MÁRTINEZ CÁNOVAS

CONVERSACIONES INFINITAS CON ALFONSO DE LA TORRE

De la poderosa estirpe de los artistas apofáticos. Tan necesarios. Pensé en Millares, y en Andrés Serrano, contemplando sus obras. Y, comenzando, me atrevería a concluir que, como el artista canario del duelo y la sangraza, Martínez Cánovas (Murcia, 1980), al modo de un contemporáneo pintor místico, hubiese merecido entrar en aquel libro de André Pieyre de Mandiargues sobre el teatro de las heridas y los pintores místicos (Des Visionnaires, París, 1961). De alguna forma, el surrealismo erigió contemporáneamente la representación de la atracción del horror capaz de petrificar, mas existiendo como si tal cosa entre los pliegues del mundo este que habitamos. Martínez Cánovas muestra lo que es considerado inmundo, no-noble-para-el-arte, aquello que no ha sido engalanado para la considerada belleza oficial.

Fragmentos escapados al control de la visión, reliquias de lo que no está (estoy recordando los conmovedores trabajos casi taxonómicos sobre su abuelo, Juan Cánovas). Esa voz, “reliquia”, es la mención al fragmento, al resto del cuerpo y un recuerdo de la identidad del ausente, la exposición de los restos visibles sobrevivientes al fin carnal. Creo que ciertas obras suyas podrían haber sido reescritas por aquel Joris-Karl Huysmans de Grünewald. El retablo de Isenheim. Redundando que no es extraño que sus trabajos, -poblados por “incomodidad y temores”, en palabras de Martínez Cánovas-, se inserten en las exposiciones entre pinturas y esculturas clásicas. Martínez Cánovas expone la zozobra del vivir acompañando la canónica belleza engalanada para el placentero museo de las bellas artes.

LOS OBJETOS

Errando voy, bajo la desgracia de este mundo. Es voz la del poeta Jean Pierre Jouve en Vers majeurs (1942). Veo en ciertas obras de Martínez Cánovas esa errancia entre las imágenes: enigmáticos objetos, restos, cosas aherrojadas, misterios que no fueron engalanados para el mundo.

Quizás sea una forma de exorcizar lo real, la vida, esa presencia de objetos. Sustituyendo los símbolos por aquellos otros, varados a la orilla del camino. El propio artista ha subrayado la presencia en su quehacer de “un imaginario surrealista, onírico y simbólico”. Ya sabemos que, para el surrealismo, el objeto era una cuestión central: objeto real y virtual, objeto móvil o mudo, objeto fantasma, objeto interpretado, objeto incorporado, ser-objeto, y objetos existentes de modo ajeno a él: objeto natural, objeto perturbado, objeto encontrado, objeto matemático y objeto involuntario, dijeron en su “Manifiesto”.

Evocando a Cirlot, pienso que los objetos de Martínez Cánovas comunican con las fuerzas que perforan los mundos (“y los alzan / en la cima furiosa de esa sombra / sin principio ni fin que me alimenta”).

La pregunta que se destila de tan largo introitus es sobre tu relación con los objetos del mundo y su incorporación a tus obras.

Pues mi relación con los objetos viene desde hace aproximadamente unos veinticinco o treinta años. Fue en mi adolescencia cuando empezaron a llamarme la atención, sobre todo y evidentemente, los objetos relacionados con el tema de la muerte y otro tipo de objetos antiguos, provenientes de distintas épocas. Yo percibo que este tipo de objetos obtienen un energía o vivencia de esos momentos en los que han sido creados y a día de hoy no me gusta estar rodeado de ellos. Aunque la verdad es que tengo muchísimos en el estudio, por ejemplo, porto todos los días una moneda romana del emperador Constantino.

Parte de mi espacio de trabajo está rodeado de cosas familiares y no familiares, ya que en una época estuve trabajando en un taller de restauración de antigüedades. Cada vez que entraba alguna pieza interesante, en lugar de gastarme el dinero en una noche de fiesta, y dependiendo de lo que costase, pues lo que hacía era terminar comprándolas.

Al final, lo que me gusta es estar rodeado en mi día a día de muebles y objetos que me transmitan la historia que han vivido. Creo que lo que más aprecio es que a nivel histórico y de sucesos, me puedan transportar a esos momentos. Por ejemplo, los objetos de guerra. Como fetichista que soy me encanta estar rodeado de ellos y evidentemente los incorporo a mi obra, rodeándola de la atmósfera que ellos le confieren.

A funeral, 2021

EL DIBUJO

Excelente dibujante, paciente y cuidada tarea, algo que parece haber sido olvidado por nuestro vertiginoso tiempo artístico. Admiro ciertos dibujos donde se entrecruzan las metamorfosis humano-animal, lo fidedigno con lo extraordinario (estoy pensando en la exposición de Martínez Cánovas, “Inferus Vacuus est” en la ermita de San Roque, en Fuente Álamo de Murcia, 2018), me llevaron hacia otros trabajos de dibujantes deformantes como Pat Andrea y hasta el silencioso Balthus.

Me gustaría me refirieras la importancia evidente del dibujo en tu obra: el dibujo como teatro de las metamorfosis (luego hablaremos del teatro)

Mi relación con el dibujo me viene prácticamente desde que tengo uso de razón. Sí que es verdad que siempre lo he compaginado con la pintura y si nos referimos a ello, desde que me dedico profesionalmente a esto, se podría decir seguramente que le he dedicado más horas al dibujo que al óleo, sobre todo por la técnica que utilizo cuando pinto.

Realmente me siento más cómodo – no sabría decir muy bien por qué – con el dibujo. Con el dibujo desde el inicio hasta el final sé por dónde voy y a dónde quiero llegar y en ningún momento, digamos, la obra me vence. Con el óleo, por el contrario, a veces sí me sucede. Siempre paso la etapa inicial de euforia, en la que todo funciona, pero luego, cuando termino, siento que me dan ganas en ocasiones de destrozar las obras; aunque luego trabajando sí que consigo sacarlas adelante. Pero como digo, con el dibujo lo tengo todo bajo control desde un principio hasta el final.

Es cierto que incluso dentro del dibujo he evolucionado hacia distintas formas. Por ejemplo, he tenido una etapa que es la de La Metamorfosis, (2015 – 2017) en la que trabajaba el grafito sobre tabla estucada un poco a la vieja usanza. Una receta de Cennini o Max Doerner, trabajando el sulfato cálcico, la cola de conejo, dándole capa, lijando… Todo aplicado sobre tabla y posteriormente dibujando sobre ello para intentar conseguir una sensación un poco más pictórica, hasta el punto que no es necesario ponerle luego un cristal ni nada, porque el soporte ya de por sí es bastante rígido. Pero desde la pandemia y con la condicionante de que mi estudio lo tengo fuera de casa, he tenido que empezar a acomodarme con un formato más pequeño, papeles, cosas así, más cómodas. Y como tenía todo el tiempo del mundo, pues me dio por hacerlo lo más virtuoso que pudiese ser, lo más fino, no sabría definirlo. La cuestión es que termino haciendo dibujo de formatos no muy grandes, los cuales la mayoría de las veces, los trabajo con un portaminas habitual. Con muchísimo cuidado y sin que se quiebre, me ha dado nuevos resultados que desconocía y me siento ahora bastante cómodo. Seguiré trabajando en ello y evolucionando sobre este soporte.

Mordrake, 2017

EL DOLOR

De alguna forma, hay en toda tu obra una exposición de aquello de “La Divina Comedia” de Dante Alighieri, ¿quién podría negarme la entrada en la casa del dolor? Ese dolor no es sólo el inherente a la vida, el paso del tiempo, la consumación o desaparición de los seres, sino también veo reflexiones sobre el intenso dolor de nuestra civilización. Ahora, contemplando tus trabajos, llega hasta mi memoria una línea de tiempo que, comenzando quizás con Honoré Daumier u Odilon Redon, podría continuar en ciertos dibujos de, más cerca, Roland Topor. Pena de nuestra civilización, también escondida tras el titilar de las monedas, agazapada la mentira en los ornamentos del comercio, tras las bellas vitrinas hipnóticas que hicieran a Louis Aragon perder casi el sentido en los pasajes parisinos. La melancolía instalada irremisiblemente en todos nosotros.

El dolor, la ira y la melancolía, como elementos motores de tu creación, por favor, refiéreme este asunto.

Sobre esta pregunta resumiré mi respuesta aunque es un poco complicado. Digamos que desde una temprana edad me obsesioné con el tema de la muerte, o mejor dicho, lo que hay tras la muerte. Imagino que esto, junto al tipo de educación que he recibido, bastante tradicional, cristiana, ha provocado en mí esta manera de acercarme a las cosas del mundo. En mi familia muchos de sus integrantes forman parte del clero cristiano, yo los visitaba asiduamente cuando era un niño todos los fines de semana, puesto que eran los hermanos de uno de mis abuelos, que falleció cuando yo tenía cuatro años. Y por ende, pasaba mucho tiempo con ellos. Por lo tanto, entre esa obsesión y lo vivido con mi hermano al jugar al escondite dentro de iglesias o monasterios, no sé si eso ayudaría o no ayudaría. La cuestión es que sí, desde aquella época aproximadamente, digamos que vivo permanentemente con esa angustia, dolor y melancolía que evidentemente refleja mi estado anímico en mi obra.

No soy una persona, como artista, a la que le gusta fingir lo que está pintando, sino que me gusta sacar lo que llevo en mi interior, en mi mente. Mis inquietudes son mis obsesiones. Y por lo tanto, se podría decir que a día de hoy no se si cambiarán, siguen un poco latentes estas inquietudes y estas obsesiones sobre temáticas muy similares.

Family tree, 2017

LA FARSA Y LA TRAGEDIA

Pierre Michon, escribió que “por qué no iba a ser la pintura una farsa si la vida también lo es”, lo cito en ocasiones. Y proseguiría observando que, cuando la glotonería por vivir y la imposibilidad de hacerlo se encuentran, el conflicto sólo puede resolverse con violencia. El arte es esa violencia, quizás expresada con un habla plural.

Quería me refirieras ese aire trágico, quizás un movimiento entre farsa y tragedia, que portan muchas de tus obras.

El aire trágico que se puede percibir en la gran mayoría de mi obra, proviene un poco de lo que he comentado anteriormente. Ese pensamiento o esa obsesión recurrente de mi edad temprana, que es algo que pervive conmigo las veinticuatro horas del día. Es una realidad que me acompaña y de la que me resulta difícil desconectar. Y hace que mi estado anímico vaya siempre un poco por ahí. A la hora de hacer las obras, esa parte un poco de farsa, o esa escenografía, que yo comparo y la veo como el trabajo que hace un director de cine cuando tiene que montar bien una escena de algún hecho dramático. Al final yo hago exactamente lo mismo: coloco objetos o si no son objetos, son personas, intento utilizar modelos y hago la fotografía. Luego, evidentemente, tengo que recurrir a la fantasía y lo imaginario, para añadir elementos, cosas que no existen y que me invento. Y al final organizo, creo una escena que cuenta algo, porque me gusta que cada obra relate una historia diferente, propia. Me termino aburriendo, por ejemplo, de las series que son de veinte o treinta obras y todas cuentan lo mismo. A veces lo he hecho y lo he conseguido. Pero suelo tender más a crear una escena y que esta sea capaz de hablar de un hecho en concreto. Me resulta así más cómodo. Luego, para la siguiente obra hago una puesta diferente. Y así voy construyendo cada una de las narraciones que se aprecian en mis trabajos. Aunque sí que es verdad que al final todas tienen un contexto similar y podrían estar clasificadas dentro de un mismo género.

Fingere II, 2022

Y EL MUNDO, AQUÍ FUERA

Maurice Blanchot recordaba que la obra de arte no es más que una violencia indistinta que tiende a mostrarse y ocultarse. Exaltándose en un espacio que se abre, proclive a la retirada en la profundidad de la disimulación.

Te encuentras con el mundo del arte, ahora la Feria, la exposición, los críticos o las galerías. El mundo que conocemos.

Cómo percibes sucede ese encuentro entre el mundo y tus trabajos.

Pues tengo realmente un poco de sensaciones encontradas, con esto de exhibirse uno en una feria ante críticos, público, otros artistas y galerías. Es por un lado fascinante poder participar en ella, evidentemente, ya que pretendo o me dedico a esto y quiero seguir viviendo de ello. Pero por otro lado y como comentaba antes, siendo mi obra una cosa tan personal, al final es muy similar a cuando una persona va a un confesionario a contarle su historia a un sacerdote, y le cuenta su intimidad. Entonces sí que siento un poco que exhibo públicamente ciertas cosas personales. Por un lado es una experiencia que está bien, pero por otro lado es como quitarse cada una de las capas que arropan mi intimidad. Y creo que es un encuentro que puede dar pie a recibir algún tipo de crítica no muy positiva; o que las obras no se perciban cómo las he querido expresar. Creo que eso a mí sí que podría afectarme.

Por ejemplo, mi última exposición en 2020 abordó la exhumación de mi abuelo. Leía entonces a una persona en redes sociales que decía que, me lucraba con mi abuelo fallecido. Cuando en verdad fue una exposición muy personal, hecha con un cariño inmenso hacia la figura de mi abuelo. Era a mis ojos todo lo contrario. La obra no estaba a la venta, no tenía una intención lucrativa. Así que considero que con este tipo de eventos, uno como artista siempre se la juega cuando va a un sitio así. Aunque realmente me siento muy complacido y espero que sea una gran experiencia.

Art Madrid, comprometida con crear un espacio de enunciación para artistas que trabajan en torno a las artes performativas, presenta Abierto Infinito: Lo que el cuerpo recuerda, una propuesta que se inspira en los planteamientos de Erving Goffman en La presentación de la persona en la vida cotidiana (Amorrortu editores, Buenos Aires, 1997).

La propuesta se inscribe en un marco teórico que dialoga directamente con dichos planteamientos, donde la interacción social se concibe como un escenario de actuaciones cuidadosamente moduladas para influir en la percepción de los demás. Goffman sostiene que los individuos despliegan expresiones verbales e involuntarias para guiar la interpretación de su conducta, sosteniendo roles y fachadas que definen la situación para quienes observan.

En este sentido, las artistas invitadas a la tercera edición del Ciclo de performance, construirán microescenarios donde los gestos, posturas y desplazamientos corporales funcionen como “fachadas” performativas, configurando el marco de percepción y significación para el público. Estas actuaciones dramatizan la experiencia cotidiana, ofreciendo interpretaciones idealizadas o enfatizadas de la relación entre cuerpo, espacio y temporalidades, mientras ciertos elementos —el esfuerzo invisible, las tensiones internas, las contradicciones— quedan parcialmente ocultos, generando capas de sentido y resonancia más profundas.

En consonancia con Goffman, la performance opera sobre la tensión entre la representación idealizada y el esfuerzo real, entre lo visible y lo silente. Las artistas gestionan la información que entregan, seleccionando lo que se muestra y lo que se oculta, y articulando estrategias de presencia que pueden evidenciar o disimular poder, vulnerabilidad, resistencia o intimidad. La idealización, en este contexto, implica la construcción de un lenguaje performativo capaz de resaltar valores, tensiones y posibilidades de relación, exponiendo la densidad poética de lo cotidiano y rompiendo, si se quiere, la barrera de la ausencia de transparencia con la que nos comportamos en la cotidianidad “real”.

El ciclo, aunque concentrado en las nociones de cuerpo ↔ memoria ↔ representación ↔ presencia, aspira a expandir su horizonte, concibiendo la performance como un acto de revelación de vínculos invisibles y tensiones que atraviesan cuerpos, objetos y contextos. En este entramado de muros, stands y pasillos, surgen símiles cuando la Galería de Cristal se transforma en un espejo de experiencias estéticas: un espacio extraartístico invadido por la efímera presencia del arte contemporáneo, como ocurre en el caso de la feria.

El cuerpo, primer territorio de toda representación, antecede a la palabra y al gesto aprendido. En él se inscriben las experiencias humanas, tanto conscientes como inconscientes. Abierto Infinito: Lo que el cuerpo recuerda parte de esa premisa: en la propia existencia habita la representación, y la vida, entendida como una sucesión de representaciones, transforma al cuerpo en un espacio de negociación constante sobre quiénes somos. En ese tránsito, los límites se desdibujan; lo individual se abre a lo colectivo y lo efímero adquiere una dimensión simbólica. Al habitar ese intersticio, la performance revela simultáneamente la fragilidad de la identidad y la fuerza que emerge del encuentro con los otros.

ARTISTAS INVITADAS

COLECTIVO LA BURRA NEGRA (Málaga, 2024)

La Burra Negra es un colectivo nómada de Artes de Acción con sede en Málaga, fundado en 2024 tras su primera residencia en Totalán. Está autogestionado por Ascensión Soto Fernández, Gabriela Feldman de la Rocha, Sasha Camila Falcke, Sara Gema Dominguez Castillo, Sofía Barco Sánchez y Regina Lagos González, seis creadoras de diferentes procedencias y trayectorias que se conocieron en el Hospital de Artistas de La Juan Gallery.

El colectivo reúne profesionales de joyería, pintura, artes escénicas, música, danza, divulgación y gestión cultural. Su actividad incluye la residencia anual en Totalán, la producción de obras performativas, la mediación cultural y la realización de intervenciones en el territorio. Desde su creación ha participado en las Jornadas Periscopio en La Térmica, ha presentado A granel en el MVA de Málaga, ha realizado diversas acciones en Totalán, la más reciente durante su segunda residencia anual y ha formado parte con sus propias propuestas en la performance Desplazamiento del Congreso de los Diputados de Roger Bernat en Madrid.

El Colectivo La Burra Negra presenta en Art Madrid’26 su performance: ALTA FACTURA

El proyecto se inscribe en una investigación performativa que cuestiona los dispositivos de exhibición y las jerarquías de valor que atraviesan la creación artística. A partir del lenguaje textil y del cuerpo como superficie de inscripción, el colectivo examina la tensión entre proceso y resultado, entre oficio y espectáculo, poniendo el foco en aquello que el sistema cultural tiende a ocultar: el tiempo invertido, el desgaste, la fragilidad y el trabajo manual que sostienen toda obra. En este marco, la pasarela de moda aparece como estructura simbólica que condensa brillo, consumo y producto final, convirtiéndose en el punto de partida para su subversión.

Inserta en este contexto, Alta Factura desplaza la mirada hacia las costuras —reales y metafóricas— que habitualmente permanecen en la sombra de los bastidores. A través de piezas textiles conceptuales, la performance expone el rigor del oficio y la vulnerabilidad del artista, transformando la pasarela en un espacio crítico donde el proceso se vuelve protagonista. Al hacer visibles las uniones, los ajustes y las huellas del hacer, la obra reivindica el valor de lo invisible y confronta al espectador con las condiciones materiales y afectivas que sostienen la práctica artística contemporánea.

ROCÍO VALDIVIESO (Tucumán, Argentina, 1994)

Rocío Valdivieso es artista, investigadora y gestora cultural. Doctoranda en Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Obtuvo el título de Máster en Investigación en Prácticas Artísticas de la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM). Es Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad Nacional de Tucumán. Fue becaria de la Fundación Carolina entre 2022 y 2023. Actualmente coordina Errática Laboratorio de procesos y clínica de obra, junto a Romina Casile, en Madrid. Formó parte del Programa PEEPA 2023, en el Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid, con el acompañamiento de Dora García, Cabello/Carceller e Isabel Marcos. Realizó el Programa de Artistas 2021/22, de la Universidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires.

En 2020 realizó el Programa Intensivo de Curaduría de Proyecto PAC, Buenos Aires. Recibió el Premio Fomento a las Artes Visuales de la IV Semana de Artes Visuales del Ente Cultural de Tucumán. Fue becada por AUGM para realizar una estancia de intercambio en UNESP, São Paulo, Brasil. Realizó el programa de Residencia Internacional La Ira de Dios y la Residencia de Acéfala Galería para artistas de Argentina. Entre sus exposicones individuales se encuentran: El orden de las virtudes (2022), pintura plegaria(2021) y Teoría de lo involuntario (2019) en Tucumán, Argentina, y participó de exposiciones colectivas, entre ellas la exposición Aura latente, en Espacio Amazonas; la Jornada de cierre del Programa PEEPA, en Matadero, en Madrid y la exposición Ceder una huella, en Cuenca, España. Participa en diversas instancias de formación desde 2013 y con frecuencia escribe textos que acompañan exposiciones de arte. Fue miembro fundadora y secretaria de la comisión directiva de la Asociación de Trabajadores de las Artes Visuales de Tucumán (TAViT).

Rocío Valdivieso presenta en Art Madrid’26 su performance: OSCURECER UN PAPEL

Oscurecer un papel se enmarca en una serie de acciones en las que la lectura se construye a partir de la repetición, el acto de memorizar y cierto grado de improvisación. De este modo, se configura una lectura no lineal que parte de un texto escrito y se transforma al ser pronunciado en voz alta, desplazando su forma y su sentido en el propio acto de decir. Los textos tienen como punto de partida una investigación en torno a la materialidad, el espacio y las relaciones entre cuerpo y materia, así como la escritura, lo escultórico y la exploración de la voz y la oralidad. El material con el que se construye la pieza es un conjunto de tickets de compra acumulados a lo largo del tiempo. El texto impreso en ellos y la acción de acercarlos a una fuente de calor —provocando la reacción del papel térmico— generan sentidos vinculados a las ideas de consumo, registro y desgaste.

AMANDA GATTI (Porto Alegre, Brasil, 1996)

Amanda Gatti es una artista e investigadora cuya práctica se despliega entre la performance, el video, la fotografía y la instalación. Explora las intersecciones entre cuerpo, objeto y espacio, investigando cómo ocupamos — y somos ocupados por — los espacios que nos rodean. A partir de experiencias de desplazamiento y de la observación de entornos domésticos y urbanos, su trabajo concibe el cuerpo como mediador y archivo, transformando objetos encontrados, disposiciones espaciales y gestos cotidianos en arquitecturas efímeras y situaciones relacionales. Le interesa la relación entre gesto, desplazamiento y arquitectura, así como las formas efímeras que emergen de lo cotidiano. Concibe el cuerpo como mediador y archivo: un lugar donde las experiencias se inscriben y se transforman.

Los objetos, a menudo encontrados o recolectados en contextos urbanos, actúan como extensiones del cuerpo y de la arquitectura, revelando ciclos de abandono, reutilización y transformación. Al incorporarlos a su trabajo, busca abrir diálogos entre lo permanente y lo transitorio, lo público y lo privado, lo real y lo imaginado.

Estudió el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía/UCLM (España, 2023) y el Grado en Producción Audiovisual por la PUCRS (Brasil, 2018), donde recibió becas como la de Santander Universidades. En España, su obra ha sido presentada en instituciones y contextos como el Museo Reina Sofía, la Fundación Antonio Pérez, Galería Nueva, CRUCE y Teatro Pradillo, así como en exposiciones y festivales en Brasil, Alemania, Irlanda, Reino Unido y Estados Unidos. Actualmente reside en Madrid, con bases secundarias en Brasil y el Reino Unido.

Amanda Gatti presenta en Art Madrid’26 su performance: TRAYECTORIA

La performance continúa la investigación que durante años ha venido desarrollando la artista con objetos encontrados en el espacio público: fragmentos obsoletos, restos de uso cotidiano y desechos que, al ser pintados de azul, adquieren una nueva visibilidad y una condición escultórica propia. Estos materiales conforman un archivo que se activa a partir del gesto y del desplazamiento.

En Trayectoria, la artista propone atravesar el pasillo principal de la feria arrastrando un conjunto amplio de estos objetos, enlazados entre sí y atados a los cordones de sus zapatos. El recorrido transforma esta zona de tránsito en un espacio activo, donde cuerpo y materiales generan nuevas formas. Los objetos funcionan como extensiones del cuerpo en movimiento: tensan, desvían, frenan y reconfiguran cada paso. La acción explora la coexistencia entre lo durable y lo efímero, entre aquello que fue descartado y lo que insiste en permanecer. Aborda el tránsito como activación simultánea de lo material y lo inmaterial, proponiendo un encuentro entre el gesto, lo escultórico y todo aquello que continúa acompañándonos incluso después de haber sido dejado atrás.

JIMENA TERCERO (Madrid, 1998)

Jimena Tercero es una artista multidisciplinar cuya práctica, desarrollada a través del video, la performance y la pintura, investiga los límites de la identidad en relación con el cuerpo humano. Su trabajo explora conceptos como la memoria, lo tangible y el juego, profundizando en el dolor subconsciente inscrito en la memoria corporal.

Se forma en pintura con Lola Albín y en fotografía analógica en Cambridge (2014). Entre 2018 y 2020 se especializa en el ámbito audiovisual, formándose como realizadora junto a referentes como el director Víctor Erice y la productora El Deseo. Posteriormente cursa un Máster en Dirección Creativa en ELISAVA y desarrolla su práctica performativa en La Juan Gallery. En 2011 forma parte del jurado infantil del Festival de Cine de Isfahán (Irán).

Dirige piezas como Private (2016) y Paranoid (2021), presentadas en Galería Aspa Contemporary, donde aborda el dolor subconsciente alojado en la memoria corporal. Continúa esta línea de investigación en obras como Yo mi me conmigo (2023), presentada en Teatros del Canal; Inside Voices (2021), filmada en Conde Duque con la asesoría de Itziar Okariz; y La última regla, en La Juan Gallery. Ha participado en residencias como Medialab, junto a Niño de Elche y Miguel Álvarez Fernández (2021), donde investiga el trabajo con la voz, y en La Juan Gallery (2024–2025). En 2025 forma parte del jurado especial del Asian Film Fest de Barcelona y participa en la residencia artística International Cultural Museum of Assilah (Marruecos). En 2026 estrena el documental "Contando Ovejas", retrato de dos pastores en Majadahonda que reflexiona sobre la memoria rural y su vínculo con el territorio y el tiempo.

Jimena Tercero presenta en Art Madrid’26 su performance: OFF LINE

OFF LINE, es una pieza performativa que busca reflexionar sobre cómo la era digital está transformando la relación del cuerpo con el mundo y con los demás. La interacción se construye cada vez más a través de pantallas e interfaces, y la identidad se desplaza hacia lo virtual, subordinando la experiencia física a la representación digital. En este contexto, el cuerpo se vuelve frágil: pierde densidad, memoria y presencia activa, y se convierte en soporte de información o imagen.

La hiperconectividad y la atención fragmentada generan una corporalidad cada vez más inerte, caracterizada por la disminución del movimiento espontáneo y la reducción de la interacción sensorial directa. Esto plantea preguntas fundamentales: ¿cómo se redefine la presencia cuando la relación con el mundo depende de mediaciones tecnológicas? ¿Qué sucederá con la experiencia del cuerpo en un futuro donde la virtualidad predomina sobre lo físico?

Se observa un riesgo de progresiva pasividad corporal: cuerpos que permanecen quietos, cuya actividad está determinada por dispositivos, y cuya memoria se externaliza en registros digitales. La fragmentación de la experiencia física y la primacía de la representación tecnológica generan un escenario donde el cuerpo, aunque visible, está desplazado de su función original como agente de percepción y acción. Este marco conceptual invita a reflexionar sobre cómo la digitalización afecta la corporeidad, la memoria y las relaciones sociales, y sobre la vulnerabilidad y la inercia que atraviesan los cuerpos en entornos cada vez más mediatizados por la tecnología.

PERFORMANCES:

Miércoles 4 de marzo | 19:00h. Colectivo La Burra negra. Performance: Alta Factura

Jueves 5 de marzo | 19:00h. Rocío Valdivieso. Performance: Oscurecer un papel

Viernes 6 de marzo | 19:00h. Amanda Gatti. Performance: Trayectoria

Sábado 7 de marzo | 19:00h. Jimena Tercero. Performance: OFF LINE

Art Madrid celebra su veintiuna edición, consolidándose como una plataforma de visibilidad y diálogo para galerías y artistas nacionales e internacionales durante la Semana del Arte de Madrid. En este contexto, la feria renueva su compromiso con la experimentación y con la inclusión de prácticas artísticas que desafían los formatos convencionales del mercado del arte. La integración del Ciclo de Performance —en su tercera edición— responde a esta voluntad institucional de generar un espacio que favorezca la producción de experiencias artísticas vivas. La Galería de Cristal del Palacio de Cibeles, sede de la feria, se convierte así en un entorno idóneo donde la arquitectura y la dinámica propia del evento potencian el carácter efímero y relacional de la performance.

Con esta iniciativa, Art Madrid reafirma su papel como agente activo en la construcción de un ecosistema artístico plural, apostando por la presencia, la investigación y el diálogo como ejes fundamentales del arte contemporáneo.