pie de foto

DIALOGA CIUDAD. PROGRAMA PARALELO TERRITORIO CIUDAD. ART MADRID'25

Dialoga Ciudad es una actividad que forma parte del Programa paralelo de Art Madrid’25. Es un proyecto de acciones poéticas en la ciudad, comisariado en colaboración con CRU, que propone convertir el entorno urbano en un escenario artístico, integrando la poesía itinerante como vehículo que transforma los espacios públicos en plataformas de reflexión e interacción. A través de intervenciones efímeras en puntos estratégicos de la ciudad, los participantes explorarán el potencial de la poesía como herramienta de comunicación emocional y social. Este proyecto destaca el rol del arte como catalizador de diálogos sensibles en el tejido urbano, redefiniendo la relación entre los ciudadanos y su entorno.

Lucas. Pez Mago, Celia BSoul, Ajo y Peru Saizprez recorrerán la ciudad con intervenciones performáticas que invitan a reflexionar sobre las prácticas artísticas contemporáneas. Su travesía los llevará a puntos culturales clave de la capital, donde el encuentro con los viandantes se transformará en un diálogo poético.

Lucas. Pez Mago. Cortesía del artista.

Lucas. Pez Mago

Acción poética callejera con Pez Mago

Lugar: Plaza de Pedro Zerolo. Chueca. Madrid Centro, 28004 Madrid.

Hora: 12:00 - 13:00h

Subido sobre una silla en plena calle, Pez Mago se transforma en el portavoz de las palabras que nacen de sus dos poemarios, Esto antes tenía música y A la velocidad del deseo. Con un antiguo megáfono de latón en mano, proyecta la poesía al aire libre, sin barreras ni filtros, dejando que la vibración del momento sea la guía. Recita versos que reflejan la esencia de su ser, tanto de sus poemas como de la letra de algunas de sus canciones, despojadas de acompañamiento musical, haciendo de la palabra el único puente entre el alma y la multitud.

Este acto poético puede realizarse mirando directamente a los viandantes, desafiándolos a conectar con el eco de sus palabras, o mirando al cielo, adoptando la postura de un predicador callejero que ofrece su verdad al viento, como quien lanza una semilla sin saber si germinará. La calle es su escenario, el megáfono su voz amplificada, y los transeúntes, testigos involuntarios de una acción que busca despertar algo profundo en el interior de cada uno.

El propósito no es solo compartir poesía, sino crear un momento efímero, una atmósfera cargada de intenciones, emociones y reflexiones, donde cada paso de los transeúntes puede ser tocado por la fuerza de las palabras, aunque solo sea por un instante.

SOBRE EL ARTISTA

Pez Mago es el nombre artistico de Lucas Alvarez de Toledo (Madrid 1971). Ha actuado en los cinco continentes a lo largo de los últimos veinte años, sobre todo en Argentina, Colombia, Mexico, Chile, Uruguay, Costa Rica, Nicaragua, Perú, Brasil, Panamá. Alemania, Italia, Guinea Ecuatorial, Kenia... En 2018 recibió el premio Piero Ciampi al mejor artista internacional. También formó parte como músico instrumentista de la banda Depedro durante cinco años (2010-2015) con quien actuó en Europa, Estados Unidos, China, Corea de Sur, Australia y Nueva Zelanda.

Pez Mago ha publicado ya once discos desde el año 2000 y también tiene en su haber dos libros de poemas “Esto antes tenía música” 2015, “A la velocidad del deseo” 2018, y un libro de viajes “El mundo también se dobla” 2016 Durante estos veinte años de gira de Pez Mago por pequeños cafés y teatros alternativos el autor ha ofrecido más de mil quinientos conciertos, y ha combinado su faceta de músico de directo con otras igual de importantes, como la de autor. Sus canciones (letra y música) han sido interpretadas por gran variedad de artistas, muchos de ellos muy lejanos al estilo musical de Pez Mago: Depedro y Leiva han grabado “Noche Oscura”, Malú y Melendi “Amigo”, Sergio Dalma “Con la boca por delante”, Raphael “Qué tendrá que ver”, Clara Montes “Luna” y así...

Celia BSoul. Cortesía de la artista.

Celia BSoul

Un cuerpo es una ciudad

Lugar: Plaza de Pedro Zerolo. Chueca. Madrid Centro, 28004 Madrid.

Hora: 13:00-14:00h

Un cuerpo es una ciudad plantea un viaje poético alrededor del imaginario de la intimidad y la violencia, explorando la línea que separa las ciudades de los cuerpos, e imaginando los cuerpos como ciudades por donde transitan otros elementos, generando un impacto a su paso, modificando su estructura, y construyendo una "arquitectura del daño y el recuerdo".

Esta performance incorpora poemas del libro Ciudad de los otros (Ed. La Imprenta), publicado en 2023, y canciones a capella, en un diálogo con el espacio y sus transeúntes. La pieza gira en torno a una pregunta: qué diferencia a una ciudad de un cuerpo, y, si nuestros cuerpos son ciudades, cómo nos mantenemos a salvo de la violencia que procede del exterior y el interior de ella.

SOBRE LA ARTISTA

Celia Fernández Escobar (Celia Bsoul) es una periodista, rapera y poeta originaria de Madrid, cuya obra fusiona el rap y la poesía, abordando temas de género desde una perspectiva íntima. Ha publicado su disco Estacciones y varios sencillos y colaboraciones, explorando los puentes entre ambos géneros. Actualmente, está trabajando en su EP Pobre dios, centrado en el imaginario de la violencia. Ha participado en festivales como VOCIFERIO (Valencia), La Noche de los Libros (Madrid), FELISA (Cantabria), y Ruby Sessions (Dublín), entre otros. Su primer libro, Ciudad de los otros, fue publicado en 2023 junto a la editorial La Imprenta, y se presenta como una propuesta multidisciplinar que une poesía y danza.

Además de su faceta artística, Celia ha sido finalista del II Premio Poesía Viva en 2021 y ha publicado en diversas antologías, como Última poesía crítica. Jóvenes poetas en tiempos de colapso (Lastura Ediciones) y en la revista Nayagua. En 2023 participó como creadora de textos y performer en la propuesta escénica Antes que caiga la noche, una relectura contemporánea de La Ilíada a través de la cultura del hip hop. Su carrera también incluye la creación de contenidos para programas de televisión pública y películas, además de enseñar rap y poesía con enfoque de género en talleres.

Ajo y Peru Saizprez. Cortesía de los artistas.

Ajo y Peru Saizprez

Atravesar al viajero con un Poema.Lectura de micro-poemas propios a pie de calle, interaccionando con el público, invitando a leer algunos versos.

Lugar: Plaza de Pedro Zerolo. Chueca. Madrid Centro, 28004 Madrid.

Hora: 16:30-18:30h

La actividad Atravesar al viajero con un Poema consiste en una lectura performativa de los poetas Ajo y Peru Saizprez en la Plaza de Pedro Zerolo, Chueca, con una duración máxima de dos horas y un breve descanso intermedio. A diferencia de las lecturas convencionales, esta propuesta involucra directamente a los transeúntes, quienes podrán participar de manera voluntaria en una experiencia sensorial e inmersiva. Cada persona que acepte el desafío elegirá un poema y permitirá que el poeta se acerque a su oído para susurrárselo verso a verso. A medida que las palabras recorren su mente, el poema será procesado en su interior hasta emerger nuevamente, esta vez pronunciado en voz alta por el propio voluntario, compartiéndolo con el resto de los presentes.

Antes de participar, cada persona recibirá una explicación detallada de la dinámica y firmará una autorización en la que reconoce el riesgo de quedar transformada por la poesía. Esta intervención busca convertir la palabra en una experiencia viva, diluyendo la frontera entre espectador y protagonista, y explorando la capacidad de la poesía para atravesar, resonar y modificar a quien la escucha.

SOBRE LOS ARTISTAS

Peru Saizprez. Cortesía del artista.

Peru Saizprez (Lima, Perú), poeta y performer nacido en Lima, ha desarrollado su carrera en Europa, destacando con libros como Sexo Satélite y Un Corazón con Pelos. Coautor de obras teatrales, concibe sus recitales como conciertos sin música, llevando la poesía a espacios inesperados. Es el creador de Universal Poem, un poema infinito con más de 60.000 versos, y cofundador del festival POETAS, que desde 2006 difunde la poesía más allá de los formatos tradicionales. En 2025, publicará su quinto libro con Arrebato Libros.

AJO. Cortesía de la artista.

AJO, referente de la contracultura madrileña, pasó de la música experimental a la micropoesía, explorando el juego con las palabras como forma de vida. Dirigió durante más de una década los festivales Yuxtaposiciones y Experimentaclub en La Casa Encendida de Madrid, y ha publicado varios libros de Micropoemas, convirtiéndose en una de las poetas más leídas de España. Su poesía ha recorrido escenarios de todo el mundo junto a músicos como Julieta Venegas o Judit Farrés. Agitadora cultural y figura del underground, sigue buscando el centro de brevedad absoluta en su creación poética.

La obra de Julian Manzelli (Chu) (Buenos Aires, Argentina, 1974) se sitúa en un territorio de investigación donde el arte adopta metodologías próximas al pensamiento científico sin renunciar a su dimensión poética y especulativa. Su práctica se estructura como un proceso abierto de experimentación, en el que el taller funciona como laboratorio: un espacio de ensayo, error y verificación, más orientado a la producción de nuevas formas de percepción que a la obtención de certezas. En este sentido, su trabajo dialoga con una epistemología de la incertidumbre, afín a tradiciones filosóficas que entienden el conocimiento como devenir y no como cierre.

Manzelli explora zonas intersticiales, entendidas como espacios de tránsito y transformación. Estas áreas ambiguas no se presentan como indefinición, sino como potencia: lugares donde las categorías se disuelven y permiten la emergencia de configuraciones híbridas, casi alquímicas, que reprograman la mirada.

La geometría, lejos de operar como sistema normativo, aparece tensionada y desestabilizada. Sus construcciones precarias articulan un cruce entre intuición y razón, juego e ingeniería, evocando una gramática universal presente tanto en la naturaleza como en el pensamiento simbólico. Así, las obras de Manzelli no representan el mundo, sino que lo transfiguran, activando preguntas más que respuestas cerradas.

Avícola. Escultura magnética. Madera, imanes, laca automotriz y acero. 45 x 25 cm. 2022.

La ciencia y sus métodos inspiran tu proceso. ¿Qué tipo de paralelismos encuentras entre el pensamiento científico y la creación artística?

La ciencia y el arte son dos disciplinas que creo tienen mucho en común y sin duda están muy interrelacionadas. A mí me interesa ese cruce y a pesar de que muchas veces se ponen en lugares opuestos, creo que comparten y tienen un mismo origen. En ambos está esa búsqueda continua, esa necesidad de respuestas que viene desde la curiosidad, no tanto desde la certeza y que a veces, o en muchos casos, tanto a los artistas como a los científicos, los lleva a ponerse en lugares incómodos e inciertos y a salirse de su zona de confort. Creo que eso es algo en común y muy interesante de estas dos disciplinas que de alguna forma son las que nos definen como humanos.

En ese sentido, ambas comparten la experimentación como eje de su práctica. La prueba, el error, los ensayos y todo este proceso son los que van generando el desarrollo. En mi caso, esto se aplica al taller: lo vivo como un laboratorio donde se desarrollan distintos proyectos, donde voy testeando materiales. Es como si uno genera una hipótesis y luego la pusiera a prueba: los materiales, los procedimientos, las formas, los colores, y se obtienen resultados. Resultados que no buscan ser verificados, sino que en el arte tienen, creo yo, la función de generar nuevos modos de percepción, nuevas miradas y experiencias.

Receptor Lunar #01. Ensamble de Madera Reciclada torneada. 102 x 26 x 26 cm. De la serie Fuerza orgánica. 2023.

Trabajas desde los intersticios entre lo natural y lo artificial, lo figurativo y lo abstracto. ¿Qué te interesa de esas zonas ambiguas y qué tipo de conocimiento emergen de ellas?

Siempre fui bastante inquieto y eso me llevó a meterme y sumergirme en distintos ámbitos, distintas disciplinas. Creo que hay una riqueza especial en los lugares intersticiales, en el ida y vuelta, en la circulación entre medios. Siempre me llamaron la atención estos espacios, los lugares ambiguos, los lugares híbridos. Creo que hay algo de la lógica anfibia, los anfibios como entidades que llevan y traen información, que comparten, que atraviesan límites y membranas. Es algo, en mi caso, que está vinculado a lo que entiendo como libertad, sobre todo en un momento de encasillamiento, de etiquetas y donde el concepto de libertad ha sido totalmente transgiversado.

Y después, por otro lado, en el plano más metafísico, en la mezcla, en ese mix es donde aparece la energía viva de crear algo nuevo, que sin duda es como la base de lo humano. Entonces es como que “una cosa se hace cosa fuera del molde". Y es necesaria esa interacción para romper estructuras, armar otras, transmutarse; tiene algo como alquímico. Yo creo que el enemigo es la fijación. De alguna manera lo ambiguo es lo que permite reprogramar la mirada y generar nuevos puntos de vista.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

El movimiento, la repetición y la secuencia aparecen como estrategias visuales. ¿Qué papel cumple la serialidad en la generación de significado?

El movimiento, la repetición y la secuencia están muy presentes en mi trabajo. Yo tengo un largo background en el mundo de la animación y, de alguna forma, ese interés comienza a filtrarse en las demás disciplinas en las que me desempeño. Así, el movimiento aparece también en mi obra dentro de las artes visuales.

La serialidad es como una forma de pensar el tiempo y de introducir cierta narrativa y acción en la obra, al mismo tiempo que creo que condiciona la experiencia del espectador, lo invita a intentar descifrar cierta repetición como una especie de progresión. Me interesa, en particular, la narrativa más abstracta. En este tipo de narrativa, donde no hay figuración clara, la repetición empieza a marcar un pulso, un “beat” que señala el paso del tiempo. Lo interesante, creo, es que nos damos cuenta de que repetir no es exactamente duplicar, y que lo idéntico comienza a mutar a lo largo del tiempo, del ritmo o de su propia historia.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

Trabajas con sistemas geométricos y constructivos. ¿Qué papel cumple la geometría como lenguaje simbólico dentro de tu trabajo?

La geometría está presente en mi obra de múltiples formas y dimensiones, generando distintas dinámicas. Por lo general, suelo ponerla en crisis, en tensión. Si uno se adentra en mis obras, se da cuenta de que predominan construcciones en equilibrio impreciso e inestable; no busco lo simétrico ni lo exacto, sino una construcción dinámica que plantea una situación. No lo concibo como un sistema rígido.

Creo que ahí se establece un puente entre lo intuitivo y lo racional, entre lo lúdico -el juego- y la ingeniería, como esos cruces inesperados. Al mismo tiempo, la geometría funciona como un código, un lenguaje que nos conecta con una gramática universal presente en la naturaleza, en los fractales, y que sin duda remite al simbolismo. Es ahí donde se abre un portal interesante en el que la obra empieza a resignificar y a darse como un proceso de significación externo a sí misma, totalmente incierto. El resultado de mis obras no son piezas que representan; más bien, creo que son piezas que transfiguran y que, de alguna manera, generan preguntas.

WIP. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de contrucción. 2022.

¿Hasta qué punto planificas tus obras y cuánto espacio dejas para que ocurra lo inesperado o, incluso, al error?

Con respecto a la planificación, es algo que depende bastante del proyecto y del día. Hay proyectos que, por su envergadura o complejidad, requieren planificación, sobre todo cuando involucran a otras personas que deben participar. Sin duda, en muchos casos la planificación es fundamental.

En los proyectos que suelo planificar, siempre me interesa dejar un espacio para la improvisación, donde pueda jugar un poco el azar o el devenir del propio proceso. Creo que ahí empiezan a surgir cosas interesantes, y es importante no dejarlas pasar. Personalmente, me aburriría mucho trabajar en obras cuyo resultado ya conozco de antemano. La realización de cada obra es, para mí, un viaje incierto; no sé hacia dónde me llevará, y creo que ahí reside el potencial y lo interesante, no solo para mí, sino también para la obra misma y la experiencia del espectador.