20 ARTISTAS MUJERES QUE DEBES CONOCER EN ART MADRID’25
7 ene. 2025
art madrid
La presencia de mujeres artistas en el circuito del arte contemporáneo sigue marcada por una desigualdad estructural que, aunque ha mostrado avances recientes, aún evidencia una brecha de género significativa. Según el Informe sobre el Mercado del Arte Contemporáneo 2024 de Artprice, las artistas femeninas han logrado mayor visibilidad y protagonismo en el mercado. Entre 2023 y 2024, siete mujeres destacaron entre los diez mejores artistas ultra contemporáneos por facturación en subastas, y el número de transacciones relacionadas con ellas se ha triplicado en una década, alcanzando cifras récord en 2023. Sin embargo, estos avances, aunque alentadores, son insuficientes cuando se analizan desde una perspectiva global, reflejando una necesidad urgente de representación más equitativa y sostenida. En este contexto de transformación, el cambio ha sido impulsado por una revisión crítica de la Historia del Arte y el compromiso de actores clave en el ecosistema cultural. Las mujeres artistas, que históricamente han sido marginadas, emergen hoy como una fuerza que cuestiona los moldes establecidos.
Art Madrid’25 refuerza su apuesta por visibilizar a las mujeres artistas, reuniendo a veinte creadoras de diversas generaciones y geografías - incluyendo España, Portugal, Brasil, Cuba, Perú, Taiwán, Alemania, Sudán, Argentina y México - para destacar su fuerza y autenticidad. Esta selección privilegia no sólo la calidad de las propuestas, sino también su capacidad de interpelar al espectador, invitándonos a comprender el arte como un territorio plural y necesario. A través de esta iniciativa, invitamos tanto a coleccionistas como al público a descubrir y valorar una multiplicidad de perspectivas que, al encontrarse, enriquecen el panorama artístico contemporáneo.
ALBA LORENTE. Galería Carmen Terreros
Alba Lorente (Zaragoza, 1994) vive y trabaja en Madrid, aunque mantiene un fuerte vínculo con su ciudad natal. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Zaragoza, con un Máster en Producción Artística Interdisciplinar por la Universidad de Granada y un Doctorado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, su carrera no ha dejado de crecer. Reconocida con importantes premios, como la beca en Casa Velázquez y el galardón a la mejor artista aragonesa en 2023. Su trabajo se basa en la deconstrucción y regeneración de la materia, utilizando blanco y tinta china. Influenciada por la estética destructiva de algunos artistas latinoamericanos de los años 60, aborda la destrucción como una forma de creación y como una manera de canalizar las pulsiones humanas más intensas.
ANA CARDOSO. Galeria São Mamede
Ana Cardoso (Oporto, 1980), es una de las voces más singulares del arte contemporáneo portugués. Licenciada en Artes Plásticas por la ESAP y Doctora en Arte y Diseño por la FBAUP, su trayectoria combina rigor académico y una creatividad que no deja de evolucionar. En su trabajo destaca el diálogo entre lo figurativo y lo abstracto a través de una composición que combina la serenidad del paisaje con la presencia de objetos o cuerpos humanos. Utiliza la simplificación formal para invitar al espectador a reflexionar sobre el tiempo y la memoria, explorando cómo los objetos cotidianos pueden convertirse en portadores de significado emocional e identitario.
ANA PÉREZ VENTURA. Galería Metro
Ana Pérez Ventura (Santiago de Compostela, 1981), es una artista visual profundamente influenciada por su formación como pianista clásica. Su obra, centrada en la pintura, busca traducir la esencia efímera del tiempo, propia de la música, en formas visuales tangibles. A través de una repetición rítmica, casi metronómica, crea un registro orgánico del paso del tiempo, transformando lo inasible en algo concreto y palpable. Con estudios en Bellas Artes y Música en Vigo, Barcelona, Ámsterdam y la Sorbona de París, donde obtuvo un máster en 2011, ha dedicado su vida a explorar el diálogo entre las artes visuales y la música, transformando lo efímero en tangible y dando forma y sustancia a la esquiva naturaleza del tiempo.
BRENDA CABRERA. Collage Habana
Brenda Cabrera (La Habana, Cuba, 1997) es una artista visual y diseñadora graduada de la academia San Alejandro y la Universidad de las Artes (ISA). Su trabajo abarca diversas disciplinas como el dibujo, la pintura y los NFT, pero es su creación de un universo propio lo que la distingue: los Prototipos. Estos personajes híbridos diseñan sus propias políticas de coexistencia en un ecosistema autónomo que, a través de una reinterpretación de los roles de género, las políticas domésticas y la construcción de la identidad en la contemporaneidad, explora las complejas relaciones entre lo individual y lo colectivo. La artista construye su imaginario a partir de recuerdos de su infancia, marcados por las huellas visuales y materiales de la antigua Unión Soviética, y objetos familiares que configuran su visión artística.
ANNA GUILHERMINA. Jackie Shor Projects
Anna Guilhermina (Brasil, 1980), construye paisajes imposibles que habitan entre el sueño y la realidad. Con una formación que abarca desde la Arquitectura y el Urbanismo hasta la fotografía y el arte contemporáneo, ha desarrollado una obra profundamente experimental que disecciona la naturaleza en capas visuales y materiales. Su lenguaje artístico, marcado por el montaje y la fragmentación, combina elementos como madera, vidrio, cobre y acrílico para crear escenarios que desafían la percepción. Estos paisajes no solo revelan un interés por la superposición de formas y texturas, sino que proponen un diálogo entre la figuración y los materiales, oscilando entre la solidez y la evanescencia.
INÉS JIMM. Canal Gallery
Inés Jimm (Sevilla, 1996) ha logrado convertir la vulnerabilidad en el centro de su obra, donde el sueño se presenta como un espacio de libertad absoluta. Con un Máster en Arte Digital e Ilustración (2020) y un Máster en Animación 2D (2021) por la Escuela Trazos, Jimm ha perfeccionado su técnica, que utiliza la pintura al óleo para capturar el momento preciso en que los cuerpos se despojan de sus roles y máscaras, mostrándose en su máxima fragilidad. Las ojeras, recurrentes en sus composiciones, no solo son un rasgo físico, sino un reflejo autobiográfico del cansancio existencial y de la tensión entre el descanso y el despertar. Su estilo, influenciado por Sorolla y Freud, invita al espectador a cuestionar la intimidad de esos momentos tan privados, generando una incomodidad que desafía las fronteras de la observación.
CAROLINA BAZO. O Art Project
Carolina Bazo (Lima, Perú, 1968) es una de las voces más destacadas del arte contemporáneo peruano, cuyas obras han cruzado fronteras para situarse en escenarios internacionales. Estudió pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) y perfeccionó su técnica en la Akademie der Bildenden Künste de Munich, Alemania. Su obra, que abarca desde el grabado hasta la escultura e instalación, se caracteriza por una reflexión constante sobre la identidad y la memoria. En los años noventa, en un contexto de agitación política y social en Perú, su trabajo se vinculó al activismo feminista, desafiando las narrativas impuestas y cuestionando la misoginia de la esfera cultural limeña. La obra de Bazo no solo pone en cuestión las estructuras sociales, sino que también invita al espectador a habitar un espacio entre lo lúdico y lo profundo, entre lo lleno y lo vacío, entre lo que es visible y lo que permanece oculto.
SULING WANG. CHINI Gallery
Suling WANG (Taichung, Taiwán, 1963) comenzó desde temprana edad a tejer en su mente una relación compleja entre los mundos que la conformaban: el Oriente que la vio crecer cerca del río Dajia, y el Occidente que abrazó cuando se formó en la Central Saint Martins y el Royal College of Art de Londres. A través de sus grandes pinturas abstractas, Wang logra fusionar estos universos aparentemente opuestos, creando un lenguaje visual propio que cruza las fronteras culturales. Después de dos décadas en Londres, donde su arte ganó reconocimiento internacional, Suling Wang regresó al pequeño pueblo de Taichung, donde redescubrió la quietud que tanto necesitaba para continuar su exploración. Sus pinturas, ahora parte de importantes colecciones internacionales como las del Guggenheim de Nueva York y el MOCA de Los Ángeles, no son solo una fusión de técnicas y tradiciones, sino una profunda reflexión sobre el tiempo, el espacio y la memoria.
CLAUDIA DORING BAEZ. O Art Project
Claudia Doring Báez (Ciudad de México, 1956), ha desarrollado la mayor parte de su carrera en Nueva York, donde se ha establecido como una de las voces más significativas de la pintura contemporánea. Su trabajo es un diálogo constante con la historia del arte y la literatura, una conversación que, a través de un lenguaje expresionista y renovado, se vuelve personal y única. Claudia adopta y reinterpreta detalles de la obra de grandes artistas de siglos pasados, desde el Expresionismo alemán hasta la poesía de Marcel Proust, pasando por Tiziano, Fra Angelico y Vermeer. A través de este proceso de apropiación y recreación, crea una obra que no solo dialoga con el pasado, sino que también lo transforma, llevando la tradición a un terreno nuevo, cargado de emoción y profundidad.
TATIANA BLANQUÉ. Galería Espiral
Tatiana Blanqué (Sant Cugat del Vallès, Barcelona, 1971) es una artista visual de reconocido prestigio tanto a nivel nacional como internacional. Su formación en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona marcó el inicio de una carrera dedicada a la pintura y el volumen. Proveniente de una familia vinculada a la moda y la fotografía, Blanqué ha estado inmersa en la creatividad desde su infancia. La artista busca encapsular pequeños fragmentos de la realidad, observando la interacción entre las personas y su entorno, en espacios geométricamente ordenados que permiten una reflexión personal. Su trabajo se caracteriza por el uso de escenarios blancos y atemporales que invitan al espectador a interpretar lo que encuentra dentro de ellos.
FRANCESCA POZA. Alba Cabrera Gallery
Francesca Poza (Mataró, 1965) ha desarrollado una obra artística que es, por encima de todo, un ejercicio de resistencia contra el olvido. Su formación en grabado y pastel, acompañada de estudios en diseño gráfico y forja, la ha llevado a un constante proceso de experimentación con el papel. Es conocida por su capacidad para transformar materiales sencillos, como el papel reciclado, en piezas cargadas de significado y emoción. Fundadora de la editorial Deep Edicions y del grupo de artistas GAP, Poza ha sido también docente, impartiendo su saber en diversos talleres y asociaciones, entre ellas la Escuela de Arte y Diseño Deià de Barcelona y la Asociación Catalana "La Llar" de Afectados por la Esclerosis Múltiple. Su labor ha sido reconocida en numerosas exposiciones individuales y colectivas, tanto en España como en el sur de Francia.
INÉS RUBIO ROA. Moret Art
Inés Rubio Roa (Madrid, 1996), es una artista visual madrileña con un doble grado en Bellas Artes y Arquitectura. En su obra, el trabajo figurativo se convierte en una vía para dar forma a un universo onírico, repleto de elementos cargados de simbolismo personal y nostalgia. Su enfoque se mueve entre lo surrealista y lo empírico, fusionando la imaginación libre con la observación del mundo tangible. Para ella, pintar es un acto de exploración, un medio para transmitir sensaciones efímeras pero intensas, buscando siempre una conexión que trascienda el tiempo y la materialidad de la obra.
JOANA GACHO. Trema Arte Contemporânea
Joana Gancho Évora, Portugal, 1980), se formó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa en la especialidad de pintura. Su obra refleja una fascinación por la ciudad, un espacio que, para ella, se convierte en un escenario de encuentros anónimos y dinámicos. Los personajes que pueblan sus lienzos, despojados de rostro y carácter individual, se disuelven en la arquitectura, en la geometría que define el paisaje urbano. Juega con la idea de la ventana, como un límite a nuestra percepción, mostrando que la ciudad, aunque la observemos detenidamente, sigue existiendo más allá de lo que somos capaces de ver.
KATHARINA ARNDT. Ting Ting Art Space
Katharina Arndt (Alemania, 1981) vive y trabaja entre Berlín y Barcelona. Formada en la Escuela de Arte de Braunschweig, obtuvo su Maestría en Bellas Artes bajo la dirección de John Armleder. Arndt utiliza medios como la película de PVC, el papel lacado y el plexiglás, combinando pintura acrílica brillante y marcadores de laca para abordar la cultura materialista y plástica de la era digital. En su obra adopta un enfoque crítico hacia la representación de la comunicación digital y el consumo masivo, reflejando una sociedad obsesionada con la imagen y el entretenimiento instantáneo. Las figuras en sus pinturas, caricaturescas y a menudo infantiles, representan el vacío y la superficialidad de una cultura donde la estética se ha convertido en la única prioridad, mientras que la conexión humana se diluye cada vez más.
LARA PADILLA. 3 Punts Galería
Lara Padilla (Madrid, 1988), es una artista multidisciplinar cuyo trabajo abarca la pintura, la escultura, la danza, la performance y el diseño de moda. Con formación en Bellas Artes y Fotografía de Cine, Lara Padilla ha expuesto su trabajo tanto a nivel nacional como internacional en lugares como Art Basel Miami y el Museo de Zapadores de Madrid. Su obra, influenciada por artistas como Basquiat y Keith Haring, explora temas como la igualdad, el consumismo, la inmigración y la libertad de expresión. A través de sus obras figurativas, utiliza la deformación del cuerpo, el color y las texturas para reivindicar el poder de la representación femenina; considera el arte como una forma de intervención política, promoviendo la diversidad y la igualdad mediante una estética que desafía las normas y celebra la autenticidad.
NÚRIA TORRES. Inéditad Gallery
Núria Torres (Barcelona, 1976) es una escultora apasionada por transformar lo cotidiano en arte a través del mármol, la porcelana y el bronce. Tras diplomarse en Ingeniería, se dedicó a la escultura en la escuela Llotja de Barcelona, donde encontró su verdadera vocación. Su trabajo escultórico destaca por su dedicación y perfección técnica, especialmente en la manipulación de la piedra, que exige una precisión extrema. La escultora juega con la porcelana y el bronce para aportar versatilidad y robustez a sus piezas, que van desde pequeños detalles hasta grandes esculturas a escala monumental. A lo largo de su carrera, ha colaborado con artistas como Antoni Miralda y ha sido reconocida en diversas bienales internacionales. Su arte es figurativo, pero con una mirada contemporánea que agrega un toque de realismo, siempre buscando nuevas formas de expresión y representación.
MISKA MOHMMED. OOA Gallery
Miska Mohmmed (Omdurman, Sudán, 1995), es una artista cuya obra trasciende las fronteras de la realidad y la imaginación. Vivir entre diferentes paisajes, desde los áridos del norte de Sudán hasta los vibrantes de Nairobi, Kenia, ha influido en su visión artística. Su formación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sudán la llevó a desarrollar una técnica única en la que utiliza óleo y acrílico para crear paisajes semi-abstractos, plasmando la naturaleza a través de amplias líneas horizontales que evocan la atmósfera y el espíritu de los terrenos que la inspiran. Su arte refleja la interacción entre la realidad y la imaginación, ofreciendo una visión de un mundo cambiante y dinámico. Al captar la atmósfera de los paisajes, Mohmmed crea imágenes que no solo son visualmente impactantes, sino que también invitan a reflexionar sobre la transformación y el flujo continuo de la naturaleza y la memoria.
MARCELA JARDÓN. Uxval Gochez Gallery
Marcela Jardón (Buenos Aires, Argentina, 1964) es una artista multidisciplinaria cuyo trabajo ha trascendido fronteras. Formada en la Escuela Nacional de Bellas Artes de la Universidad Nacional de las Artes en Buenos Aires, su obra ha sido exhibida en diversas ferias y eventos internacionales en América, Europa y Asia, consolidándose como una figura destacada en el arte contemporáneo. Actualmente, radicada en Barcelona, su trabajo se despliega en una variedad de disciplinas, abarcando desde la pintura hasta la escultura, pasando por el arte digital. Las piezas de Jardón han encontrado su lugar en colecciones públicas y privadas a nivel mundial, una clara muestra del impacto de su labor creativa.
WANG GUAN-JHEN. Yiri Arts
Wang Guan-Jhen (Taiwán, 1992) , es una artista cuya obra explora los temas del aislamiento y la soledad con una intensidad emocional única. Tras obtener su Maestría en Bellas Artes en la Universidad Nacional de las Artes de Taipéi en 2018, ha creado piezas que transmiten una sensación de desolación, como si sus personajes flotaran en un espacio vacío, tocados solo por destellos fugaces de calidez, antes de ser nuevamente envueltos por la oscuridad. Sus obras, con expresiones aparentemente indiferentes, desvelan historias profundas de pérdida y desesperación, donde la tensión emocional subyacente se traduce en suspiros llenos de ternura, como una delgada línea entre la racionalidad y la pasión, lo que las hace especialmente cautivadoras. Su obra forma parte de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán, consolidándose como una de las voces más destacadas del arte contemporáneo de su país.
BRIGITTE MARIONNEAU. Pigment Gallery
Brigitte Marionneau (Francia, 1955), ha forjado una carrera en la escultura contemporánea marcada por una sensibilidad que trasciende lo visible. Sus obras, que exploran la relación entre el cuerpo humano, el espacio y la naturaleza, no se limitan a ser formas estáticas, sino que invitan a una reflexión profunda sobre la existencia y la percepción. Utilizando materiales como piedra, bronce, mármol y acero, la artista crea piezas que, aunque minimalistas en su estética, cargan con una enorme carga emocional. En ellas, el espacio vacío nunca es ausente, sino que dialoga con la solidez de la materia, sugiriendo un equilibrio entre la fragilidad y la firmeza, entre lo visible y lo intangible.
