferentes consecuencias: la dislocación afectiva, las ausencias o el sentimiento de pertenencia a dos países (Argentina y España).
El hilo conductor es la experiencia individual de quien heredó el proceso del exilio desde el lugar de la segunda generación, como hija de aquella que desapareció en Argentina durante el régimen militar, o se tuvo que ir del país.
La intención de mis obras es resaltar el sentimiento de doble pertenencia a países cuyas realidades distan geográfica, social y culturalmente y reflexionar sobre la forma en que dos lugares, físicos y de la memoria, confluyen para fusionarse de una manera más o menos ajustada.
Mediante recreaciones del espacio doméstico, llevo a cabo un rastreo sobre cómo representar plásticamente la reconciliación entre dos mundos, dos países, dos realidades, dos mitades.
Para ello, parto de muebles y objetos de uso cotidiano, para cortarlos, desmontarlos y recomponerlos con materiales y formas diferentes. Como resultado de este trabajo de minuciosa cirugía, los muebles dejan de tener un uso práctico y, en su lugar, se convierten en hibridaciones o versiones inacabadas de si mismos.
Gabriela Bettini Loyarte.

Lucila Bristow
Buenos Aires (Argentina), 1974. Residente en Madrid

Dreamers. La vida son sueños.
La imagen única domina y engaña, a su encuentro vamos al espejo, ante la cámara se trata de sostenerla. Es la esperanza de llegar al exterior con la armonía imposible en el interior. Una revelación del yo trucada para evitar la constatación ajena de cualquier desastre propio. El retrato incisivo en cambio perfora el exterior para alcanzar en gestos lo que acontece en el mundo de las emociones. El retratado debe estar sometido a sus experiencias, anhelos y frustraciones. En ese camino desaparece la apariencia exterior como reflejo de la voluntad. Este trabajo se impone la tarea de capturar en una imagen el transito de lo deseado y lo existente. El hilo que une lo que vemos de nosotros y lo que queremos sea visto, la emoción que polariza nuestra relación con el mundo y que permanece siempre oculta en el reverso de lo mostrado o en el anverso de lo encontrado.
Lucila Bristow.

Santiago Taccetti
Buenos Aires (Argentina), 1974. Residente en Barcelona

Black Out
Black Out hace referencia a los sistemas que existen en la sociedad para generar arte. El mundo del entretenimiento esta lleno de mecanismos que sirven para desarrollar piezas evitando esperar al momento de la inspiración. Pieza creada usando el tiempo como factor de restricción. Cada lámina es intervenida con pintura negra durante un lapso de tiempo determinado. Siguiendo la simple fórmula de multiplicar por tres el tiempo de exposición de la lámina anterior, se genera un degradado donde cada lámina va tomando un tono más oscuro hasta el punto de ser totalmente negra. Pieza formada por cuatro láminas de papel blanco pintadas con spray negro.

Small, Medium, Large. / Pequeño, Mediano, Grande
Despojando la bola de todos los espejos y plasmándolos sobre un papel plano se deja la idea de esfera relegada a un factor que solo existe en la imaginación, de la misma manera que sucede cuando se despliega un mapa del mundo. Recolectar bolas de espejos de situaciones comunes en la ciudad. Adorno de árbol de navidad, decoración tomada de un taxi y accesorio de bar casero.
Santiago Taccetti

CHILE

Flavia Tótoro
Chileno-mexicana, 1964. Residente en Madrid

El posible gesto del rostro, ese breve y espontáneo rictus muchas veces involuntario, no es únicamente la expresión frente a un estímulo concreto, también es la memoria histórica de un reflejo humano. El rostro y sus posibilidades se han convertido para mí en una fuente inspiradora y pretexto visual para desarrollar mi trabajo pictórico. Los rostros descontextualizados y dramatizados en primeros planos enfatizan el gesto y se convierten, ya no sólo en el retrato de un individuo específico sino que, también en un paisaje anónimo donde se reflejan las posibilidades psicológicas de nuestros tiempos.
Flavia Tótoro

Sara Malinarich
Santiago de Chile (Chile), 1975. Residente en Madrid

“Apnea. Territorio Mar-íntimo” es un trabajo que persigue, mediante un contrapunto narrativo, una reflexión acerca de la relación entre identidad y migración. A través de esta pieza, busco en el relato una inmersión hacia el plano de la intimidad. La idea es trazar una cartografía identitaria donde se vincule la experiencia con el contexto burocrático y los territorios políticos”.
A mi familia...

Sinopsis:
Apnea. Territorio Mar-íntimo es una instalación compuesta por una video proyección y siete piezas volumétricas; cada una de ellas formada de una base y un aparato telefónico de escayola. A su vez, cada pieza está provista de un dispositivo de audio a través del cual se puede escuchar la voz de una persona que va relatando pequeños fragmentos extraídos de los diarios de vida que, entre los años 1985 y 1995, la creadora de Apnea fue escribiendo. Se trata de amigos y familiares que por medio de sus voces van perfilando la identidad de quien escribe los diarios. Por otra parte, la video-proyección nos muestra a la artista en una playa, la que va diciendo sus datos personales en relación a su situación legal/administrativa como emigrante. La idea es contraponer dos tipos de narraciones simultáneas a cerca de la misma persona. Una de ellas, centrada en la burocracia y la otra en la memoria y la propia identidad contada por otros. Esta pieza, realizada en el año 2008, se labra en Sudamérica; concretamente en Chile, país de nacimiento de la realizadora de Apnea y a donde ésta viaja para encontrar los elementos vivos y documentos que componen esta obra.
Sara Malinarich

COLOMBIA

Fernando Rubio Ahumada
San Bernardo (Colombia), 1970. Residente en Madrid

Dislocaciones:
Dislocación: Luxación, separación, desunión. Del verbo dislocar: descolocar, estar fuera de lugar. Salir o estar fuera de sitio una articulación, descoyuntarse, desconcertarse, estar fuera de sí. Dislocaciones es un proyecto que recopila imágenes y testimonios de personas que residen lejos de su lugar de origen. Una investigación que intenta trazar coordenadas a partir de imágenes y testimonios de una serie de personas y de nuevas generaciones que se forman lejos de su país natal.
La serie Dislocaciones, está compuesta principalmente por imágenes fotográficas que yuxtaponen con personas y lugares diversos que coinciden en un punto físico común. El proceso comenzó en Europa (España, Francia, Portugal) y se ha ido extendiendo por América del Sur (Colombia, Argentina, Uruguay), conforme voy entrevistando y fotografiando personas en diferentes ciudades.
El proyecto narra en primera persona los testimonios recogidos e intenta involucrar al espectador de manera más activa, procurando que se sienta identificado con las diferentes situaciones vividas y narradas con los textos y las imágenes. La serie tiene como objetivo establecer puntos de análisis sobre la diáspora, el desplazamiento (voluntario o no) y el desarraigo; una serie de aspectos fundamentales a la hora de establecer o de intentar comprender toda una generación de desplazamiento, de dislocación y de cambio.
Fernando Rubio Ahumada

Laura Ribero
Bogotá (Colombia), 1978. Residente en Barcelona

Uno de los debates más complejos que persiste en Latinoamérica es el de la identidad, debate que encuentra cabida en el género de la telenovela: el drama por excelencia en el que se reconoce nuestra localidad y que marca la diferencia respecto al resto de la televisión mundial. Sin embargo, su importancia y distinción no sólo radica en la estética y en la obviedad de la narrativa, sino que conlleva elementos fraccionados del fenómeno social, cultural y político que caracteriza el desarrollo de las naciones latinoamericanas.
La mayoría de realizaciones en países como Brasil, Colombia y Argentina hasta principios de la década de los noventa, y aún las producciones actuales de México y Venezuela, mantienen como protagonista a las empleadas del servicio. La historia es siempre la misma, en una telenovela cambia la puesta en escena pero se conserva el móvil dramático central: la empleada que sufre, que ama en silencio, que llora, y que inevitablemente, después de luchar contra el destino, mejora su estilo de vida y es amada por el coprotagonista. Una Cenicienta que identifica nuestro modo de ser latinoamericano, que refleja la cotidianidad de miles de inmigrantes en búsqueda de cualquier tipo de trabajo en países del primer mundo, en un entorno social y cultural que les es ajeno, pero siempre con la ilusión de mejorar su calidad de vida y la de su familia.
Un argumento, que al igual que en la telenovela, se repite una y otra vez: siempre se está en busca de un ideal, que al ser hallado, culmina y vuelve a empezar con un tiempo y puesta en escena diferente.
Laura Ribero

Natalia Granada
Bogotá (Colombia), 1967. Residente en Madrid

Mi obra ha girado de manera obsesiva alrededor del cuerpo, abordando los aspectos más inquietantes que lo constituyen, desde el deseo, la agresión, la violencia y el impulso de muerte, pasando por el placer, el dolor y el miedo. En mi trayectoria de artista es posible trazar un recorrido por las múltiples caras del deseo y la violencia y sus diversas manifestaciones. Me interesa mostrar de qué manera la expresión estética de esos impulsos se convierte también en formas posibles de análisis del miedo, o de otros resortes (conscientes e inconscientes) de las figuras de la muerte.
Como artista he abordado el cuerpo femenino, pero de ningún modo me interesa hacerlo desde una perspectiva de género. Quiero que la obra se inserte en una línea de tensión, en el abismo entre lo femenino y lo masculino. Mi mirada se sitúa en un territorio tradicionalmente ocupado por los hombres: el cuerpo femenino con su misterio y sus secretos. Por tanto, quisiera lograr con mi trabajo la reivindicación para la mujer de un universo de fantasmas y de deseos que se mira desde dentro y nunca desde fuera.
Para mí el cuerpo no es sólo una metáfora del deseo sino también su expresión más contundente. El cuerpo, materia perecedera, construye el límite de la expresión y traza las fronteras entre la vida y la muerte. El cuerpo es, en síntesis, el hilo conductor de todo mi trabajo creador.
Natalia Granada

MÉXICO

Ander Azpiri
Guadalajara (México), 1971. Residente en Madrid

Los sistemas, estructuras y comportamientos orgánicos sirven de modelo y de pretexto para re-pensarnos a nosotros mismos. Es decir, para entender mejor las formas en que establecemos relación con el entorno (físico, pero también comunicativo y social). Simultáneamente, el contraste entre la oscuridad de la tinta y el blanco del papel añade cierta dosis de drama, ¿no es cierto?.
Ander Azpiri

Gustavo Salinas
Tijuana (México), 1972. Residente en Madrid

En Reflejos Mecánicos las imágenes muestran un objeto-máquina y un sujeto-hombre que contrapuestos en un instante se sumergen en el reflejo del uno en el otro. Una composición que surge de la misma calle, que se cruza y se capta para subrayar la mecanicidad constante en la que se sumerge lo urbano. El objeto mecánico representando exteriormente a un ser vivo, el sujeto sumergido en su mecanicidad la cual se refleja en el rostro.
Gustavo Salinas

Rivelino Díaz Bernal
Toluca (México), 1975. Residente en Madrid

Venganzas:
El abuso de la violencia y del poder o la especulación, también pueden terminar volviéndose en contra de quienes la ejercen. Utilizando la corbata como objeto y símbolo de poder, se construyen metáforas con un tono sarcástico, planteando hipotéticas situaciones donde el mismo objeto antes símbolo de poder, ahora se convierte en verdugo y vengador. La corbata tiene muchas connotaciones: estatus social, rol, estratificación laboral, rango, jerarquía, situación económica, etiqueta, protocolos, etc. Nos proporciona una idea de seriedad, estabilidad, confianza. Pero también puede volverse en arma y un símbolo de autoridad, manipulación y abuso. Planteo en esta serie mi visión personal en situaciones a donde es el mismo objeto quien se toma la venganza.

Autorretratos:
Esta serie plantea una reflexión de cómo podríamos vernos a nosotros mismos, y aunque se titule autorretratos, pues es una autobiografía y sea la percepción de mí mismo, también se puede aplicar de manera general a otras personas. La utilización de estos objetos, responde a la idea de vernos como herramientas, de autoconstrucción de una personalidad, una vida, y de nuestras propias acciones. Decidir qué hacemos con esa herramienta y si la utilizamos para construir o destruir.
Rivelino Díaz Bernal