La Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles, espacio en el que se ha celebrado por quinto año consecutivo la Feria de Arte Contemporáneo Art Madrid ha recibido entre el miércoles 21 de febrero y el domingo 25 de febrero más de 20.000 visitantes, entre los que ha aumentado hasta un 20% el porcentaje de público profesional y de coleccionistas, tanto privados como institucionales.

Fotografía realizada por Julia Mateo de Madphoto

Para esta 13ª edición, el comité de selección de Art Madrid’18, formado por el especialista en mercado del arte internacional Ángel Samblancat; el teórico y crítico de arte Alfonso de la Torre, el galerista Javier López Vélez, de 3 Punts (Barcelona) y, el comisario independiente Carlos Delgado Mayordomo, valoró más de una centena de propuestas para dar forma a un programa en el que prima la calidad sin olvidar el potencial de ventas y para el que exigieron a las galerías propuestas coherentes y vanguardistas.

“Me ha gustado la hiperactividad de la feria y el aire de permanente entusiasmo. Y, claro, el espacio de encuentro que se crea entre obras de artistas consagrados y nuevas voces emergentes. Art Madrid se ha convertido en una propuesta muy diferente, en el sentido de distinguida, en el agitado febrero artístico”, opina Alfonso de la Torre. Para Samblancat destaca “la mejor selección de propuestas por parte de los expositores en la feria y la mayor apertura a galerías internacionales, por ejemplo de Latinoamérica con magníficas representaciones como la de Collage Habana de Cuba, de Italia con Casa Falconieri de Cagliari, de Asia con Yiri Arts de Taipei y sus nuevas aportaciones, de Alemania con Schmalfuss y Robert Drees, de Ucrania con Nebo Art Gallery de Kiev y sus emocionantes telas de exquisita factura”.

Fotografía realizada por Miguel Ángel Satué de Madphoto

COLECCIONISTAS ENTUSIASTAS Y ARTISTAS DESTACADOS

Frasco Pinto y Pedro Pinto, directores de la Galería Artizar de Tenerife, destacan la variedad de público en “una feria muy visitada, con amantes del arte de todo tipo. Coleccionistas veteranos, coleccionistas jóvenes, visitantes sin más ánimo que ver arte y curiosos”. En cuanto a ventas, su propuesta, un ONE PROJECT de Carlos Nicanor “ha cubierto y superado las expectativas. La verdad es que ha funcionado muy bien”, aseguran. Jaime Sordo, presidente de la Asociación de Coleccionistas 9915 fue uno de los coleccionistas que eligió una pieza de Nicanor para su Colección “Los Bragales”. Para la galerista Arancha Osoro de Oviedo, el balance ha sido muy positivo y “a pesar de traer una apuesta nueva y personal, difícil en algún caso de defender en un mercado tan amplio, estamos contentos porque se vendió obra de todos nuestros artistas, destacando especialmente las piezas de artistas que han ido a parar a colecciones privadas, como son un acrílico de Jezabel Rodríguez, una obra de gran formato de Nuria Formenti y una pieza del escultor Kiko Miyares”.

Junto a los artistas ya destacados, merecen una mención especial algunos de los y las artistas más apreciados por los coleccionistas y compradores de esta edición, como son el pintor Lino Lago (con varias piezas vendidas con la galería Moret Art de A Coruña), el taiwanés Lai Wei-Yu de la galería Yiri Arts (el pintor más joven de la colección del Museo de Bellas Artes de Taiwan), la escultora Candela Muniozguren que vendió varias piezas de su ONE PROJECT con la galería Bea Villamarín, la coreana Joo Eun Bae, una auténtica revelación de la galería MH Art Gallery de Bilbao, Carmen Calvo, Premio Nacional de Bellas Artes de la que se vendieron varios collages en la galería Art Lounge de Lisboa, o Roldán Lauzán de la galería cubana Collage Habana, uno de cuyos retratos ya forma parte de la Colección Bassat.

Lino Lago

1.Rojo, 2017

Óleo sobre lino

30 x 24cm

Candela Muniozguren

Tetrix 04, 2017

Acero lacado

50 x 20cm

Lai Wei-Yu

After School Fight, 2017

Óleo sobre tela

116 x 91cm

Para Sara Joudi, de la Galería Shiras (Valencia) por primera vez en Art Madrid, “había un perfil de nuevos coleccionistas y de compradores ocasionales que se interesaron mucho por nuestra propuesta y adquirieron obra. Había un ambiente favorable a la venta y comentarios muy positivos sobre la propuesta general de la feria. Nosotros vendimos obra de todos los artistas que llevamos”. Desde otra de las nuevas galerías, Diwap Gallery (Sevilla), su co-director Juan Cruz señala que su paso por Art Madrid ha sido “una experiencia gratificante al ver cómo se va introduciendo la obra de artistas urbanos y de entornos diferentes al habitual, es un camino lento pero hay que hacerlo y tener paciencia y Art Madrid ha hecho muy buena apuesta”.

Javier López, de Galeria 3 Punts de Barcelona, destaca un “público cada vez más interesante y más jóven” que les sorprendió en cuanto potenciales compradores ya que en esta edición han “superado las expectativas de ventas”. La propuesta de 3 Punts incluía, entre otros, a Okuda San Miguel, Samuel Salcedo, Gerard Mas, Mark Jenkins y Ramón Surinyac. En este sentido, la galería alemana Robert Drees, espacio de referencia para el arte contemporáneo en Hannover, destaca “la energía y el entusiasmo de los compradores y amantes del arte entre el público de Art Madrid” sin olvidar “el espacio, una ubicación inigualable para mostrar arte”.

Pepa Salas

Alles wird gut, 2017

Acrílico sobre lienzo

80 x 80cm

Okuda San Miguel

Punk Horse, 2017

Esmalte sintético y fibra de vidrio

68 x 60cm

La propuesta de la galería Luisa Pita, según la galerista, “ha captado la atención de coleccionistas y entidades como la Fundación Caja Burgos con quién he cerrado un proyecto expositivo para Christian Villamide, o colaboraciones con dos estudios de arquitectura para integrar obras de Pierre Louis Geldenhuys en sus próximos proyectos”, cuenta la galerista.

Esta posibilidad de nuevos proyectos, el encuentro con otros profesionales, es una de las experiencias que más aprecian los artistas. “Es el eslabón perfecto para contactar con otras galerías, coleccionistas particulares, compartir experiencias con otros artistas... Participar en Art Madrid, abre un abanico de posibilidades para cualquier artista, motivándolo a seguir creando con ánimo y perspectiva de poder vivir del arte”, explica la española Pepa Salas, representada por la galería Robert Drees.

Para Rubén Martín de Lucas, uno de los artistas más valorados en las última ediciones de Art Madrid con la galería BAT alberto cornejo, las ferias “son un gran dinamizador, sobre todo a nivel mercado del arte (necesario para sustentar toda la estructura). Sirve muy bien como complemento al trabajo, más pausado y profundo, que llevan a cabo los artistas en las galerías e instituciones. Además, poder conocer al público, tener su opinión, contar de primera mano tu discurso... acorta la distancia entre artista y público. La imagen de artista endiosado en su púlpito es engañosa y poco real”.

Rubén Martín de Lucas

Large Wild Garden 03, 2017

Ceras, óleo y esmalte

180 x 240cm

“Es de las ferias en las que más he socializado y me he sentido muy cómodo en contacto con el público, me he sentido muy querido. Me ha gustado mucho participar en una de las mejores ferias de mi país abanderando a una serie de artistas que simbolizan ciertos cambios en el mercado del arte”, añade Okuda San Miguel, Artista Invitado en Art Madrid’18.

Okuda San Miguel, Fotografía realizada por Miguel Ángel Satué de Madphoto

INVITADOS Y PERSONALIDADES

A la inauguración oficial de Art Madrid’18 asistieron, entre otras personalidades los embajadores de Alemania, Brasil, Ucrania, Francia, Suiza, Suecia, Italia, Chile, Rusia, la embajadora de Costa Rica, México, así como el Sr. Pedro Berhan da Costa, Consejero de Cultura de la Embajada de Portugal, la Sra. Natasha Díaz, Primera Secretaria de la Embajada de Cuba, el Sr. Antonio Lee, Agregado cultural de la Oficina Económica y Cultural de Taipei, el Sr. Ryan Matheny Garrido, Agregado cultural adjunto de la Embajada de Estados Unidos, buen ejemplo de la importancia que ya tiene la feria entre los coleccionistas y profesionales extranjeros.

Por parte de las instituciones locales han visitado la feria Dª. Manuela Carmena, Alcaldesa de Madrid, D. Óscar Sáenz de Santa María, Director de Industrias Culturales y del Libro del MECD, D. Luis Serrano, de la Dirección General de Patrimonio cultural de la Comunidad de Madrid, así como Dª. Elisa de Cabo de la Vega Subdirectora General de Protección del Patrimonio Histórico de la Secretaría de Estado de Cultura MECD.

Dª Manuela Carmena junto el artista Antonyo Marest, Fotografía realizada por Sara Ortega de Madphoto

Como representación de instituciones y fundaciones culturales han asistido a Art Madrid’18 Luis Lafuente Batanero, Director General de Bellas Artes y Patrimonio Cultural, Javier del Campo de Fundación Caja de Burgos, Dª. Leticia Martín, Gerente Centro Atlántico de Arte Moderno-CAAM, el Sr. D. Santiago Miralles, Director General de la Casa de América, Dª. María Brancós Barti, jefa de exposiciones de la Fundación Telefónica y Dª Rosario López directora de Proyectos Culturales de la Fundación Banco de Santander.

La obra de Julian Manzelli (Chu) (Buenos Aires, Argentina, 1974) se sitúa en un territorio de investigación donde el arte adopta metodologías próximas al pensamiento científico sin renunciar a su dimensión poética y especulativa. Su práctica se estructura como un proceso abierto de experimentación, en el que el taller funciona como laboratorio: un espacio de ensayo, error y verificación, más orientado a la producción de nuevas formas de percepción que a la obtención de certezas. En este sentido, su trabajo dialoga con una epistemología de la incertidumbre, afín a tradiciones filosóficas que entienden el conocimiento como devenir y no como cierre.

Manzelli explora zonas intersticiales, entendidas como espacios de tránsito y transformación. Estas áreas ambiguas no se presentan como indefinición, sino como potencia: lugares donde las categorías se disuelven y permiten la emergencia de configuraciones híbridas, casi alquímicas, que reprograman la mirada.

La geometría, lejos de operar como sistema normativo, aparece tensionada y desestabilizada. Sus construcciones precarias articulan un cruce entre intuición y razón, juego e ingeniería, evocando una gramática universal presente tanto en la naturaleza como en el pensamiento simbólico. Así, las obras de Manzelli no representan el mundo, sino que lo transfiguran, activando preguntas más que respuestas cerradas.

Avícola. Escultura magnética. Madera, imanes, laca automotriz y acero. 45 x 25 cm. 2022.

La ciencia y sus métodos inspiran tu proceso. ¿Qué tipo de paralelismos encuentras entre el pensamiento científico y la creación artística?

La ciencia y el arte son dos disciplinas que creo tienen mucho en común y sin duda están muy interrelacionadas. A mí me interesa ese cruce y a pesar de que muchas veces se ponen en lugares opuestos, creo que comparten y tienen un mismo origen. En ambos está esa búsqueda continua, esa necesidad de respuestas que viene desde la curiosidad, no tanto desde la certeza y que a veces, o en muchos casos, tanto a los artistas como a los científicos, los lleva a ponerse en lugares incómodos e inciertos y a salirse de su zona de confort. Creo que eso es algo en común y muy interesante de estas dos disciplinas que de alguna forma son las que nos definen como humanos.

En ese sentido, ambas comparten la experimentación como eje de su práctica. La prueba, el error, los ensayos y todo este proceso son los que van generando el desarrollo. En mi caso, esto se aplica al taller: lo vivo como un laboratorio donde se desarrollan distintos proyectos, donde voy testeando materiales. Es como si uno genera una hipótesis y luego la pusiera a prueba: los materiales, los procedimientos, las formas, los colores, y se obtienen resultados. Resultados que no buscan ser verificados, sino que en el arte tienen, creo yo, la función de generar nuevos modos de percepción, nuevas miradas y experiencias.

Receptor Lunar #01. Ensamble de Madera Reciclada torneada. 102 x 26 x 26 cm. De la serie Fuerza orgánica. 2023.

Trabajas desde los intersticios entre lo natural y lo artificial, lo figurativo y lo abstracto. ¿Qué te interesa de esas zonas ambiguas y qué tipo de conocimiento emergen de ellas?

Siempre fui bastante inquieto y eso me llevó a meterme y sumergirme en distintos ámbitos, distintas disciplinas. Creo que hay una riqueza especial en los lugares intersticiales, en el ida y vuelta, en la circulación entre medios. Siempre me llamaron la atención estos espacios, los lugares ambiguos, los lugares híbridos. Creo que hay algo de la lógica anfibia, los anfibios como entidades que llevan y traen información, que comparten, que atraviesan límites y membranas. Es algo, en mi caso, que está vinculado a lo que entiendo como libertad, sobre todo en un momento de encasillamiento, de etiquetas y donde el concepto de libertad ha sido totalmente transgiversado.

Y después, por otro lado, en el plano más metafísico, en la mezcla, en ese mix es donde aparece la energía viva de crear algo nuevo, que sin duda es como la base de lo humano. Entonces es como que “una cosa se hace cosa fuera del molde". Y es necesaria esa interacción para romper estructuras, armar otras, transmutarse; tiene algo como alquímico. Yo creo que el enemigo es la fijación. De alguna manera lo ambiguo es lo que permite reprogramar la mirada y generar nuevos puntos de vista.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

El movimiento, la repetición y la secuencia aparecen como estrategias visuales. ¿Qué papel cumple la serialidad en la generación de significado?

El movimiento, la repetición y la secuencia están muy presentes en mi trabajo. Yo tengo un largo background en el mundo de la animación y, de alguna forma, ese interés comienza a filtrarse en las demás disciplinas en las que me desempeño. Así, el movimiento aparece también en mi obra dentro de las artes visuales.

La serialidad es como una forma de pensar el tiempo y de introducir cierta narrativa y acción en la obra, al mismo tiempo que creo que condiciona la experiencia del espectador, lo invita a intentar descifrar cierta repetición como una especie de progresión. Me interesa, en particular, la narrativa más abstracta. En este tipo de narrativa, donde no hay figuración clara, la repetición empieza a marcar un pulso, un “beat” que señala el paso del tiempo. Lo interesante, creo, es que nos damos cuenta de que repetir no es exactamente duplicar, y que lo idéntico comienza a mutar a lo largo del tiempo, del ritmo o de su propia historia.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

Trabajas con sistemas geométricos y constructivos. ¿Qué papel cumple la geometría como lenguaje simbólico dentro de tu trabajo?

La geometría está presente en mi obra de múltiples formas y dimensiones, generando distintas dinámicas. Por lo general, suelo ponerla en crisis, en tensión. Si uno se adentra en mis obras, se da cuenta de que predominan construcciones en equilibrio impreciso e inestable; no busco lo simétrico ni lo exacto, sino una construcción dinámica que plantea una situación. No lo concibo como un sistema rígido.

Creo que ahí se establece un puente entre lo intuitivo y lo racional, entre lo lúdico -el juego- y la ingeniería, como esos cruces inesperados. Al mismo tiempo, la geometría funciona como un código, un lenguaje que nos conecta con una gramática universal presente en la naturaleza, en los fractales, y que sin duda remite al simbolismo. Es ahí donde se abre un portal interesante en el que la obra empieza a resignificar y a darse como un proceso de significación externo a sí misma, totalmente incierto. El resultado de mis obras no son piezas que representan; más bien, creo que son piezas que transfiguran y que, de alguna manera, generan preguntas.

WIP. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de contrucción. 2022.

¿Hasta qué punto planificas tus obras y cuánto espacio dejas para que ocurra lo inesperado o, incluso, al error?

Con respecto a la planificación, es algo que depende bastante del proyecto y del día. Hay proyectos que, por su envergadura o complejidad, requieren planificación, sobre todo cuando involucran a otras personas que deben participar. Sin duda, en muchos casos la planificación es fundamental.

En los proyectos que suelo planificar, siempre me interesa dejar un espacio para la improvisación, donde pueda jugar un poco el azar o el devenir del propio proceso. Creo que ahí empiezan a surgir cosas interesantes, y es importante no dejarlas pasar. Personalmente, me aburriría mucho trabajar en obras cuyo resultado ya conozco de antemano. La realización de cada obra es, para mí, un viaje incierto; no sé hacia dónde me llevará, y creo que ahí reside el potencial y lo interesante, no solo para mí, sino también para la obra misma y la experiencia del espectador.