Art Madrid presenta en su 19ª edición un Programa General de Galerías integrado por treinta y seis expositores nacionales e internacionales y un renovado Programa Paralelo. Sobre este último, te contamos todos los detalles que hemos preparado para nuestra próxima cita con el arte contemporáneo.

El Programa Paralelo de Art Madrid'24 tiene como objetivo principal apoyar el talento emergente. Consideramos fundamental brindar nuestro apoyo y reconocimiento a nuevas generaciones de artistas, ofreciendo nuestro evento como espacio desde el que insertarse dentro del circuito del mercado del arte contemporáneo. Decidimos en esta edición, apostar por una línea de trabajo enfocada en las nuevas producciones artísticas y en los creadores que inician su recorrido profesional.

Sofía Cristina Jiménez. Naturaleza Plástica IIi: El Tigre Y El Mono. Acrílico sobre lino, 100 x 100 x 4 cm, 2021.

¿Alguna vez te has preguntado cómo se puede englobar la diversidad artística de una ciudad en una cita tan fugaz y dinámica como una feria de arte? Como evento de referencia dentro del sector cultural, entendemos que es nuestra responsabilidad explorar las diversas maneras de dar voz a artistas, galeristas, comisarios, coleccionistas y profesionales del ámbito cultural, proponiendo una multitud de ideas reunidas bajo la premisa del encuentro más importante del arte contemporáneo en Madrid. La recepción y la sensorialidad como experiencias cognitivas ligadas intrínsecamente al objeto artístico; la crítica como exégesis de su tiempo y contexto; la obra de arte efímera y la performance, son algunos de los temas que ponemos sobre la mesa en nuestra 19ª edición.

El Programa Paralelo de Art Madrid´24 celebra el encuentro de la diversidad de tendencias, la creatividad, el arte que propicia la reflexión y la exposición de nuevas voces dentro del panorama artístico; y reconoce la urgencia de crear plataformas inclusivas que impulsen la visibilidad y el reconocimiento de artistas que tienen ante sí la promesa del futuro. Con esta iniciativa, Art Madrid reafirma su apuesta por la accesibilidad y la cercanía del arte contemporáneo a todos los públicos, impulsa la colaboración institucional como práctica necesaria dentro de la escena artística y renueva su presencia como cita imprescindible, esta vez, con una edición comisariada, reflexiva y actual.

Ryaskartstyle. Meatblue. Acrílico sobre lienzo, 150 x 200 cm, 2022.

Protagonizan el Programa Paralelo de Art Madrid'24 una variedad de propuestas que tendrán lugar en la antesala de la feria y durante los días en los que se celebra, en su sede de la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles que incluyen: Arte y Palabra: Conversaciones con Carlos del Amor ; OPEN BOOTH con la artista invitada: Marina Tellme; Intercesiones X Tara For Women; Lecturas. Recorridos comisariados; La Quedada. Circuito de estudios Art Madrid'24 y el Programa de Coleccionismo: One Shot Collectors.

Jorge Luis Rodríguez Marrero. Fig. 169. Apolo 1. Óleo sobre lienzo, 30 x 30 cm, 2021.

ARTE Y PALABRA.
Conversaciones con Carlos del Amor

Con su cuidada manera de acercarse a los mundos infinitos de la creatividad, Carlos del Amor nos revela el universo artístico de diez creadores participantes en la 19ª edición de la feria. Con esta acción, Art Madrid expande y refuerza su interés por acercar las prácticas artísticas al gran público, esta vez en la voz de los artistas que nos estarán acompañando durante la semana más importante del arte contemporáneo español.

Artistas invitados:

Richard García. Galería BAT; Francesca Poza. Galería Alba Cabrera; Nacho Zubelzu. Galería Metro; Alejandro Monge. 3 Punts Galería; Suncityboy. Dr. Robot Gallery; Juan Miguel Quiñones García. Pigment Gallery; Manu Iranzo. CLC Arte; Evans Mbugua. OOA Gallery; Daniel Schweitzer. Shiras Galería y Carla Effa. Kleur Gallery.

Paco Dalmau. Evolution 90 III. Acrílico y resina sobre tela en tabla de madera,90 x 90 cm, 2023.

OPEN BOOTH

Art Madrid'24 presenta en exclusiva el Open Booth, un proyecto comisariado que protagonizan la artista española Marina Tellme y su instalación Reunión de gente importantísima . El Open Booth es un espacio abierto para ser intervenido por una artista emergente; es también el espacio abierto que presenta a una creadora en el contexto de la feria y la acompaña en su "debut" dentro del circuito del mercado del arte madrileño. Con la intervención del cubo blanco, abrimos la posibilidad de formar parte de la 19ª edición de Art Madrid a una artista que no cuenta con la representación de una galería y sin embargo, construimos una sección diáfana que abraza los valores de nuestro evento; esta vez, con el propósito de construir una plataforma de presentación y promoción para artistas que aún no han sido "descubiertos" en toda su magnitud.

Iván Quesada. Rafael, la muda, retrato de mujer. Pastel al óleo, 40 x 30 cm, 2017.

Reunión de gente importantísima es una instalación inédita, concebida especialmente por Marina Tellme para Art Madrid'24. A través de la pieza, la artista propone una mirada subversiva al contexto de relaciones sociales que se establece al interior del mundillo del arte. Con un toque de humor, una estética naif y una intencionalidad que podría parecer cándida, la obra representa -a modo de sátira o tira cómica- una reunión de gente importantísima en una zona VIP.

Rut Massó. Guatiza. Óleo, tinta y acrílico sobre lienzo, 200 x 120 cm, 2022

Intercesiones.
Ciclo de performance X Tara For Women

*Intercesión: Acción y efecto de interceder por el bien de los semejantes.

Intercesiones es un ciclo de performance organizado con el apoyo de la fundación Tara For Women que presenta los trabajos de cuatro artistas: Estel Boada, Teresa Búa, Sara Domínguez y Mónica Egido, cuyas prácticas reflexionan sobre nuestro tiempo; y a su vez, proponen una mirada aguda sobre la relación simbólica entre el ser humano y su contexto, utilizando el cuerpo como reservorio de afectos. Las obras que presentarán las artistas transformarán el espacio expositivo en un dispositivo que propicie el diálogo provocador y necesario en el contexto de Art Madrid'24.

Artistas invitadas:

Estel Boada, Sara Domínguez, Mónica Egido y Teresa Búa

Natalia Romanciuc. Belly. Óleo sobre lienzo, 180 x 150 cm, 2023.

Lecturas.
Recorridos comisariados

Lecturas. Recorridos comisariados por Art Madrid es un proyecto de mediación cultural diseñado para acercar al público a las obras que se podrán apreciar en las galerías que integran el Programa General de Art Madrid'24. Para la ocasión hemos invitado a la divulgadora cultural Eugenia Tenenbaum y al comisario Óscar Manrique. A través de los recorridos comisariados por ambos, el público participará de una feria contada a través de una selección de obras que responden a disímiles perspectivas y propiciará el acercamiento a las propuestas expositivas de la edición.

Xurxo Gómez-Chao. Arquivo NºIV, Fotografía, Glecleé, Papel Algodón Hahnemuhle 300gr, 130 x 100 cm, 2023.

La Quedada.
Circuito de estudios Art Madrid'24

Para adelantarnos a lo que será Art Madrid'24 hemos organizado un circuito de recorridos para visitar los estudios de algunos de los artistas que estarán participando en la edición ¿Te has preguntado cómo es el espacio de trabajo de un artista? ¿Has pensado dónde produce un artista su obra cuando, por ejemplo, se está preparando para participar en una feria de arte? Es posible que alguna vez hayas sentido curiosidad sobre cómo es el día a día de un artista visual. Para intentar responder a esas preguntas, te invitamos a que nos acompañes en La Quedada, una iniciativa para acercarte al sorprendente mundo en el que trabajan las y los artistas visuales.

En la primera edición de La Quedada tendremos la oportunidad de visitar los estudios de:

• Carlos Tárdez (Representado en Art Madrid por Galería Bea Villamarín)
• Lara Padilla (Representada en Art Madrid por 3 Punts Galería)
• Richard García (Representado en Art Madrid por Galería BAT)
• Elena Gual (Representada en Art Madrid por Arma Gallery)
• Marina Tellme (Representada en Open Booth como parte del Programa Paralelo de Art Madrid)

LIN Shih-Yung. Under Shuiyuan-2. Acrílico sobre lienzo, 194 x 130 cm, 2023.

Programa One Shot Collectors

El programa de coleccionismo se integra en la feria con el compromiso de seguir tendiendo puentes para el acercamiento del público al arte contemporáneo y fomentar la adquisición de obras de arte. Esta propuesta está dirigida tanto a profesionales del sector como a los amantes del arte contemporáneo que estén pensando en iniciarse en el coleccionismo. De la mano de Ana Suárez Gisbert, art advisor y perito tasador, Art Madrid ofrece un servicio gratuito de asesoramiento en la adquisición de obras para el público interesado en el contexto de Art Madrid.

El valor de las propuestas concebidas para celebrar la diecinueve edición de Art Madrid está en la colaboración y la implicación de las personas e instituciones que hacen posible la continuidad de nuestro evento. El Programa Paralelo se convierte así, en uno de los platos fuertes de la edición. Esperamos que nuestro próximo reencuentro sea un tiempo para celebrar el arte contemporáneo, la presencia de nuevas y fieles galerías y para mantenernos en la preferencia del público como evento cercano, accesible y abierto a las sinergias que hacen posible la apuesta por el futuro de las prácticas artísticas.

La obra de Julian Manzelli (Chu) (Buenos Aires, Argentina, 1974) se sitúa en un territorio de investigación donde el arte adopta metodologías próximas al pensamiento científico sin renunciar a su dimensión poética y especulativa. Su práctica se estructura como un proceso abierto de experimentación, en el que el taller funciona como laboratorio: un espacio de ensayo, error y verificación, más orientado a la producción de nuevas formas de percepción que a la obtención de certezas. En este sentido, su trabajo dialoga con una epistemología de la incertidumbre, afín a tradiciones filosóficas que entienden el conocimiento como devenir y no como cierre.

Manzelli explora zonas intersticiales, entendidas como espacios de tránsito y transformación. Estas áreas ambiguas no se presentan como indefinición, sino como potencia: lugares donde las categorías se disuelven y permiten la emergencia de configuraciones híbridas, casi alquímicas, que reprograman la mirada.

La geometría, lejos de operar como sistema normativo, aparece tensionada y desestabilizada. Sus construcciones precarias articulan un cruce entre intuición y razón, juego e ingeniería, evocando una gramática universal presente tanto en la naturaleza como en el pensamiento simbólico. Así, las obras de Manzelli no representan el mundo, sino que lo transfiguran, activando preguntas más que respuestas cerradas.

Avícola. Escultura magnética. Madera, imanes, laca automotriz y acero. 45 x 25 cm. 2022.

La ciencia y sus métodos inspiran tu proceso. ¿Qué tipo de paralelismos encuentras entre el pensamiento científico y la creación artística?

La ciencia y el arte son dos disciplinas que creo tienen mucho en común y sin duda están muy interrelacionadas. A mí me interesa ese cruce y a pesar de que muchas veces se ponen en lugares opuestos, creo que comparten y tienen un mismo origen. En ambos está esa búsqueda continua, esa necesidad de respuestas que viene desde la curiosidad, no tanto desde la certeza y que a veces, o en muchos casos, tanto a los artistas como a los científicos, los lleva a ponerse en lugares incómodos e inciertos y a salirse de su zona de confort. Creo que eso es algo en común y muy interesante de estas dos disciplinas que de alguna forma son las que nos definen como humanos.

En ese sentido, ambas comparten la experimentación como eje de su práctica. La prueba, el error, los ensayos y todo este proceso son los que van generando el desarrollo. En mi caso, esto se aplica al taller: lo vivo como un laboratorio donde se desarrollan distintos proyectos, donde voy testeando materiales. Es como si uno genera una hipótesis y luego la pusiera a prueba: los materiales, los procedimientos, las formas, los colores, y se obtienen resultados. Resultados que no buscan ser verificados, sino que en el arte tienen, creo yo, la función de generar nuevos modos de percepción, nuevas miradas y experiencias.

Receptor Lunar #01. Ensamble de Madera Reciclada torneada. 102 x 26 x 26 cm. De la serie Fuerza orgánica. 2023.

Trabajas desde los intersticios entre lo natural y lo artificial, lo figurativo y lo abstracto. ¿Qué te interesa de esas zonas ambiguas y qué tipo de conocimiento emergen de ellas?

Siempre fui bastante inquieto y eso me llevó a meterme y sumergirme en distintos ámbitos, distintas disciplinas. Creo que hay una riqueza especial en los lugares intersticiales, en el ida y vuelta, en la circulación entre medios. Siempre me llamaron la atención estos espacios, los lugares ambiguos, los lugares híbridos. Creo que hay algo de la lógica anfibia, los anfibios como entidades que llevan y traen información, que comparten, que atraviesan límites y membranas. Es algo, en mi caso, que está vinculado a lo que entiendo como libertad, sobre todo en un momento de encasillamiento, de etiquetas y donde el concepto de libertad ha sido totalmente transgiversado.

Y después, por otro lado, en el plano más metafísico, en la mezcla, en ese mix es donde aparece la energía viva de crear algo nuevo, que sin duda es como la base de lo humano. Entonces es como que “una cosa se hace cosa fuera del molde". Y es necesaria esa interacción para romper estructuras, armar otras, transmutarse; tiene algo como alquímico. Yo creo que el enemigo es la fijación. De alguna manera lo ambiguo es lo que permite reprogramar la mirada y generar nuevos puntos de vista.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

El movimiento, la repetición y la secuencia aparecen como estrategias visuales. ¿Qué papel cumple la serialidad en la generación de significado?

El movimiento, la repetición y la secuencia están muy presentes en mi trabajo. Yo tengo un largo background en el mundo de la animación y, de alguna forma, ese interés comienza a filtrarse en las demás disciplinas en las que me desempeño. Así, el movimiento aparece también en mi obra dentro de las artes visuales.

La serialidad es como una forma de pensar el tiempo y de introducir cierta narrativa y acción en la obra, al mismo tiempo que creo que condiciona la experiencia del espectador, lo invita a intentar descifrar cierta repetición como una especie de progresión. Me interesa, en particular, la narrativa más abstracta. En este tipo de narrativa, donde no hay figuración clara, la repetición empieza a marcar un pulso, un “beat” que señala el paso del tiempo. Lo interesante, creo, es que nos damos cuenta de que repetir no es exactamente duplicar, y que lo idéntico comienza a mutar a lo largo del tiempo, del ritmo o de su propia historia.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

Trabajas con sistemas geométricos y constructivos. ¿Qué papel cumple la geometría como lenguaje simbólico dentro de tu trabajo?

La geometría está presente en mi obra de múltiples formas y dimensiones, generando distintas dinámicas. Por lo general, suelo ponerla en crisis, en tensión. Si uno se adentra en mis obras, se da cuenta de que predominan construcciones en equilibrio impreciso e inestable; no busco lo simétrico ni lo exacto, sino una construcción dinámica que plantea una situación. No lo concibo como un sistema rígido.

Creo que ahí se establece un puente entre lo intuitivo y lo racional, entre lo lúdico -el juego- y la ingeniería, como esos cruces inesperados. Al mismo tiempo, la geometría funciona como un código, un lenguaje que nos conecta con una gramática universal presente en la naturaleza, en los fractales, y que sin duda remite al simbolismo. Es ahí donde se abre un portal interesante en el que la obra empieza a resignificar y a darse como un proceso de significación externo a sí misma, totalmente incierto. El resultado de mis obras no son piezas que representan; más bien, creo que son piezas que transfiguran y que, de alguna manera, generan preguntas.

WIP. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de contrucción. 2022.

¿Hasta qué punto planificas tus obras y cuánto espacio dejas para que ocurra lo inesperado o, incluso, al error?

Con respecto a la planificación, es algo que depende bastante del proyecto y del día. Hay proyectos que, por su envergadura o complejidad, requieren planificación, sobre todo cuando involucran a otras personas que deben participar. Sin duda, en muchos casos la planificación es fundamental.

En los proyectos que suelo planificar, siempre me interesa dejar un espacio para la improvisación, donde pueda jugar un poco el azar o el devenir del propio proceso. Creo que ahí empiezan a surgir cosas interesantes, y es importante no dejarlas pasar. Personalmente, me aburriría mucho trabajar en obras cuyo resultado ya conozco de antemano. La realización de cada obra es, para mí, un viaje incierto; no sé hacia dónde me llevará, y creo que ahí reside el potencial y lo interesante, no solo para mí, sino también para la obra misma y la experiencia del espectador.