Liquitex cadmium free

Nuestro patrocinador Liquitex ha organizado un completo calendario de 5 días en los que con distintas acciones nos presenta su colección de colores #Cadmium-free.

Del miércoles 21 al domingo 25, a las 12h cada día, os invitan a diseñar y hacer vuestras propias chapas con LQ DA LA CHAPA. A las 16h, también todos los días de la feria es el momento del LQ CHALLENGE, los test ciegos para ver si eres capaz de diferenciar los colores cad-free, y a las 18h pintura en directo! Con los artistas embajadores de Liquitex, Rebeca Khamlichi, Miguel Torrus e Isabel Martínez… pero también quieren que participe el público.

Galerías Invisibles

El miércoles 21, a partir de las 18:30h de la tarde, también se presenta dentro de Art Madrid18 en la Galería de Cristal la GALERÍA INVISIBLE, el dispositivo de acción que Pedagogías Invisibles detona en el espacio de la feria como una “puesta en escena”, un “gesto performativo” para activar conversaciones, negociaciones, acuerdos, ideas… y hacer de Art Madrid un PRODUCTOR DE CONOCIMIENTO, un ÁGORA CONTEMPORÁNEA.

I am suarez by okuda

El jueves 22 la agenda de Art Madrid está bien completa porque a mediodía en el stand de nuestro patrocinador SUAREZ se presenta la colección de joyas I am Suarez by OKUDA, con la presencia del artista, un artesano joyero y un invitado sorpresa! Por la tarde, a las 18h. en la Sala Martín Begué de CentroCentroCibeles celebramos la mesa redonda ARTISTAS EN LA EDUCACIÓN, con Veo arte en todas pArtes, Marta Pérez Ibáñez (Univ. de Nebrija), Rufino Ferreras (EducaThyssen.org) y los artistas Jose Antonio Vallejo y Carmen Hidalgo de Cisneros.

Y, a partir de las 18:30h, el espacio de ONE PROJECT diseñado por Antonyo Marest y la galería Diwap se llena de Tropicalismo, con música de Meneo y cervezas La Virgen bien fresquitas.

Tropicalismo

El viernes 23 y el sábado 24, entre las 18h y las 19h., organizamos la FIRMA DE CARTELES de nuestro Artista invitado AM18, Okuda San Miguel. Y el mismo sábado, desde las 19h hasta el cierre de puertas, como celebración de esta 13ª edición de Art Madrid, la zona lounge y todo el espacio de la feria se convertirán en el escenario de los happenings “Veladura/Barnizado/Esmaltado” desarrollados por los artistas Pablo Durango, Ignacio Tejedor y el colectivo Somos Nosotros con los alumnos del taller Pulsa INTRO a ver qué pasa del programa #ArteyEducación de Art Madrid.

Okuda San Miguel

Performances, música, arte, crítica y humor para una feria abierta a todos los públicos.

La pintura de Daniel Bum (Villena, Alicante, 1994) se configura como un espacio de elaboración subjetiva donde la figura emerge no tanto como motivo representacional, sino como necesidad vital. La reiteración de ese personaje frontal y silencioso responde a un proceso íntimo: pintar deviene una estrategia para atravesar experiencias emocionales difíciles, un gesto insistente que acompaña y atenúa la sensación de soledad. En este sentido, la figura funciona como mediadora entre el artista y un estado afectivo complejo, vinculando la práctica pictórica con una reconexión con la infancia y con una dimensión vulnerable del yo.

La fuerte carga autobiográfica de su obra convive con una distancia formal que no obedece a una planificación consciente, sino que opera como mecanismo de protección. La contención visual, la aparente frialdad compositiva y la economía de recursos no neutralizan la emoción, sino que la encapsulan, evitando una exposición directa de lo traumático. De este modo, la tensión entre afecto y contención se instala como rasgo estructural de su lenguaje. Asimismo, lo ingenuo y lo inquietante coexisten en su pintura como polos inseparables, reflejo de una subjetividad atravesada por el misterio y por procesos inconscientes. Muchas imágenes surgen sin un significado claro previo y solo se revelan con el tiempo, cuando la distancia temporal permite reconocer los estados emocionales que las originaron.

La larga noche. Óleo, acrílico y carbón sobre lienzo. 160 x 200 cm. 2024

La figura humana aparece con frecuencia en tus obras: frontal, silenciosa, suspendida. ¿Qué te interesa de esa presencia que parece a la vez afirmativa y ausente?

No diría que me interesa nada en especial. Empecé a pintar esta figura porque había emociones que no lograba comprender y había un sentimiento que me era muy difícil de digerir. Este personaje surgió en un momento bastante complicado para mí, y el hecho de hacerlo y volver a hacerlo, repetirlo una y otra vez, hizo que durante el proceso no me sintiera tan solo. Al mismo tiempo me mantenía fresco y me conectaba con el niño interior que en ese momento estaba roto, y me hizo pasar el trago un poquito menos amargo.

Santito. Acrílico y óleo sobre lienzo. 81 x 65 cm. 2025

Hay en tu trabajo una dimensión afectiva muy fuerte, pero también una distancia calculada, una especie de frialdad formal. ¿Qué papel juega esa tensión entre emoción y contención?

No sabría decir exactamente qué papel juega esa tensión. Mi pintura parte de lo autobiográfico, de la memoria y de situaciones que he vivido y que han sido bastante traumáticas para mí. Quizá, como mecanismo de protección —para que no se pueda acceder directamente a esa vulnerabilidad o para que no resulte dañina— aparece esa distancia de manera inconsciente. No es algo planificado ni controlado; simplemente surge y está ahí.

Pintor de noche. Acrílico sobre lienzo. 35 x 27 cm. 2025

Tu lenguaje plástico oscila entre lo ingenuo y lo inquietante, lo próximo y lo extraño. ¿Cómo conviven para ti esas tensiones, y qué función cumplen dentro de tu búsqueda visual?

Pues creo que tal cual soy yo. No podría convivir lo uno sin lo otro. No podría existir lo ingenuo sin lo inquietante; para mí van necesariamente de la mano. Me atrae mucho lo misterioso y el acto de pintar cosas que ni yo mismo comprendo del todo. Muchas de las expresiones o de los retratos que realizo surgen del inconsciente, no están planificados. Es a posteriori cuando empiezo a entenderlos, y casi nunca de manera inmediata. Siempre pasa un tiempo considerable hasta que puedo reconocer cómo estaba yo en ese momento en el que los hice.

Qi. Acrílico sobre lienzo. 81 x 65 cm.2025

La sencillez formal de tus imágenes no parece una cuestión de economía, sino de concentración. ¿Qué tipo de verdad estética crees que puede alcanzar la pintura cuando se despoja de todo lo accesorio?

No sabría decir qué verdad estética hay detrás de esa sencillez. Lo que sí sé es que es algo que necesito para estar en calma. Me abruma cuando hay demasiadas cosas en el cuadro, y desde siempre me ha llamado la atención lo mínimo, cuando hay poco, cuando casi no hay nada. Creo que ese despojamiento me permite acercarme a la pintura desde otro estado, más concentrado, más silencioso. No sabría explicarlo del todo, pero es ahí donde siento que puedo trabajar con mayor claridad.

Crucifixión. Acrílico sobre lienzo. 41 x 33 cm. 2025

¿Hasta qué punto planificas tus obras y cuánto espacio dejas para que ocurra lo inesperado?

Normalmente me siento más cómodo dejando espacio a lo inesperado. Me interesa la incertidumbre; tenerlo todo bajo control me resulta bastante aburrido. Lo he intentado en algunas ocasiones, sobre todo cuando me he propuesto trabajar en series muy planificadas, con bocetos cerrados que luego quería trasladar a la pintura, pero no era algo con lo que me identificara. Sentía que desaparecía una parte fundamental del proceso: el juego, ese espacio en el que la pintura puede sorprenderme a mí mismo. Por eso no suelo planificar demasiado y, cuando lo hago, es de una manera muy sencilla: algunas líneas, algún plano de color. Prefiero que sea en el propio cuadro donde suceda todo.