Art Madrid'21 sintetiza las últimas tendencias del arte contemporáneo donde es imprescindible dar cabida a jóvenes artistas con carreras destacadas que prometen una amplia trayectoria.

Afianzamos un año más el compromiso de apoyo a jóvenes creadores que se encuentran en pleno desarrollo de una mirada propia.

Con propuestas variadas de pintura, fotografía y escultura, más de la mitad de las galerías participantes en esta edición contienen en su proyecto expositivo la obra de artistas que no superan los 35 años.

Entre los 10 artistas más jóvenes de Art Madrid'21 cabe destacar que ocho son mujeres.

Una generación nacida en los años 90 que trabaja con perseverancia en la construcción de una realidad artística donde la igualdad se materialice gracias a un cambio social profundo en la concepción de la estructura creativa y educacional.

Creadoras con prometedoras carreras que aterrizan en Art Madrid con propuestas rompedoras y estilos marcados que despertarán sin duda gran interés en el público visitante.

Con tan solo 24 años, Isabela Puga es la artista más joven de la feria. Representada por la galería BAT Alberto Cornejo expone su obra con líneas delicadas de estilo geométrico donde podemos observar la influencia de su interés en la arquitectura y el urbanismo.

Nacida en Caracas y licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, arranca su investigación pictórica a través del material y su percepción. A partir de los opuestos, el brillo del oro y la oscuridad del negro, Isabela explora en sus obras elementos básicos como la profundidad, color, luz y espacio. La obra requiere necesariamente de un espectador que la observe y analice sus perspectivas y superposiciones de planos retomando un lenguaje más elemental y minimalista.

BAT Alberto Cornejo Isabela Puga M3_AM_2, 2021 Caseína, cola de conejo y oro 22 quilates sobre madera 102 x 150 x 6 cm

El joven artista Misterpiro (1994) regresa a la feria con la galería Kreisler. Sus creaciones que destacan por un estilo urbano han acercado el arte contemporáneo a los públicos más jóvenes.

Misterpiro se inició en el graffiti evolucionando en su estudio hacia las acuarelas, los acrílicos y técnicas basada en agua. Ha realizado diversas exposiciones tanto individuales como colectivas y sus trabajos de calle se pueden encontrar en paredes de diversas ciudades de España, así como en Lisboa, Roma, Londres, Nueva York, Nueva Delhi o Seúl.

Su técnica se basa en la improvisación, donde la agresividad del spray y la delicadeza de la acuarela se mezclan en todo tipo de soporte, creando un mundo que nos hace viajar de la abstracción completa a lo figurativo.

Galería Kreisler Misterpiro Fase 3 Esmalte acrílico, barra de aceite y spray sobre madera 120 x 120 cm

La galería de Rodrigo Juarranz nos presenta por primera vez en Art Madrid, el trabajo de Violeta McGuire. La joven artista de 28 años se caracteriza por la realización de instalaciones para conectar con el público en el momento presente, invitando al espectador a ser parte de la obra completando con su perspectiva individual las piezas.

Su formación en Central St. Martins sobre estudios de imagen en movimiento, programación, robótica, motores, leds y otras técnicas le ha permitido experimentar y crear una obra que navega entre la escultura y la instalación y nos sumerge en la exploración de la infinitud, la tranquilidad en la observación y la materialización de conceptos como lo acuático.

Violeta Maya Aguirre ganó el premio Big White Wall por Winsor & Newton y Cass Art y ha participado en ferias y exposiciones nacionales e internacionales.

Galería Rodrigo Juarranz Violeta McGuire LPBMA Técnica mixta (rojo) 44X44 cm 2021

Con 30 años, Silvia Flechoso investiga a través de su idea de retrato el concepto de mito y el poder reinterpretándolo bajo una visión erótico-mística que pretende recordar la naturaleza divina del hombre. Una obra subversiva de estilo figurativo que sigue la tradición veneciana de Tiziano en la que implementa una clara estética contemporánea usando la representación y modificación simbólica de la fama, poder y statu quo.

Silvia ha sido ganadora de la Beca BAAA organizada por la Barcelona Academy of Art en colaboración con el Museo MEAM de Barcelona y su obra ha formado parte de exposiciones individuales y colectivas en Zurich, Venecia, París y Madrid.

Inéditad Galería Silvia Flechoso Piéta Óleo sobre lienzo 200 x 200 2021

Anbel es el nombre artístico de Ana Ruiz (1991). Su fotografía llega de la mano de Mindiuz Artèstudija, galería que participa por primera vez en Art Madrid con un marcado carácter internacional de origen lituano y afincada en Murcia.

Actualmente Anbel forma parte del grupo de investigación Arte y Políticas de Identidad y ha sido docente en la Facultad de Bellas Artes de Murcia. Su investigación artística se centra en las posibilidades plásticas del color sobre la superficie arquitectónica en el contexto del espacio público. Sus fotografías fusionan imágenes de espacios interiores, ayudándose de la plasticidad propia del color.

Mindiuz Artèstudija Anbel Serie Design&color: Room Print:cotton platine fibre rag paper 130x87 2021

El joven escultor José Cháfer (1991), moldea la madera y la piedra analizando y observando la multitud de formas, texturas y colores que encontramos en la naturaleza. Los fenómenos que se producen en el espacio más genuino de la vida y las conexiones que en ellas se generan es objeto de estudio y representación de la obra de Cháfer. Esculturas que se enmarcan en el concepto de infinitud a través de los ciclos y el equilibrio natural.

La obra de José Cháfer estará expuesta en Art Madrid gracias a la galería Marita Segovia que destaca en su propuesta la apuesta por este joven escultor.

Marita Segovia José Cháfer Liana Blanca Madera de abedul 170 x 30 2021

Elvira Carrasco (1991) afincada en Valencia pero original de una pequeña aldea de Cuenca, explora a través del autorretrato, el color y la fantasía las diferentes vías de comunicación y creatividad que habitan en ella. Desde la pintura, la escultura y los dibujos, su proceso creativo ha ido incorporando distintas técnicas creando un proyecto innovador, rompedor y fresco. "Faces Project" es el exponente más actual de obra en la cual traza una línea narrativa para evaluar sus propios límites.

La artista estuvo becada después de licenciarse en Historia del Arte por la Universidad de Valencia en la Stair Sainty Gallery de Londres.

La Aurora Elvira Carrasco Green Sprout Pexiglás 135 x 100 2021

La galería HELAREA llega una propuesta fresca de artistas jóvenes que destacan por su depurada técnica con una amplia gama de estilos. La artista Elisa de la Torre , a sus escasos 31 años presenta un discurso en el que la conexión con la naturaleza es la raíz del proceso creativo.

Piezas que entrelazan el movimiento y la textura con elementos matéricos que llenan de vida su obra.

Elisa explora la pintura fluida combinando con fusiones aleatorias que surgen al añadir minerales y sustancias que provocan reacciones químicas y procesos de cristalización que dan lugar a topografías donde la magia y la belleza atraviesan la mirada del espectador.

Su obra se caracteriza por una observación analítica que se transfiere en forma abstracta dando lugar al encuentro con la serenidad.

HELAREA Elisa de la Torre AguasLI Mixta y pan de oro sobre lienzo 110 x140 2020

Alzueta Gallery apuesta por el trabajo de Andrea Torres Balaguer (1990). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, tras ganar el primer premio de Nuevos Talentos de Artevistas, ha expuesto en Barcelona, Madrid, París, Nueva York, Londres, Bruselas, Berlín, Ámsterdam y numerosas ferias europeas.

Su obra está influenciada por la teoría psicoanalítica donde los sueños y su interpretación ahondan en la relación entre la feminidad y la naturaleza a través del simbolismo y realismo mágico. Andrea experimenta entre el consciente y el subconsciente trabajando entre los límites de la realidad y la ficción donde el espectador interpreta la historia con su propio bagaje y recorrido en el mundo onírico.

Alzueta Gallery Andrea Torres Lilac Fotografía en papel Hahnemühle Photo Rag Baryta intervenida con pintura acrílica 100 x 85 2021

Lara Padilla (1988), conocida con el alias Sra.D esuna creadora multidisciplinar que se sirve de la pintura, la danza, la escultura, el cine y la moda como medios de expresión plástica.

Combina así textura y movimiento, lienzos y prendas de vestir que permiten que su obra viaje entre distintos contextos sociales y profesionales.

La galería barcelonesa 3Punts expone sus piezas en Art Madrid'21 destacando su carácter figurativo. Su obra dirige la atención al poder de la representación femenina a través de la deformación del cuerpo y el uso del color y las texturas. Una reivindicación de género exhibida a través de grandes manos como instrumentos poderosos de batalla o pies pesados, imagen de la perseverancia de la mujer en su lucha.

Sra.D entiendo el arte como intervención y acción política, así en su obra acciona la lucha por la igualdad y la autenticidad como construcción de la identidad. En sus últimas creaciones ha expandido su discurso plástico explorando el arte africano y precolombino, capítulos culturales de gran calado social y conceptual como el Génesis o la interacción de los cuerpos con nuevos soportes y texturas.

3Punts Lara Padilla SRAS HUMAN TETRIS Técnica mixta sobre tela 200 x 200 2021

Art Madrid, comprometida con crear un espacio de enunciación para artistas que trabajan en torno a las artes performativas, presenta Abierto Infinito: Lo que el cuerpo recuerda, una propuesta que se inspira en los planteamientos de Erving Goffman en La presentación de la persona en la vida cotidiana (Amorrortu editores, Buenos Aires, 1997).

La propuesta se inscribe en un marco teórico que dialoga directamente con dichos planteamientos, donde la interacción social se concibe como un escenario de actuaciones cuidadosamente moduladas para influir en la percepción de los demás. Goffman sostiene que los individuos despliegan expresiones verbales e involuntarias para guiar la interpretación de su conducta, sosteniendo roles y fachadas que definen la situación para quienes observan.

En este sentido, las artistas invitadas a la tercera edición del Ciclo de performance, construirán microescenarios donde los gestos, posturas y desplazamientos corporales funcionen como “fachadas” performativas, configurando el marco de percepción y significación para el público. Estas actuaciones dramatizan la experiencia cotidiana, ofreciendo interpretaciones idealizadas o enfatizadas de la relación entre cuerpo, espacio y temporalidades, mientras ciertos elementos —el esfuerzo invisible, las tensiones internas, las contradicciones— quedan parcialmente ocultos, generando capas de sentido y resonancia más profundas.

En consonancia con Goffman, la performance opera sobre la tensión entre la representación idealizada y el esfuerzo real, entre lo visible y lo silente. Las artistas gestionan la información que entregan, seleccionando lo que se muestra y lo que se oculta, y articulando estrategias de presencia que pueden evidenciar o disimular poder, vulnerabilidad, resistencia o intimidad. La idealización, en este contexto, implica la construcción de un lenguaje performativo capaz de resaltar valores, tensiones y posibilidades de relación, exponiendo la densidad poética de lo cotidiano y rompiendo, si se quiere, la barrera de la ausencia de transparencia con la que nos comportamos en la cotidianidad “real”.

El ciclo, aunque concentrado en las nociones de cuerpo ↔ memoria ↔ representación ↔ presencia, aspira a expandir su horizonte, concibiendo la performance como un acto de revelación de vínculos invisibles y tensiones que atraviesan cuerpos, objetos y contextos. En este entramado de muros, stands y pasillos, surgen símiles cuando la Galería de Cristal se transforma en un espejo de experiencias estéticas: un espacio extraartístico invadido por la efímera presencia del arte contemporáneo, como ocurre en el caso de la feria.

El cuerpo, primer territorio de toda representación, antecede a la palabra y al gesto aprendido. En él se inscriben las experiencias humanas, tanto conscientes como inconscientes. Abierto Infinito: Lo que el cuerpo recuerda parte de esa premisa: en la propia existencia habita la representación, y la vida, entendida como una sucesión de representaciones, transforma al cuerpo en un espacio de negociación constante sobre quiénes somos. En ese tránsito, los límites se desdibujan; lo individual se abre a lo colectivo y lo efímero adquiere una dimensión simbólica. Al habitar ese intersticio, la performance revela simultáneamente la fragilidad de la identidad y la fuerza que emerge del encuentro con los otros.

ARTISTAS INVITADAS

COLECTIVO LA BURRA NEGRA (Málaga, 2024)

La Burra Negra es un colectivo nómada de Artes de Acción con sede en Málaga, fundado en 2024 tras su primera residencia en Totalán. Está autogestionado por Ascensión Soto Fernández, Gabriela Feldman de la Rocha, Sasha Camila Falcke, Sara Gema Dominguez Castillo, Sofía Barco Sánchez y Regina Lagos González, seis creadoras de diferentes procedencias y trayectorias que se conocieron en el Hospital de Artistas de La Juan Gallery.

El colectivo reúne profesionales de joyería, pintura, artes escénicas, música, danza, divulgación y gestión cultural. Su actividad incluye la residencia anual en Totalán, la producción de obras performativas, la mediación cultural y la realización de intervenciones en el territorio. Desde su creación ha participado en las Jornadas Periscopio en La Térmica, ha presentado A granel en el MVA de Málaga, ha realizado diversas acciones en Totalán, la más reciente durante su segunda residencia anual y ha formado parte con sus propias propuestas en la performance Desplazamiento del Congreso de los Diputados de Roger Bernat en Madrid.

El Colectivo La Burra Negra presenta en Art Madrid’26 su performance: ALTA FACTURA

El proyecto se inscribe en una investigación performativa que cuestiona los dispositivos de exhibición y las jerarquías de valor que atraviesan la creación artística. A partir del lenguaje textil y del cuerpo como superficie de inscripción, el colectivo examina la tensión entre proceso y resultado, entre oficio y espectáculo, poniendo el foco en aquello que el sistema cultural tiende a ocultar: el tiempo invertido, el desgaste, la fragilidad y el trabajo manual que sostienen toda obra. En este marco, la pasarela de moda aparece como estructura simbólica que condensa brillo, consumo y producto final, convirtiéndose en el punto de partida para su subversión.

Inserta en este contexto, Alta Factura desplaza la mirada hacia las costuras —reales y metafóricas— que habitualmente permanecen en la sombra de los bastidores. A través de piezas textiles conceptuales, la performance expone el rigor del oficio y la vulnerabilidad del artista, transformando la pasarela en un espacio crítico donde el proceso se vuelve protagonista. Al hacer visibles las uniones, los ajustes y las huellas del hacer, la obra reivindica el valor de lo invisible y confronta al espectador con las condiciones materiales y afectivas que sostienen la práctica artística contemporánea.

ROCÍO VALDIVIESO (Tucumán, Argentina, 1994)

Rocío Valdivieso es artista, investigadora y gestora cultural. Doctoranda en Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Obtuvo el título de Máster en Investigación en Prácticas Artísticas de la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM). Es Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad Nacional de Tucumán. Fue becaria de la Fundación Carolina entre 2022 y 2023. Actualmente coordina Errática Laboratorio de procesos y clínica de obra, junto a Romina Casile, en Madrid. Formó parte del Programa PEEPA 2023, en el Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid, con el acompañamiento de Dora García, Cabello/Carceller e Isabel Marcos. Realizó el Programa de Artistas 2021/22, de la Universidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires.

En 2020 realizó el Programa Intensivo de Curaduría de Proyecto PAC, Buenos Aires. Recibió el Premio Fomento a las Artes Visuales de la IV Semana de Artes Visuales del Ente Cultural de Tucumán. Fue becada por AUGM para realizar una estancia de intercambio en UNESP, São Paulo, Brasil. Realizó el programa de Residencia Internacional La Ira de Dios y la Residencia de Acéfala Galería para artistas de Argentina. Entre sus exposicones individuales se encuentran: El orden de las virtudes (2022), pintura plegaria(2021) y Teoría de lo involuntario (2019) en Tucumán, Argentina, y participó de exposiciones colectivas, entre ellas la exposición Aura latente, en Espacio Amazonas; la Jornada de cierre del Programa PEEPA, en Matadero, en Madrid y la exposición Ceder una huella, en Cuenca, España. Participa en diversas instancias de formación desde 2013 y con frecuencia escribe textos que acompañan exposiciones de arte. Fue miembro fundadora y secretaria de la comisión directiva de la Asociación de Trabajadores de las Artes Visuales de Tucumán (TAViT).

Rocío Valdivieso presenta en Art Madrid’26 su performance: OSCURECER UN PAPEL

Oscurecer un papel se enmarca en una serie de acciones en las que la lectura se construye a partir de la repetición, el acto de memorizar y cierto grado de improvisación. De este modo, se configura una lectura no lineal que parte de un texto escrito y se transforma al ser pronunciado en voz alta, desplazando su forma y su sentido en el propio acto de decir. Los textos tienen como punto de partida una investigación en torno a la materialidad, el espacio y las relaciones entre cuerpo y materia, así como la escritura, lo escultórico y la exploración de la voz y la oralidad. El material con el que se construye la pieza es un conjunto de tickets de compra acumulados a lo largo del tiempo. El texto impreso en ellos y la acción de acercarlos a una fuente de calor —provocando la reacción del papel térmico— generan sentidos vinculados a las ideas de consumo, registro y desgaste.

AMANDA GATTI (Porto Alegre, Brasil, 1996)

Amanda Gatti es una artista e investigadora cuya práctica se despliega entre la performance, el video, la fotografía y la instalación. Explora las intersecciones entre cuerpo, objeto y espacio, investigando cómo ocupamos — y somos ocupados por — los espacios que nos rodean. A partir de experiencias de desplazamiento y de la observación de entornos domésticos y urbanos, su trabajo concibe el cuerpo como mediador y archivo, transformando objetos encontrados, disposiciones espaciales y gestos cotidianos en arquitecturas efímeras y situaciones relacionales. Le interesa la relación entre gesto, desplazamiento y arquitectura, así como las formas efímeras que emergen de lo cotidiano. Concibe el cuerpo como mediador y archivo: un lugar donde las experiencias se inscriben y se transforman.

Los objetos, a menudo encontrados o recolectados en contextos urbanos, actúan como extensiones del cuerpo y de la arquitectura, revelando ciclos de abandono, reutilización y transformación. Al incorporarlos a su trabajo, busca abrir diálogos entre lo permanente y lo transitorio, lo público y lo privado, lo real y lo imaginado.

Estudió el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía/UCLM (España, 2023) y el Grado en Producción Audiovisual por la PUCRS (Brasil, 2018), donde recibió becas como la de Santander Universidades. En España, su obra ha sido presentada en instituciones y contextos como el Museo Reina Sofía, la Fundación Antonio Pérez, Galería Nueva, CRUCE y Teatro Pradillo, así como en exposiciones y festivales en Brasil, Alemania, Irlanda, Reino Unido y Estados Unidos. Actualmente reside en Madrid, con bases secundarias en Brasil y el Reino Unido.

Amanda Gatti presenta en Art Madrid’26 su performance: TRAYECTORIA

La performance continúa la investigación que durante años ha venido desarrollando la artista con objetos encontrados en el espacio público: fragmentos obsoletos, restos de uso cotidiano y desechos que, al ser pintados de azul, adquieren una nueva visibilidad y una condición escultórica propia. Estos materiales conforman un archivo que se activa a partir del gesto y del desplazamiento.

En Trayectoria, la artista propone atravesar el pasillo principal de la feria arrastrando un conjunto amplio de estos objetos, enlazados entre sí y atados a los cordones de sus zapatos. El recorrido transforma esta zona de tránsito en un espacio activo, donde cuerpo y materiales generan nuevas formas. Los objetos funcionan como extensiones del cuerpo en movimiento: tensan, desvían, frenan y reconfiguran cada paso. La acción explora la coexistencia entre lo durable y lo efímero, entre aquello que fue descartado y lo que insiste en permanecer. Aborda el tránsito como activación simultánea de lo material y lo inmaterial, proponiendo un encuentro entre el gesto, lo escultórico y todo aquello que continúa acompañándonos incluso después de haber sido dejado atrás.

JIMENA TERCERO (Madrid, 1998)

Jimena Tercero es una artista multidisciplinar cuya práctica, desarrollada a través del video, la performance y la pintura, investiga los límites de la identidad en relación con el cuerpo humano. Su trabajo explora conceptos como la memoria, lo tangible y el juego, profundizando en el dolor subconsciente inscrito en la memoria corporal.

Se forma en pintura con Lola Albín y en fotografía analógica en Cambridge (2014). Entre 2018 y 2020 se especializa en el ámbito audiovisual, formándose como realizadora junto a referentes como el director Víctor Erice y la productora El Deseo. Posteriormente cursa un Máster en Dirección Creativa en ELISAVA y desarrolla su práctica performativa en La Juan Gallery. En 2011 forma parte del jurado infantil del Festival de Cine de Isfahán (Irán).

Dirige piezas como Private (2016) y Paranoid (2021), presentadas en Galería Aspa Contemporary, donde aborda el dolor subconsciente alojado en la memoria corporal. Continúa esta línea de investigación en obras como Yo mi me conmigo (2023), presentada en Teatros del Canal; Inside Voices (2021), filmada en Conde Duque con la asesoría de Itziar Okariz; y La última regla, en La Juan Gallery. Ha participado en residencias como Medialab, junto a Niño de Elche y Miguel Álvarez Fernández (2021), donde investiga el trabajo con la voz, y en La Juan Gallery (2024–2025). En 2025 forma parte del jurado especial del Asian Film Fest de Barcelona y participa en la residencia artística International Cultural Museum of Assilah (Marruecos). En 2026 estrena el documental "Contando Ovejas", retrato de dos pastores en Majadahonda que reflexiona sobre la memoria rural y su vínculo con el territorio y el tiempo.

Jimena Tercero presenta en Art Madrid’26 su performance: OFF LINE

OFF LINE, es una pieza performativa que busca reflexionar sobre cómo la era digital está transformando la relación del cuerpo con el mundo y con los demás. La interacción se construye cada vez más a través de pantallas e interfaces, y la identidad se desplaza hacia lo virtual, subordinando la experiencia física a la representación digital. En este contexto, el cuerpo se vuelve frágil: pierde densidad, memoria y presencia activa, y se convierte en soporte de información o imagen.

La hiperconectividad y la atención fragmentada generan una corporalidad cada vez más inerte, caracterizada por la disminución del movimiento espontáneo y la reducción de la interacción sensorial directa. Esto plantea preguntas fundamentales: ¿cómo se redefine la presencia cuando la relación con el mundo depende de mediaciones tecnológicas? ¿Qué sucederá con la experiencia del cuerpo en un futuro donde la virtualidad predomina sobre lo físico?

Se observa un riesgo de progresiva pasividad corporal: cuerpos que permanecen quietos, cuya actividad está determinada por dispositivos, y cuya memoria se externaliza en registros digitales. La fragmentación de la experiencia física y la primacía de la representación tecnológica generan un escenario donde el cuerpo, aunque visible, está desplazado de su función original como agente de percepción y acción. Este marco conceptual invita a reflexionar sobre cómo la digitalización afecta la corporeidad, la memoria y las relaciones sociales, y sobre la vulnerabilidad y la inercia que atraviesan los cuerpos en entornos cada vez más mediatizados por la tecnología.

PERFORMANCES:

Miércoles 4 de marzo | 19:00h. Colectivo La Burra negra. Performance: Alta Factura

Jueves 5 de marzo | 19:00h. Rocío Valdivieso. Performance: Oscurecer un papel

Viernes 6 de marzo | 19:00h. Amanda Gatti. Performance: Trayectoria

Sábado 7 de marzo | 19:00h. Jimena Tercero. Performance: OFF LINE

Art Madrid celebra su veintiuna edición, consolidándose como una plataforma de visibilidad y diálogo para galerías y artistas nacionales e internacionales durante la Semana del Arte de Madrid. En este contexto, la feria renueva su compromiso con la experimentación y con la inclusión de prácticas artísticas que desafían los formatos convencionales del mercado del arte. La integración del Ciclo de Performance —en su tercera edición— responde a esta voluntad institucional de generar un espacio que favorezca la producción de experiencias artísticas vivas. La Galería de Cristal del Palacio de Cibeles, sede de la feria, se convierte así en un entorno idóneo donde la arquitectura y la dinámica propia del evento potencian el carácter efímero y relacional de la performance.

Con esta iniciativa, Art Madrid reafirma su papel como agente activo en la construcción de un ecosistema artístico plural, apostando por la presencia, la investigación y el diálogo como ejes fundamentales del arte contemporáneo.