No queda nada para abrir las puertas de la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles el próximo miércoles 26 de mayo y celebrar la decimosexta edición de Art Madrid’21. El reencuentro con el arte contemporáneo más esperado.

En esta edición hemos trabajado para adaptarnos a las nuevas circunstancias y hacer de esta experiencia una auténtica celebración. Por ello, algunas de las actividades preparadas requieren previa inscripción, nuestro compromiso por encima de todo es que Art Madrid sea una evento seguro.

Las acciones preparadas pretenden reforzar la conexión del visitante con las obras expuestas. El objetivo es convertir el paso por la feria en un acontecimiento que despierte sensaciones, facilite el recorrido y trascienda lo meramente contemplativo. Además, desde Art Madrid afianzamos nuestro lugar como punto de encuentro con las últimas tendencias del mercado del arte contemporáneo acompañando y asesorando en la adquisición de obra.

Programa “One Shot Collectors” patrocinado por One Shot Hotels

Asesoramiento para coleccionistas. Espacio de consultoría para aquellas personas que quieran iniciarse en el coleccionismo, dirigido por la asesora de arte Pía Rubio. El servicio de asesoramiento tendrá en cuenta los diferentes perfiles del interesado, generando así un recorrido y ofreciendo orientación en atención a sus preferencias. Pía Rubio articulará la visita para proporcionar una amplia visión de las posibilidades de compra de arte que puede ofrecer una feria de arte contemporáneo como Art Madrid.

DEL 26 AL 30 DE MAYO | 11:00H - 14:00H Y 16:00 - 20:00 GALERÍA DE CRISTAL DEL PALACIO DE CIBELES (C/ MONTALBÁN, 1)

Paloma Fernández

Visitas guiadas por el recorrido “El arte de habitar” en compañía de la comisaria Natalia Alonso.

La crítica y comisaria independiente Natalia Alonso ha realizado una selección de 12 obras entre los proyectos que participan en Art Madrid’21 para proponernos un recorrido que ahonda en la idea del “espacio habitado”. Este itinerario comisariado nos invita a reflexionar sobre conceptos como la intimidad, la domesticidad o el entendimiento del hogar y la ocupación de los espacios cuando se vive en ellos. Natalia Alonso realizará las visitas guiadas acompañada de dos coleccionistas que culminará con diálogo de ambas con el público.

MIÉRCOLES 26 DE MAYO | 11.30H- 12-30H // 17:30H - 18:30H y JUEVES 27 DE MAYO | 11.30H- 12-30H // 17:30H - 18:30H GALERÍA DE CRISTAL DEL PALACIO DE CIBELES (C/ MONTALBÁN, 1)

Gorka Garcia "ARIAVENTO" Galería Aurora Vigil-Escalera

Visita a la Colección SOLO

Situado en pleno centro de Madrid, el Espacio SOLO acoge la exposición “Still Humans”. Un centenar de obras con 40 artistas contemporáneos. Los visitantes de la feria tendrán la oportunidad de conocer esta extraordinaria colección que cuestiona nuestra relación con los avances tecnológicos a través de la pintura, escultura, sonido e inteligencia artificial.

SÁBADO 29 DE MAYO | 11:00H - 12:00H ESPACIO SOLO (PLAZA DE LA INDEPENDENCIA, 5)

Espacio SOLO

Activación Sonora en la galería Luisa Pita.

La artista Acacia Ojea activará el día de la inauguración una intervención sonora de veinte minutos en la Galería Luisa Pita. Una obra inspirada en la sensibilidad, materiales plásticos y escultóricos de los cinco artistas que conforman el proyecto expositivo de la galería, reivindicando la escucha como refugio en el que poder percibir, sentir y repensar las relaciones que emergen desde lo sonoro.

MIÉRCOLES 26 DE MAYO | 12:30H - 18:30H NO REQUIERE PREVIA INCRIPCIÓN GALERÍA DE CRISTAL DEL PALACIO DE CIBELES (C/ MONTALBÁN, 1)

Acacia Ojea. Akazie

Celebrar el arte en primera persona y acercar al público visitante al coleccionismo y a la crítica artística son los pilares fundamentales de esta edición. Después de vivir un año en el que como sociedad hemos podido ver de forma nítida la necesidad humana de experimentar el arte como alimento para el alma, más que nunca creemos que visitar la feria y disfrutar de esta programación es una oportunidad única para nutrir nuestra mirada interna.

 

La obra de Julian Manzelli (Chu) (Buenos Aires, Argentina, 1974) se sitúa en un territorio de investigación donde el arte adopta metodologías próximas al pensamiento científico sin renunciar a su dimensión poética y especulativa. Su práctica se estructura como un proceso abierto de experimentación, en el que el taller funciona como laboratorio: un espacio de ensayo, error y verificación, más orientado a la producción de nuevas formas de percepción que a la obtención de certezas. En este sentido, su trabajo dialoga con una epistemología de la incertidumbre, afín a tradiciones filosóficas que entienden el conocimiento como devenir y no como cierre.

Manzelli explora zonas intersticiales, entendidas como espacios de tránsito y transformación. Estas áreas ambiguas no se presentan como indefinición, sino como potencia: lugares donde las categorías se disuelven y permiten la emergencia de configuraciones híbridas, casi alquímicas, que reprograman la mirada.

La geometría, lejos de operar como sistema normativo, aparece tensionada y desestabilizada. Sus construcciones precarias articulan un cruce entre intuición y razón, juego e ingeniería, evocando una gramática universal presente tanto en la naturaleza como en el pensamiento simbólico. Así, las obras de Manzelli no representan el mundo, sino que lo transfiguran, activando preguntas más que respuestas cerradas.

Avícola. Escultura magnética. Madera, imanes, laca automotriz y acero. 45 x 25 cm. 2022.

La ciencia y sus métodos inspiran tu proceso. ¿Qué tipo de paralelismos encuentras entre el pensamiento científico y la creación artística?

La ciencia y el arte son dos disciplinas que creo tienen mucho en común y sin duda están muy interrelacionadas. A mí me interesa ese cruce y a pesar de que muchas veces se ponen en lugares opuestos, creo que comparten y tienen un mismo origen. En ambos está esa búsqueda continua, esa necesidad de respuestas que viene desde la curiosidad, no tanto desde la certeza y que a veces, o en muchos casos, tanto a los artistas como a los científicos, los lleva a ponerse en lugares incómodos e inciertos y a salirse de su zona de confort. Creo que eso es algo en común y muy interesante de estas dos disciplinas que de alguna forma son las que nos definen como humanos.

En ese sentido, ambas comparten la experimentación como eje de su práctica. La prueba, el error, los ensayos y todo este proceso son los que van generando el desarrollo. En mi caso, esto se aplica al taller: lo vivo como un laboratorio donde se desarrollan distintos proyectos, donde voy testeando materiales. Es como si uno genera una hipótesis y luego la pusiera a prueba: los materiales, los procedimientos, las formas, los colores, y se obtienen resultados. Resultados que no buscan ser verificados, sino que en el arte tienen, creo yo, la función de generar nuevos modos de percepción, nuevas miradas y experiencias.

Receptor Lunar #01. Ensamble de Madera Reciclada torneada. 102 x 26 x 26 cm. De la serie Fuerza orgánica. 2023.

Trabajas desde los intersticios entre lo natural y lo artificial, lo figurativo y lo abstracto. ¿Qué te interesa de esas zonas ambiguas y qué tipo de conocimiento emergen de ellas?

Siempre fui bastante inquieto y eso me llevó a meterme y sumergirme en distintos ámbitos, distintas disciplinas. Creo que hay una riqueza especial en los lugares intersticiales, en el ida y vuelta, en la circulación entre medios. Siempre me llamaron la atención estos espacios, los lugares ambiguos, los lugares híbridos. Creo que hay algo de la lógica anfibia, los anfibios como entidades que llevan y traen información, que comparten, que atraviesan límites y membranas. Es algo, en mi caso, que está vinculado a lo que entiendo como libertad, sobre todo en un momento de encasillamiento, de etiquetas y donde el concepto de libertad ha sido totalmente transgiversado.

Y después, por otro lado, en el plano más metafísico, en la mezcla, en ese mix es donde aparece la energía viva de crear algo nuevo, que sin duda es como la base de lo humano. Entonces es como que “una cosa se hace cosa fuera del molde". Y es necesaria esa interacción para romper estructuras, armar otras, transmutarse; tiene algo como alquímico. Yo creo que el enemigo es la fijación. De alguna manera lo ambiguo es lo que permite reprogramar la mirada y generar nuevos puntos de vista.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

El movimiento, la repetición y la secuencia aparecen como estrategias visuales. ¿Qué papel cumple la serialidad en la generación de significado?

El movimiento, la repetición y la secuencia están muy presentes en mi trabajo. Yo tengo un largo background en el mundo de la animación y, de alguna forma, ese interés comienza a filtrarse en las demás disciplinas en las que me desempeño. Así, el movimiento aparece también en mi obra dentro de las artes visuales.

La serialidad es como una forma de pensar el tiempo y de introducir cierta narrativa y acción en la obra, al mismo tiempo que creo que condiciona la experiencia del espectador, lo invita a intentar descifrar cierta repetición como una especie de progresión. Me interesa, en particular, la narrativa más abstracta. En este tipo de narrativa, donde no hay figuración clara, la repetición empieza a marcar un pulso, un “beat” que señala el paso del tiempo. Lo interesante, creo, es que nos damos cuenta de que repetir no es exactamente duplicar, y que lo idéntico comienza a mutar a lo largo del tiempo, del ritmo o de su propia historia.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

Trabajas con sistemas geométricos y constructivos. ¿Qué papel cumple la geometría como lenguaje simbólico dentro de tu trabajo?

La geometría está presente en mi obra de múltiples formas y dimensiones, generando distintas dinámicas. Por lo general, suelo ponerla en crisis, en tensión. Si uno se adentra en mis obras, se da cuenta de que predominan construcciones en equilibrio impreciso e inestable; no busco lo simétrico ni lo exacto, sino una construcción dinámica que plantea una situación. No lo concibo como un sistema rígido.

Creo que ahí se establece un puente entre lo intuitivo y lo racional, entre lo lúdico -el juego- y la ingeniería, como esos cruces inesperados. Al mismo tiempo, la geometría funciona como un código, un lenguaje que nos conecta con una gramática universal presente en la naturaleza, en los fractales, y que sin duda remite al simbolismo. Es ahí donde se abre un portal interesante en el que la obra empieza a resignificar y a darse como un proceso de significación externo a sí misma, totalmente incierto. El resultado de mis obras no son piezas que representan; más bien, creo que son piezas que transfiguran y que, de alguna manera, generan preguntas.

WIP. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de contrucción. 2022.

¿Hasta qué punto planificas tus obras y cuánto espacio dejas para que ocurra lo inesperado o, incluso, al error?

Con respecto a la planificación, es algo que depende bastante del proyecto y del día. Hay proyectos que, por su envergadura o complejidad, requieren planificación, sobre todo cuando involucran a otras personas que deben participar. Sin duda, en muchos casos la planificación es fundamental.

En los proyectos que suelo planificar, siempre me interesa dejar un espacio para la improvisación, donde pueda jugar un poco el azar o el devenir del propio proceso. Creo que ahí empiezan a surgir cosas interesantes, y es importante no dejarlas pasar. Personalmente, me aburriría mucho trabajar en obras cuyo resultado ya conozco de antemano. La realización de cada obra es, para mí, un viaje incierto; no sé hacia dónde me llevará, y creo que ahí reside el potencial y lo interesante, no solo para mí, sino también para la obra misma y la experiencia del espectador.