Art Madrid presenta en su 19ª edición un Programa General de Galerías integrado por treinta y seis expositores nacionales e internacionales y un renovado Programa Paralelo. Sobre este último, te contamos todos los detalles que hemos preparado para nuestra próxima cita con el arte contemporáneo.

El Programa Paralelo de Art Madrid'24 tiene como objetivo principal apoyar el talento emergente. Consideramos fundamental brindar nuestro apoyo y reconocimiento a nuevas generaciones de artistas, ofreciendo nuestro evento como espacio desde el que insertarse dentro del circuito del mercado del arte contemporáneo. Decidimos en esta edición, apostar por una línea de trabajo enfocada en las nuevas producciones artísticas y en los creadores que inician su recorrido profesional.

Sofía Cristina Jiménez. Naturaleza Plástica IIi: El Tigre Y El Mono. Acrílico sobre lino, 100 x 100 x 4 cm, 2021.

¿Alguna vez te has preguntado cómo se puede englobar la diversidad artística de una ciudad en una cita tan fugaz y dinámica como una feria de arte? Como evento de referencia dentro del sector cultural, entendemos que es nuestra responsabilidad explorar las diversas maneras de dar voz a artistas, galeristas, comisarios, coleccionistas y profesionales del ámbito cultural, proponiendo una multitud de ideas reunidas bajo la premisa del encuentro más importante del arte contemporáneo en Madrid. La recepción y la sensorialidad como experiencias cognitivas ligadas intrínsecamente al objeto artístico; la crítica como exégesis de su tiempo y contexto; la obra de arte efímera y la performance, son algunos de los temas que ponemos sobre la mesa en nuestra 19ª edición.

El Programa Paralelo de Art Madrid´24 celebra el encuentro de la diversidad de tendencias, la creatividad, el arte que propicia la reflexión y la exposición de nuevas voces dentro del panorama artístico; y reconoce la urgencia de crear plataformas inclusivas que impulsen la visibilidad y el reconocimiento de artistas que tienen ante sí la promesa del futuro. Con esta iniciativa, Art Madrid reafirma su apuesta por la accesibilidad y la cercanía del arte contemporáneo a todos los públicos, impulsa la colaboración institucional como práctica necesaria dentro de la escena artística y renueva su presencia como cita imprescindible, esta vez, con una edición comisariada, reflexiva y actual.

Ryaskartstyle. Meatblue. Acrílico sobre lienzo, 150 x 200 cm, 2022.

Protagonizan el Programa Paralelo de Art Madrid'24 una variedad de propuestas que tendrán lugar en la antesala de la feria y durante los días en los que se celebra, en su sede de la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles que incluyen: Arte y Palabra: Conversaciones con Carlos del Amor ; OPEN BOOTH con la artista invitada: Marina Tellme; Intercesiones X Tara For Women; Lecturas. Recorridos comisariados; La Quedada. Circuito de estudios Art Madrid'24 y el Programa de Coleccionismo: One Shot Collectors.

Jorge Luis Rodríguez Marrero. Fig. 169. Apolo 1. Óleo sobre lienzo, 30 x 30 cm, 2021.

ARTE Y PALABRA.
Conversaciones con Carlos del Amor

Con su cuidada manera de acercarse a los mundos infinitos de la creatividad, Carlos del Amor nos revela el universo artístico de diez creadores participantes en la 19ª edición de la feria. Con esta acción, Art Madrid expande y refuerza su interés por acercar las prácticas artísticas al gran público, esta vez en la voz de los artistas que nos estarán acompañando durante la semana más importante del arte contemporáneo español.

Artistas invitados:

Richard García. Galería BAT; Francesca Poza. Galería Alba Cabrera; Nacho Zubelzu. Galería Metro; Alejandro Monge. 3 Punts Galería; Suncityboy. Dr. Robot Gallery; Juan Miguel Quiñones García. Pigment Gallery; Manu Iranzo. CLC Arte; Evans Mbugua. OOA Gallery; Daniel Schweitzer. Shiras Galería y Carla Effa. Kleur Gallery.

Paco Dalmau. Evolution 90 III. Acrílico y resina sobre tela en tabla de madera,90 x 90 cm, 2023.

OPEN BOOTH

Art Madrid'24 presenta en exclusiva el Open Booth, un proyecto comisariado que protagonizan la artista española Marina Tellme y su instalación Reunión de gente importantísima . El Open Booth es un espacio abierto para ser intervenido por una artista emergente; es también el espacio abierto que presenta a una creadora en el contexto de la feria y la acompaña en su "debut" dentro del circuito del mercado del arte madrileño. Con la intervención del cubo blanco, abrimos la posibilidad de formar parte de la 19ª edición de Art Madrid a una artista que no cuenta con la representación de una galería y sin embargo, construimos una sección diáfana que abraza los valores de nuestro evento; esta vez, con el propósito de construir una plataforma de presentación y promoción para artistas que aún no han sido "descubiertos" en toda su magnitud.

Iván Quesada. Rafael, la muda, retrato de mujer. Pastel al óleo, 40 x 30 cm, 2017.

Reunión de gente importantísima es una instalación inédita, concebida especialmente por Marina Tellme para Art Madrid'24. A través de la pieza, la artista propone una mirada subversiva al contexto de relaciones sociales que se establece al interior del mundillo del arte. Con un toque de humor, una estética naif y una intencionalidad que podría parecer cándida, la obra representa -a modo de sátira o tira cómica- una reunión de gente importantísima en una zona VIP.

Rut Massó. Guatiza. Óleo, tinta y acrílico sobre lienzo, 200 x 120 cm, 2022

Intercesiones.
Ciclo de performance X Tara For Women

*Intercesión: Acción y efecto de interceder por el bien de los semejantes.

Intercesiones es un ciclo de performance organizado con el apoyo de la fundación Tara For Women que presenta los trabajos de cuatro artistas: Estel Boada, Teresa Búa, Sara Domínguez y Mónica Egido, cuyas prácticas reflexionan sobre nuestro tiempo; y a su vez, proponen una mirada aguda sobre la relación simbólica entre el ser humano y su contexto, utilizando el cuerpo como reservorio de afectos. Las obras que presentarán las artistas transformarán el espacio expositivo en un dispositivo que propicie el diálogo provocador y necesario en el contexto de Art Madrid'24.

Artistas invitadas:

Estel Boada, Sara Domínguez, Mónica Egido y Teresa Búa

Natalia Romanciuc. Belly. Óleo sobre lienzo, 180 x 150 cm, 2023.

Lecturas.
Recorridos comisariados

Lecturas. Recorridos comisariados por Art Madrid es un proyecto de mediación cultural diseñado para acercar al público a las obras que se podrán apreciar en las galerías que integran el Programa General de Art Madrid'24. Para la ocasión hemos invitado a la divulgadora cultural Eugenia Tenenbaum y al comisario Óscar Manrique. A través de los recorridos comisariados por ambos, el público participará de una feria contada a través de una selección de obras que responden a disímiles perspectivas y propiciará el acercamiento a las propuestas expositivas de la edición.

Xurxo Gómez-Chao. Arquivo NºIV, Fotografía, Glecleé, Papel Algodón Hahnemuhle 300gr, 130 x 100 cm, 2023.

La Quedada.
Circuito de estudios Art Madrid'24

Para adelantarnos a lo que será Art Madrid'24 hemos organizado un circuito de recorridos para visitar los estudios de algunos de los artistas que estarán participando en la edición ¿Te has preguntado cómo es el espacio de trabajo de un artista? ¿Has pensado dónde produce un artista su obra cuando, por ejemplo, se está preparando para participar en una feria de arte? Es posible que alguna vez hayas sentido curiosidad sobre cómo es el día a día de un artista visual. Para intentar responder a esas preguntas, te invitamos a que nos acompañes en La Quedada, una iniciativa para acercarte al sorprendente mundo en el que trabajan las y los artistas visuales.

En la primera edición de La Quedada tendremos la oportunidad de visitar los estudios de:

• Carlos Tárdez (Representado en Art Madrid por Galería Bea Villamarín)
• Lara Padilla (Representada en Art Madrid por 3 Punts Galería)
• Richard García (Representado en Art Madrid por Galería BAT)
• Elena Gual (Representada en Art Madrid por Arma Gallery)
• Marina Tellme (Representada en Open Booth como parte del Programa Paralelo de Art Madrid)

LIN Shih-Yung. Under Shuiyuan-2. Acrílico sobre lienzo, 194 x 130 cm, 2023.

Programa One Shot Collectors

El programa de coleccionismo se integra en la feria con el compromiso de seguir tendiendo puentes para el acercamiento del público al arte contemporáneo y fomentar la adquisición de obras de arte. Esta propuesta está dirigida tanto a profesionales del sector como a los amantes del arte contemporáneo que estén pensando en iniciarse en el coleccionismo. De la mano de Ana Suárez Gisbert, art advisor y perito tasador, Art Madrid ofrece un servicio gratuito de asesoramiento en la adquisición de obras para el público interesado en el contexto de Art Madrid.

El valor de las propuestas concebidas para celebrar la diecinueve edición de Art Madrid está en la colaboración y la implicación de las personas e instituciones que hacen posible la continuidad de nuestro evento. El Programa Paralelo se convierte así, en uno de los platos fuertes de la edición. Esperamos que nuestro próximo reencuentro sea un tiempo para celebrar el arte contemporáneo, la presencia de nuevas y fieles galerías y para mantenernos en la preferencia del público como evento cercano, accesible y abierto a las sinergias que hacen posible la apuesta por el futuro de las prácticas artísticas.

LA UNIVERSIDAD NEBRIJA REIVINDICA LA INTELIGENCIA ESTÉTICA FRENTE A LA ERA ALGORÍTMICA EN ART MADRID'26

El Espacio Nebrija acoge un proyecto curatorial que propone una alternativa crítica a la automatización del pensamiento creativo.

La Universidad Nebrija participa en la 21ª edición de Art Madrid con un proyecto curatorial que plantea una reflexión crítica sobre la relación entre pedagogía artística, mercado y tecnología. Bajo el concepto de Inteligencia Estética, la propuesta se posiciona como una alternativa a la lógica algorítmica de la Inteligencia Artificial, priorizando la sensibilidad, el gesto, la materialidad y la experiencia como formas de conocimiento no automatizables.

En un momento histórico en el que la Inteligencia Artificial irrumpe con fuerza en todos los ámbitos de la producción cultural, generando tanto fascinación como inquietud, la Universidad Nebrija apuesta por reivindicar aquellas dimensiones de la experiencia artística que permanecen irreductibles a la lógica algorítmica. No se trata de negar el impacto tecnológico ni de adoptar una postura tecnofóbica, sino de identificar y defender aquellos territorios del conocimiento que exigen la presencia del cuerpo, la sensibilidad, el gesto y la experiencia vivida.

Álvaro Fernández. Recordar/Olvidar. Técnica mixta sobre tela. 40 x 60cm. 2026.

El concepto central de la propuesta es el de Inteligencia Estética, entendida como una forma de conocimiento que integra lo sensorial, lo afectivo, lo intuitivo y lo cultural. Frente a la lógica de la Inteligencia Artificial, fundamentada en algoritmos, patrones de reconocimiento y capacidad de replicación masiva, la Inteligencia Estética prioriza dimensiones que permanecen ancladas en la experiencia humana singular: el gesto único e irrepetible, la presencia física del cuerpo en el acto creativo, la textura material de los soportes y pigmentos, la temporalidad del proceso de creación.

Esta reivindicación cobra especial importancia en un contexto en el que la IA generativa es capaz de producir imágenes en cuestión de segundos, procesando millones de referencias visuales previas para sintetizar nuevas composiciones. Sin embargo, lo que la máquina no puede replicar, es precisamente aquello que constituye el núcleo de la experiencia estética. La resonancia afectiva de un color específico aplicado con determinada presión sobre una superficie concreta, la decisión intuitiva que surge del diálogo entre el artista y la materia, o el error productivo que abre caminos inesperados.

La Inteligencia Estética se entiende así como una forma de resistencia epistémica, una defensa de aquellos modos de conocer el mundo que no pueden ser automatizados porque están constitutivamente vinculados a la experiencia encarnada, situada y temporal de los sujetos creadores.

Pablo Padilla Sadurni. ST. Paspartú resanado y acrílico. 18 x 18 x 48 cm. 2026.

Bajo el provocador neologismo NotanIA SipedagogIE, que condensa en su formulación misma la propuesta conceptual: "No tan IA, sí pedagogíe". Esta construcción lingüística, que juega con la presencia y ausencia de fragmentos de las palabras "Inteligencia Artificial" y "pedagogía", señala una toma de posición clara respecto al papel de la formación artística en el contexto tecnológico actual.

Se propone una pedagogía crítica que no rechaza la tecnología pero que se niega a subordinar los procesos de aprendizaje artístico a la lógica de la eficiencia, la optimización y la reproducción que caracterizan a los sistemas algorítmicos. Frente a la tentación de utilizar la IA como atajo o sustituto del proceso creativo, esta pedagogía reivindica el valor formativo del ensayo, el error, la experimentación material y el tiempo dedicado a la exploración sin un objetivo predeterminado.

Una pedagogía que se define también como empática, en el sentido de que reconoce y valora la dimensión afectiva y relacional del aprendizaje artístico, que no entiende la La creación como un acto individual aislado sino como un proceso que implica resonancias emocionales, intercambios simbólicos y construcción colectiva de sentido. El stand mismo, concebido como obra coral, materializa esta comprensión de la creación como experiencia compartida.

Verónica Bergua Tabuyo. Cartografía del tío Pablo. Video digital. Edición: 1/5. 2:40 min. 2026.

La metodología propuesta para el proyecto es tan rigurosa como abierta a la experimentación. Cada uno de los estudiantes participantes inicia su proceso creativo mediante la apropiación poética de un verso, una estrofa que funcionará como semilla conceptual y afectiva de la obra. La elección de la poesía, como forma de lenguaje que condensa significados múltiples y ambiguos, que trabaja con resonancias sonoras y visuales, que sugiere más que describe, constituye un punto de partida ideal para un proyecto que reivindica lo inefable, lo no totalmente traducible a código.

A partir de la elección de un verso, cada artista ha desarrollado un mood board concebido como un tablero de atmósferas y, al mismo tiempo, como una cartografía sensible del proceso. Este recurso permite expandir el imaginario del verso a través de objetos, imágenes, texturas, materiales y otros elementos que resuenan con la experiencia poética inicial. Se trata de una herramienta que hace visible el proceso de traducción intersemiótica: el tránsito del lenguaje verbal al visual, de lo textual a lo material, evidenciando las transformaciones y desplazamientos que se producen en ese recorrido.

El siguiente paso consiste en el desarrollo de una obra bidimensional que evita deliberadamente el lenguaje escrito. Esta restricción trata de priorizar la exploración visual y material por encima de la narratividad textual, de confiar en la capacidad comunicativa de la forma, el color, la textura y la composición. La obra debe hablar por sí misma, sin necesidad de explicaciones verbales que medien entre la pieza y el espectador.

El proceso de creación se concibe desde una lógica experimental próxima al laboratorio, donde la prueba, el error, la corrección y el ensayo forman parte constitutiva del método. No se busca un resultado predeterminado sino que se permite que la obra emerja del diálogo entre la intención inicial y las posibilidades (y resistencias) de los materiales.

Blanca Lanaspa. Testigo 176,8. Técnica mixta cerámica. 40,8 x 176,8 cm. 2026.

El stand que acoge al Espacio Nebrija se concibe una obra de arte en sí mismo, de carácter coral y transitorio. Inspirado en las Zonas SER de Madrid, esas áreas de estacionamiento regulado de uso temporal, el espacio expositivo se piensa como un territorio de tránsito simbólico, un lugar de ocupación efímera que invita a reflexionar sobre la presencia, el deseo y la temporalidad.

Esta metáfora de las Zonas SER resulta particularmente potente, pues así como estos espacios urbanos permiten una ocupación temporal del espacio público bajo ciertas condiciones, el stand se presenta como un territorio que los artistas ocupan temporalmente durante la feria, estableciendo un diálogo entre la permanencia (las obras como objetos físicos que permanecerán tras el evento) y la transitoriedad (la configuración espacial específica que existe sólo durante los días de la feria).

El carácter coral del proyecto subraya la dimensión colectiva de la creación artística. No se trata de una suma de individualidades sino de una polifonía de voces que se entrelazan, resuenan y dialogan entre sí. Cada obra individual mantiene su autonomía pero cobra nuevos significados en relación con las demás, generando un tejido de correspondencias visuales, conceptuales y afectivas.

Marialex Arcaya. La bodega. Acrílico sobre madera. 80 x 160 cm. 2026.

El proyecto reúne el trabajo de siete estudiantes del Grado en Bellas Artes de la Universidad Nebrija: Marialex Arcaya desarrolla "La bodega", una reflexión sobre el objeto cotidiano como contenedor de memoria e identidad. Partiendo del verso: “Y en el fondo del bolso de playa más querido hay arena, monedas oxidadas, y un recibo de helado que ya no existe. El verano puede conservarse en capas", la artista explora las bodegas venezolanas como espacios de nostalgia y pertenencia. A través de una serie de pinturas acrílicas sobre lienzo que representan productos y envases, investiga cómo los objetos más mundanos pueden funcionar como repositorios de recuerdos y marcadores de identidad cultural. Su obra plantea preguntas sobre qué borramos y qué conservamos, sobre cómo el paso del tiempo transforma tanto a los objetos como a nosotros mismos, celebrando la capacidad de renacer y transformarse que caracteriza la experiencia humana.

Laura Nogales. Otra primavera. Acrílico y bordado sobre tela. 240 x 98 cm. 2026.

Laura Nogales participa con"Otra primavera", una instalación textil que explora la descomposición y deconstrucción del concepto de feminidad en un entorno transitorio: la ducha. Su obra, construida con retales, restos de ropa reciclados, medias y diversos tipos de rellenos, forma una masa abstracta que representa la feminidad descompuesta, en constante mutación. El desagüe funciona como elemento simbólico que todo lo traga, testigo de transformaciones íntimas. Nogales aborda cómo la feminidad como experiencia compartida sufre grandes altibajos en el contexto actual, donde el machismo retorna con fuerza en medios y redes sociales. Su propuesta textil genera ambigüedad emocional en el espectador, que puede sentirse atraído o repelido por la figura, reflejando las contradicciones inherentes a la experiencia de construir y defender la identidad femenina en un contexto adverso. Su trabajo ha tomado como refrencia el fragmento del poema: "Por encima de la ducha, el vapor dibuja mapas que se desvanecen".

Inés López. Sedentario. Fotografía digital. 30 x 40 cm. 2026.

Inés López presenta "Sedentario", una obra inspirada en el verso “Allí las partículas de polvo son un archivo en suspensión”. El proyecto reflexiona sobre la capacidad de los espacios domésticos para conservar aquello que el cuerpo olvida cuando dejan de ser habitados. La serie fotográfica se sitúa en el interior de una vivienda en construcción, en estancias suspendidas entre el uso y el abandono, donde la ausencia se manifiesta como acumulación silenciosa de materia, huellas y tiempo. Planos arquitectónicos y proyecciones en un edificio inacabado amplían la propuesta, estableciendo un diálogo entre el espacio proyectado y el espacio vivido, entre lo que ya fue habitado y lo que aún no ha comenzado a serlo. La obra plantea así una meditación sobre la transitoriedad del cuerpo frente a la persistencia silenciosa de la arquitectura.

Verónica Bergua Tabuyo. Cartografía del tío Pablo. Video digital. Edición: 1/5. 2:40 min. 2026.

Verónica Bergua presenta "Cartografía del tío Pablo", un proyecto profundamente personal que explora la relación entre acumulación compulsiva, salud mental y territorio emocional. A través de una instalación videográfica que combina la fotografía minimalista de objetos extraídos de la habitación de su tío, diagnosticado con esquizofrenia, síndrome de Diógenes y cleptomanía, Bergua construye un mapa visual del caos mental materializado en el espacio físico. La secuencia de imágenes, presentada a velocidades variables, genera en el espectador una experiencia de ansiedad que refleja la naturaleza de la acumulación compulsiva. Su obra invita a reflexionar sobre nuestra propia relación con los objetos, sobre los límites entre necesidad y apego, y sobre cómo el territorio que habitamos puede convertirse en espejo de nuestro territorio mental. Su propuesta está inspirada en los versos: “Debajo de la cama… se acumulan objetos que no recordamos haber perdido”. “Un museo sin textos ni etiquetas: el cajón de cables de los dispositivos rotos”. “La caja de medicamentos caducados guarda la historia de dolencias que ya no duelen".

Blanca Lanaspa. Testigo 176,8. Técnica mixta cerámica. 40,8 x 176,8 cm. 2026.

Blanca Lanaspa presenta "Testigo 176,8", una obra que parte del verso: "El perchero de la entrada sostiene lo que somos antes de entrar y después de salir. Un umbral vertical donde las transiciones cuelgan". Su propuesta adopta la forma de un pegboard cerámico, un tablero de combinatoria con piezas extraíbles de diferentes superficies, esmaltes y texturas. Cada elemento funciona como un "accidente sensible", resultado de procesos donde intervienen tanto la planificación estética como el azar material. Las piezas exploran estados de la materia: brotes, fugas, desbordamientos, erosiones, superficies craqueladas, contracciones y expansiones. El carácter táctil e interactivo de la obra invita al espectador a una relación corporal directa con ella. Acompañada de un mood board que documenta el proceso de investigación cerámica, la pieza celebra la imprevisibilidad de los materiales y la belleza de lo no sistematizado.

Pablo Padilla Sadurni. ST. Detalle. Paspartú resanado y acrílico. 18 x 18 x 48 cm. 2026.

Pablo Padilla presenta "Sin título", una escultura arquitectónica inspirada en el verso: “El calcetín desparejado no está perdido: habita un lugar que no existe”. Concebida como una analogía espacial de la búsqueda de plenitud, la pieza propone un arquetipo arquitectónico que remite al mundo de las ideas; un lugar imaginado, necesario y, sin embargo, inalcanzable. Construida en cartón fino, la obra adopta la forma de estructuras imposibles y laberínticas, habitadas por figuras a escala que recorren pasillos, escaleras y estancias sin salida. Estos espacios, simultáneamente tensos y contemplativos, combinan el romanticismo de la introspección con la frialdad inhóspita de lo brutalista. La obra crea un ambiente surrealista que oscila entre lo pacífico y lo tenso, invitando a una experiencia sensorial y emocional sobre la soledad compartida, el aislamiento y la búsqueda de refugios mentales que no existen en el mundo físico.

Álvaro Fernández. Recordar/Olvidar. Detalle.Técnica mixta sobre tela. 40 x 60cm. 2026.

Álvaro Fernández presenta "Recordar/Olvidar", una obra inspirada en el verso: "En el espejo del ascensor, dos personas se reflejan sin tocarse. Lo que media entre ellas no es aire: es la posibilidad de no decir nada". A través de obras híbridas que combinan transferencias manuales sobre tela con fotografías digitalmente intervenidas, Fernández explora el silencio, la presencia compartida y la coexistencia de mundos íntimos que no se tocan. Sus transferencias, realizadas mediante plancha de gel o aceite de lavanda, generan imágenes inestables y deterioradas, como memorias en proceso de desvanecimiento. La fragmentación y el desplazamiento de elementos fotográficos multiplican las escenas, creando capas de temporalidad superpuestas. Su trabajo materializa la fragilidad de los recuerdos y la potencia del silencio como espacio de intimidad no verbal.

Blanca Lanaspa. Testigo 176,8. Técnica mixta cerámica. 40,8 x 176,8 cm. 2026.

En un momento en que el debate sobre la Inteligencia Artificial y la creación artística se intensifica, con posiciones que oscilan entre el entusiasmo acrítico y el rechazo absoluto, la propuesta de la Universidad Nebrija para Art Madrid'26 ofrece una tercera vía, un posicionamiento crítico que no niega la realidad tecnológica pero que defiende con claridad aquellas dimensiones de la experiencia artística que permanecen irreductibles a la automatización.

El concepto de Inteligencia Estética propone una alternativa epistemológica que reconoce la validez de formas de conocimiento basadas en la sensibilidad, la intuición, la experiencia corporal y la resonancia afectiva. No se trata de conocimientos "menores" o subsidiarios respecto al conocimiento racional o algorítmico, sino de modalidades igualmente válidas y, en el ámbito de la creación artística, absolutamente fundamentales.

Este proyecto curatorial representa así una aportación valiosa al debate contemporáneo sobre tecnología y cultura, proponiendo que la formación artística universitaria no debe limitarse a preparar a los estudiantes para adaptarse al mercado o a las herramientas disponibles, sino que debe dotarlos de capacidad crítica, sensibilidad material y conciencia de la especificidad de su práctica.

Art Madrid'26 acogerá así una propuesta que, más allá de su calidad estética individual, constituye una reflexión colectiva sobre el presente y el futuro de la creación artística, sobre el papel de las instituciones educativas en la formación de nuevas generaciones de artistas y sobre la necesidad de defender espacios de experimentación, lentitud y materialidad en un mundo acelerado y crecientemente virtualizado. La Universidad Nebrija, a través de este proyecto, reivindica el valor insustituible de la Inteligencia Estética como forma de conocimiento y como práctica de resistencia frente a la homogeneización algorítmica, apostando por una pedagogía que sitúa en el centro la sensibilidad, el gesto corporal y la resonancia afectiva como dimensiones fundamentales de la condición humana.