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DIALOGA CIUDAD. PROGRAMA PARALELO TERRITORIO CIUDAD. ART MADRID'25

Dialoga Ciudad es una actividad que forma parte del Programa paralelo de Art Madrid’25. Es un proyecto de acciones poéticas en la ciudad, comisariado en colaboración con CRU, que propone convertir el entorno urbano en un escenario artístico, integrando la poesía itinerante como vehículo que transforma los espacios públicos en plataformas de reflexión e interacción. A través de intervenciones efímeras en puntos estratégicos de la ciudad, los participantes explorarán el potencial de la poesía como herramienta de comunicación emocional y social. Este proyecto destaca el rol del arte como catalizador de diálogos sensibles en el tejido urbano, redefiniendo la relación entre los ciudadanos y su entorno.

Lucas. Pez Mago, Celia BSoul, Ajo y Peru Saizprez recorrerán la ciudad con intervenciones performáticas que invitan a reflexionar sobre las prácticas artísticas contemporáneas. Su travesía los llevará a puntos culturales clave de la capital, donde el encuentro con los viandantes se transformará en un diálogo poético.

Lucas. Pez Mago. Cortesía del artista.

Lucas. Pez Mago

Acción poética callejera con Pez Mago

Lugar: Plaza de Pedro Zerolo. Chueca. Madrid Centro, 28004 Madrid.

Hora: 12:00 - 13:00h

Subido sobre una silla en plena calle, Pez Mago se transforma en el portavoz de las palabras que nacen de sus dos poemarios, Esto antes tenía música y A la velocidad del deseo. Con un antiguo megáfono de latón en mano, proyecta la poesía al aire libre, sin barreras ni filtros, dejando que la vibración del momento sea la guía. Recita versos que reflejan la esencia de su ser, tanto de sus poemas como de la letra de algunas de sus canciones, despojadas de acompañamiento musical, haciendo de la palabra el único puente entre el alma y la multitud.

Este acto poético puede realizarse mirando directamente a los viandantes, desafiándolos a conectar con el eco de sus palabras, o mirando al cielo, adoptando la postura de un predicador callejero que ofrece su verdad al viento, como quien lanza una semilla sin saber si germinará. La calle es su escenario, el megáfono su voz amplificada, y los transeúntes, testigos involuntarios de una acción que busca despertar algo profundo en el interior de cada uno.

El propósito no es solo compartir poesía, sino crear un momento efímero, una atmósfera cargada de intenciones, emociones y reflexiones, donde cada paso de los transeúntes puede ser tocado por la fuerza de las palabras, aunque solo sea por un instante.

SOBRE EL ARTISTA

Pez Mago es el nombre artistico de Lucas Alvarez de Toledo (Madrid 1971). Ha actuado en los cinco continentes a lo largo de los últimos veinte años, sobre todo en Argentina, Colombia, Mexico, Chile, Uruguay, Costa Rica, Nicaragua, Perú, Brasil, Panamá. Alemania, Italia, Guinea Ecuatorial, Kenia... En 2018 recibió el premio Piero Ciampi al mejor artista internacional. También formó parte como músico instrumentista de la banda Depedro durante cinco años (2010-2015) con quien actuó en Europa, Estados Unidos, China, Corea de Sur, Australia y Nueva Zelanda.

Pez Mago ha publicado ya once discos desde el año 2000 y también tiene en su haber dos libros de poemas “Esto antes tenía música” 2015, “A la velocidad del deseo” 2018, y un libro de viajes “El mundo también se dobla” 2016 Durante estos veinte años de gira de Pez Mago por pequeños cafés y teatros alternativos el autor ha ofrecido más de mil quinientos conciertos, y ha combinado su faceta de músico de directo con otras igual de importantes, como la de autor. Sus canciones (letra y música) han sido interpretadas por gran variedad de artistas, muchos de ellos muy lejanos al estilo musical de Pez Mago: Depedro y Leiva han grabado “Noche Oscura”, Malú y Melendi “Amigo”, Sergio Dalma “Con la boca por delante”, Raphael “Qué tendrá que ver”, Clara Montes “Luna” y así...

Celia BSoul. Cortesía de la artista.

Celia BSoul

Un cuerpo es una ciudad

Lugar: Plaza de Pedro Zerolo. Chueca. Madrid Centro, 28004 Madrid.

Hora: 13:00-14:00h

Un cuerpo es una ciudad plantea un viaje poético alrededor del imaginario de la intimidad y la violencia, explorando la línea que separa las ciudades de los cuerpos, e imaginando los cuerpos como ciudades por donde transitan otros elementos, generando un impacto a su paso, modificando su estructura, y construyendo una "arquitectura del daño y el recuerdo".

Esta performance incorpora poemas del libro Ciudad de los otros (Ed. La Imprenta), publicado en 2023, y canciones a capella, en un diálogo con el espacio y sus transeúntes. La pieza gira en torno a una pregunta: qué diferencia a una ciudad de un cuerpo, y, si nuestros cuerpos son ciudades, cómo nos mantenemos a salvo de la violencia que procede del exterior y el interior de ella.

SOBRE LA ARTISTA

Celia Fernández Escobar (Celia Bsoul) es una periodista, rapera y poeta originaria de Madrid, cuya obra fusiona el rap y la poesía, abordando temas de género desde una perspectiva íntima. Ha publicado su disco Estacciones y varios sencillos y colaboraciones, explorando los puentes entre ambos géneros. Actualmente, está trabajando en su EP Pobre dios, centrado en el imaginario de la violencia. Ha participado en festivales como VOCIFERIO (Valencia), La Noche de los Libros (Madrid), FELISA (Cantabria), y Ruby Sessions (Dublín), entre otros. Su primer libro, Ciudad de los otros, fue publicado en 2023 junto a la editorial La Imprenta, y se presenta como una propuesta multidisciplinar que une poesía y danza.

Además de su faceta artística, Celia ha sido finalista del II Premio Poesía Viva en 2021 y ha publicado en diversas antologías, como Última poesía crítica. Jóvenes poetas en tiempos de colapso (Lastura Ediciones) y en la revista Nayagua. En 2023 participó como creadora de textos y performer en la propuesta escénica Antes que caiga la noche, una relectura contemporánea de La Ilíada a través de la cultura del hip hop. Su carrera también incluye la creación de contenidos para programas de televisión pública y películas, además de enseñar rap y poesía con enfoque de género en talleres.

Ajo y Peru Saizprez. Cortesía de los artistas.

Ajo y Peru Saizprez

Atravesar al viajero con un Poema.Lectura de micro-poemas propios a pie de calle, interaccionando con el público, invitando a leer algunos versos.

Lugar: Plaza de Pedro Zerolo. Chueca. Madrid Centro, 28004 Madrid.

Hora: 16:30-18:30h

La actividad Atravesar al viajero con un Poema consiste en una lectura performativa de los poetas Ajo y Peru Saizprez en la Plaza de Pedro Zerolo, Chueca, con una duración máxima de dos horas y un breve descanso intermedio. A diferencia de las lecturas convencionales, esta propuesta involucra directamente a los transeúntes, quienes podrán participar de manera voluntaria en una experiencia sensorial e inmersiva. Cada persona que acepte el desafío elegirá un poema y permitirá que el poeta se acerque a su oído para susurrárselo verso a verso. A medida que las palabras recorren su mente, el poema será procesado en su interior hasta emerger nuevamente, esta vez pronunciado en voz alta por el propio voluntario, compartiéndolo con el resto de los presentes.

Antes de participar, cada persona recibirá una explicación detallada de la dinámica y firmará una autorización en la que reconoce el riesgo de quedar transformada por la poesía. Esta intervención busca convertir la palabra en una experiencia viva, diluyendo la frontera entre espectador y protagonista, y explorando la capacidad de la poesía para atravesar, resonar y modificar a quien la escucha.

SOBRE LOS ARTISTAS

Peru Saizprez. Cortesía del artista.

Peru Saizprez (Lima, Perú), poeta y performer nacido en Lima, ha desarrollado su carrera en Europa, destacando con libros como Sexo Satélite y Un Corazón con Pelos. Coautor de obras teatrales, concibe sus recitales como conciertos sin música, llevando la poesía a espacios inesperados. Es el creador de Universal Poem, un poema infinito con más de 60.000 versos, y cofundador del festival POETAS, que desde 2006 difunde la poesía más allá de los formatos tradicionales. En 2025, publicará su quinto libro con Arrebato Libros.

AJO. Cortesía de la artista.

AJO, referente de la contracultura madrileña, pasó de la música experimental a la micropoesía, explorando el juego con las palabras como forma de vida. Dirigió durante más de una década los festivales Yuxtaposiciones y Experimentaclub en La Casa Encendida de Madrid, y ha publicado varios libros de Micropoemas, convirtiéndose en una de las poetas más leídas de España. Su poesía ha recorrido escenarios de todo el mundo junto a músicos como Julieta Venegas o Judit Farrés. Agitadora cultural y figura del underground, sigue buscando el centro de brevedad absoluta en su creación poética.

Daniel Barrio. Artista invitado a la tercera edición de OPEN BOOTH. Cortesía del artista.

DESPIECE. PROTOCOLO DE MUTACIÓN

Como parte del Programa Paralelo de Art Madrid’26, presentamos la tercera edición de Open Booth, un espacio concebido como plataforma para la creación artística y la experimentación contemporánea. La iniciativa pone el foco en artistas que aún no cuentan con representación en el circuito galerístico, ofreciendo un contexto profesional de alta visibilidad en el que nuevas voces pueden desplegar su práctica, ensayar formas de relación con el público y consolidar su proyección en el panorama artístico actual. En esta ocasión, el proyecto está protagonizado por el artista Daniel Barrio (Cuba, 1988), quien presenta el site specific Despiece. Protocolo de mutación.

La práctica de Daniel Barrio se centra en la pintura como un espacio de experimentación desde el que analiza la mercantilización de lo social y la tiranía de la aprobación mediática. Para ello, trabaja con imágenes procedentes de la prensa y otros medios, que interviene pictóricamente con el objetivo de desactivar su significado original. Mediante este proceso, el artista propone nuevas lecturas y cuestiona los mecanismos de producción de sentido, concibiendo la pintura como un lugar de realización, terapia y catarsis.

Despiece. Protocolo de mutación se construye a partir de restos urbanos, materiales industriales y fragmentos de historia para interrogarnos sobre qué memorias heredamos, cuáles consumimos y cuáles somos capaces de construir. Suelo, paredes y volúmenes conforman un paisaje en tensión donde lo sagrado convive con lo cotidiano, y donde las grietas importan más que la perfección.

La evolución constante del arte exige un intercambio continuo entre artistas, instituciones y públicos. En esta 21ª edición, Art Madrid reafirma su voluntad de actuar como catalizador de ese diálogo, ampliando los límites tradicionales del contexto ferial y abriendo nuevas posibilidades de visibilidad para prácticas emergentes.

Este site specific surge de un impulso crítico y afectivo por desarmar, examinar y recomponer aquello que nos constituye cultural y personalmente. La obra se concibe como un todo indisoluble: un paisaje interior que opera como dispositivo de sospecha, donde suelo, paredes y volúmenes configuran un ecosistema de restos. Se propone una lectura de la historia no como una continuidad lineal, sino como un sistema de fuerzas en fricción permanente, articulando el espacio como un archivo adulterado; una superficie que se presenta como definitiva, pero que permanece en constante transformación.

La obra se configura como un paisaje construido a partir de residuos urbanos, donde suelo, paredes y objetos conforman un cuerpo unitario elaborado con mortero de cal, PVC de cartelería teatral, espuma industrial y cera de ofrendas. El núcleo del proyecto es una estructura en forma de “L” de 5 × 3 metros que reinterpreta la técnica del fresco sobre soporte industrial recuperado, aplicando el mortero en húmedo durante jornadas continuas, sin búsqueda de perfección, permitiendo que la materia evidencie su propio carácter. En torno a esta estructura gravitan fragmentos arquitectónicos: bloques de espuma que simulan hormigón, un torso del Belvedere impreso en 3D y deformado, y un elemento escultórico de cera en el que se incrustan lijas utilizadas por obreros y artistas anónimos, preservando el esfuerzo de esos cuerpos ajenos.

Un elemento escultórico de cera blanca funciona dentro del conjunto instalativo como un punto de concentración sensorial que desafía la mirada. En su interior confluyen la fe acumulada de las velas de ofrenda y los residuos industriales del taller, recordando que la pureza y la devoción conviven con la materialidad del mundo cotidiano. La experiencia del espectador trasciende así lo visual: inclinarse, oler y aproximarse a la vulnerabilidad transforma la percepción en un acto íntimo y corporal. En su densidad quedan incrustados tacos de lija usados por artistas, artesanos y obreros, recuperados de contextos ajenos, donde la lija actúa como huella del esfuerzo de otros cuerpos, respondiendo a un protocolo de registro sin intención autobiográfica.

Despiece. Protocolo de mutación nos interpela: ¿qué memoria valoramos?, ¿la que consumimos o la que construimos con rigor? El público abandona la posición contemplativa para integrarse en el sistema, y el esfuerzo de desplazar la materia, el rigor documental y la materialidad envolvente configuran un cuerpo de resistencia frente a una realidad mediada. El proyecto se consolida así como un paisaje interior donde suelo, superficie y volumen articulan una anatomía de residuos. La adulteración opera como metodología analítica aplicada a los estratos de la realidad urbana, interviniendo la historia a través de publicidades teatrales y callejeras, residuos arquitectónicos y protocolos administrativos, proponiendo que el arte puede restituir la capacidad de construir una memoria propia, aunque inevitablemente fragmentada.

SOBRE EL ARTISTA

DANIEL BARRIO. Cuba, 1988.

Daniel Barrio (Cienfuegos, Cuba, 1988) es un artista visual cuya práctica articula el espacio desde la pintura, entendiendo el entorno como un archivo adulterado susceptible de intervención crítica. Formado en la Academia de Bellas Artes de Cienfuegos (2004-2008) con especialidad en pintura, y posteriormente en la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid - ECAM (2012-2015) en Dirección de Arte, su metodología integra el pensamiento plástico con la narrativa escenográfica. Su origen cubano constituye el fundamento analítico de su trabajo: la experiencia de observar cómo los monumentos y los ideales se revelan frágiles al tacto le ha dotado de una sensibilidad particular para detectar las fisuras en aquello que se presenta como definitivo, estableciendo la realidad como superficie bajo permanente interrogación.

Su trayectoria incluye exposiciones individuales como "La levedad en lo cotidiano" (Galería María Porto, Madrid, 2023), "Interiores ajenos" (PlusArtis, Madrid, 2022) y "Tribud" (Navel Art, Madrid, 2019), así como participaciones colectivas relevantes en "Space is the Landscape" (Estudio Show, Madrid, 2024), "Winterlinch" (Espacio Valverde Gallery, Madrid, 2024), "Hiberia" (Galería María Porto, Lisboa, 2023) y la itinerancia de la Exposición de Arte Joven de La Rioja (2022). Miembro del Colectivo Resiliencia, su obra no persigue la producción de objetos sino la articulación de dispositivos pictóricos que generan protocolos de resistencia frente al flujo de imágenes descartables. En un contexto saturado de datos inmediatos, su práctica produce huellas y archiva aquello que debe permanecer, cuestionando no el significado de la obra sino la memoria que el espectador construye al interactuar con ella, recuperando así la soberanía sobre la mirada y habitando las ruinas como método de comprensión del presente.