LAS RECIÉN LLEGADAS A ART MADRID

En el Programa General de Art Madrid’18 se estrenan 9 galerías: 5 españolas, de Madrid (aunque una de ellas con sede también en Nueva York), Bilbao y Valencia; y 4 extranjeras de Alemania, Portugal, Ucrania y México. Art Madrid cuida siempre la participación de galerías y artistas nacionales pero es el escenario perfecto para que haya cada vez más galerías extranjeras que confían en la feria.

Entre las recién llegadas españolas nos encontramos con Fucking Art (Madrid), espacio alternativo creado en 2015, y dirigido y gestionado por un grupo de artistas, aportando la perspectiva del creador a la experiencia galerística. Fucking Art presenta en la feria obras de: Atauri, Isabel Alonso Vega, Carlos Regueira y Alfonso Zubiaga, artistas cuyas obras dejan un rastro inconfundible de reflexión, búsqueda e innovación ya sea a través de la pintura, la fotografía, la escultura y el arte objetual.

M. Ángeles Atauri

Rara avis ovillos, 2017

Técnica mixta

60 x 60cm

M. Ángeles Atauri

Rara avis pajaritas, 2017

Técnica mixta

100 x 100cm

Mª Ángeles Atauri es diseñadora gráfica en el estudio La Nave Gráfica donde desarrolla su actividad para diferentes proyectos y también, desde 2010, donde lleva a cabo su producción artística, una suerte de objetos poéticos basados en ideas sencillas e íntimas, en sentimientos universales con los que todos nos identificamos.

Isabel Alonso Vega es una de las fundadoras de URGEL3, un espacio alternativo en el que se trabaja, expone y difunde el arte fuera de las redes convencionales, desde el primer proceso creativo hasta el estado final del mismo. Sus obras, cápsulas de metacrilato en las que parece haber atrapado nubes, potencias y genios, son entre conceptuales y escultóricas y hablan de lo intangible, de aquello que está pero apenas puede ser visto y mucho menos encerrado. Por su parte, Alfonso Zubiaga, economista de formación y artista por vocación, y Carlos Regueira, que también es creativo y director de arte en reconocidas agencias de publicidad, plantean nuevas maneras de hacer y ver fotografía. Si Zubiaga juega con imágenes que se deconstruyen para ser reconstruidas en narraciones visuales con nuevos significados de la misma realidad; Regueira produce una pintura expandida al campo de la foto, un híbrido entre ambas técnicas.

Reinhard Gorner, “Altenburg Abbey Gallery”, fotografía, 2017.

La Galería Soraya Cartategui (Madrid-Nueva York), dirigida por Soraya Cartategui y Bárbara Cartategui, abrió su primera sede en el barrio de Chelsea, Nueva York, en 1994, especializada en arte conceptual y performances de artistas emergentes. Tras cuatro emocionantes años trabajando con los nuevos talentos en la gran manzana, se estableció en Madrid para dedicarse a su especialidad: el arte holandés y flamenco del siglo XVI y XVII, siendo pionera en la introducción del Siglo de Oro holandés en el mercado español y convirtiéndose así en referente para muchos coleccionistas. Esta visión tan amplia del arte ha hecho que sus comisariados se basen en el concepto del “cross-collecting”, el cruce de obras de todos los medios y épocas hasta crear un diálogo personal e íntimo entre obras y objetos. Para su primera participación en Art Madrid’18 han elegido obra de Juan Genovés, Reinhard Gorner e Isabelita Valdecasas. Valdecasas, pintora sevillana, ha experimentado con todas las técnicas, exprimiendo las posibilidades artísticas de lo gradual, comenzó con obras pequeñas, cosas dispares, sin ningún orden concreto ni hilo conductor; experimentó con óleo, acuarela, bolígrafos, pastel… hasta evolucionar en una abstracción matérica en cuyas obras la artista utiliza elementos encontrados en la naturaleza cercana como musgo, arena, tierra o posos de té para crear mundos surreales.

Una propuesta muy diferente a la del fotógrafo alemán Reinhard Görner, cuyas imágenes de arquitecturas y habitaciones monumentales transmiten al mismo tiempo intimidad, profundidad y misterio. Görner comenzó a interesarse por la fotografía de arquitectura en 1982 y, con su cámara de gran formato, desde 2008 ha fotografiado más de 50 bibliotecas de todo el mundo como la Trinity College de Dublín, la Librería Lello de Oporto o la biblioteca pública de Stuttgart, entre otras. Su obra ha estado presente en numerosas exposiciones individuales y colectivas de París, Londres y Berlín.

Cristina Iturrioz

Instalación "Colors" (detalle), 2018

Acrílico, digital y metacrilato

50 x 50cm

Cristina Iturrioz

Instalación "Colors" (detalle), 2018

Acrílico, digital y metacrilato

50 x 50cm

En Madrid también se encuentra Mercedes Roldán Art Gallery (Madrid), una galería que se implica con sus artistas desde todos los puntos de vista, les asesora para dirigir su trayectoria, les proporciona asistencia y servicios de marketing. Su implicación con los artistas emergentes es visible en la selección que ha hecho para Art Madrid’18, en la que cuenta con: Irene Cruz, fotógrafa y vídeo-artista, una de las creadoras jóvenes con más proyección y de la que ya hemos hablado en esta sección de noticias; el fotógrafo y cineasta Alexander Barrios, formado en fotografía documental y en cuya obra busca la simplicidad y lo genuino de la naturaleza, la arquitectura, las formas… y la pintora Cristina Iturrioz, fundamentalmente autodidacta y cuyo trabajo se caracteriza por la manipulación e investigación con los materiales y los colores para lograr texturas. Sus comienzos artísticos se orientaron hacia el dibujo, el diseño gráfico y la pintura figurativa, con la naturaleza como motivo, con la realidad como modelo para evolucionar a una personal abstracción que plasma en múltiples formatos, pintura, fotografía, escultura.

Miquel Navarro

Edificio con asas, 2014

Hierro colado

99 x 27cm

De Valencia se incorpora a la feria la galería Shiras, dirigida por Sara Joudi y localizada en pleno centro histórico de la ciudad de Valencia. Shiras Galería nace para ofrecer en la ciudad una propuesta intergeneracional de arte nacional de gran calibre, cuyo discurso se complementa con la voz de artistas emergentes de vanguardia, siempre teniendo en cuenta tanto la calidad artística de los proyectos como sus lenguajes plásticos. El pilar fundamental de su programación es apostar por proyectos de pintura, escultura, dibujo e instalación, siendo una ventana actual hacia las tendencias contemporáneas más vanguardistas. En la feria Art Madrid participan con Javier Chapa, Miquel Navarro, José Saborit y Horacio Silva.

Entre ellos nos gustaría destacar la obra de Miquel Navarro, uno de los destacados representantes de lo que se conoce como Nueva Escultura Española aunque comenzó su carrera como pintor y desde 1972 se dedica exclusivamente a la escultura. Incansable, universal y en constante evolución, la idea de belleza para Miquel Navarro está estrechamente ligada a su idea de los clásicos, fundamento y punto de referencia de las vanguardias de principios de siglo. En 1986 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas y el Premio Nacional de la Asociación de Críticos de Arte ARCO 95, entre otros. Así mismo, es declarado Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Juanma Reyes

Escalera, 2015

Bobínas, hilos y presillas

126 x 42cm

De un salto vamos al norte, a Bilbao, de donde viene MH Art Gallery (Bilbao). Este espacio quiere presentar a su ciudad y al País Vasco con una selección de artistas de prestigio internacional que permita complementar la actual oferta cultural y artística que ya tiene Bilbao, ciudad referente en Europa por su apuesta por el arte y el diseño/arquitectura. En su programa incluyen artistas vascos “emergentes” jóvenes y con talento creativo, a los que proyectan en espacios artísticos fuera de Euskadi. Su estreno en Art Madrid lo hacen con una potente propuesta internacional que cuenta con los delicados dibujos a tinta y pigmentos de la coreana Joo Eun Bae; las técnicas mixtas que mezclan las culturas oriental y árabe del artista marroquí Khalid El Bekay; los collages y transfers urbanos, caóticos del cántabro Martín Carral; y la obra inclasificable del malagueño Juanma Reyes, una elocuente forma de plasmar la delgada línea entre lo vivo y lo muerto, entre el deshecho y el arte, entre la ternura (sus obras son lanosas, blandas, mullidas… ) y la brutalidad (...y a la vez son punzantes, filosas, desmembradas). Sus objetos, estructuras que bien podrían ser dibujos esculpidos, son objets-trouveés ensamblados por Reyes para hablar de las múltiples formas del arte.

Entre las novedades de Art Madrid contamos también con 4 galerías extranjeras: la alemana Robert Drees de Hannover, Paulo Nunes Arte Contemporânea de Vila Franca de Xira, Portugal, la galería ucraniana Nebo Art Gallery (Kyiv) y la galería Carbo/Alterna, con sedes en Cancún, México y La Habana, Cuba. De todas ellas hablaremos en próximas noticias y destacaremos a algunos de sus artistas más representativos.

Dentro de la exposición “Iconos del Arte Urbano”, nos acercamos hoy a la obra de Faile, Perishable Rush, Mr Brainwash y Okuda San miguel. Estos artistas ofrecen una particular visión de los referentes de nuestro entorno, al construir obras multidisciplinares que se alimentan de diferentes estilos y estéticas. Un ejemplo de la capacidad de fusión de este lenguaje artístico que pone en común color, Pop Art y graffiti.

FAILE

La fonética del propio nombre “FAIL” (fracaso, en inglés) no debe llevarnos a ideas equivocadas sobre el impulso que mueve a la pareja de artistas que se esconden tras este seudónimo: Patrick McNeil y Patrick Miller. Ambos afincados en Brooklyn, su trabajo colaborativo se caracteriza por la apropiación de elementos icónicos de nuestra sociedad y su reinterpretación multidisciplinar, usando técnicas que beben del collage, la estética del cómic y la paleta de colores de finales de los 80. En su trabajo, no obstante, se aprecia una clara evolución hacia proyectos más ambiciosos conectados con el espacio urbano. Han trabajado propuestas más plásticas, arriesgando con la elección de los soportes (obras sobre madera, cajas de embalajes, palés de construcción…), así como materiales más adaptados a la demanda del mercado, en los que poner en práctica su pericia como maestros del printing y el trabajo con tinta.

Estos rasgos característicos resultan evidentes en obras como “NYC You and Me” o “Subway tags”, donde la presencia del cómic como referencia estética es muy intensa. Su trabajo de dibujantes e impresores nutre gran parte de su producción, donde no suelen faltar los mensajes escritos y las autoreferencias. De hecho, gran parte del significado de sus propuestas se concentra en los textos y frases incorporados a las obras. Así sucedió en algunas de sus intervenciones más recientes como “Temple” en Lisboa, donde se invadió una antigua iglesia en ruinas con máximas de denuncia social, y en otros trabajos públicos por encargo que vinieron a continuación, como “The Wolf Within” en Ulaanbaatar (Mongolia) o “Les Ballets”, en el Lincoln Center de Nueva York. En los último cinco años han realizado numerosas exposiciones en galerías, con formatos de obra adaptados a otras dimensiones, mientras reservaban las grandes instalaciones para el espacio público.

Faile

Palette Going bach to Dallas, 2014

Acrílico y tinta sobre madera y marco de acero

51 x 30cm

Faile

Palette NYC You and Me, 2014

Acrílico y tinta sobre madera y marco de acero

51 x 30cm

Faile

Palette Subway tags, 2014

Acrílico y tinta sobre madera y marco de acero

25.5 x 30cm

PERISHABLE RUSH

Las temáticas más recurrentes en la obra de Perishable Rush (Prisa Perecedera) tienen que ver con la banalidad, la agresión, la guerra, el anonimato, el comercio y la vulgaridad de los medios de comunicación actuales. Rush utiliza en sus collages imágenes de cómics, fotografía, anuncios y lemas, que transforma para generar nuevas imágenes y significados, representando así su propia realidad.

La obra del artista urbano holandés está compuesta fundamentalmente por dos tipologías conceptuales: “Las Máscaras de Esquí con Camuflaje Urbano”, piezas que construye a partir de trozos de papel que el artista encuentra en las calles de Ámsterdam y que mezcla con serigrafías, revistas y cómics. En la silueta de una máscara de esquí estos fragmentos se pegan formando un estampado de camuflaje urbano. Las máscaras de esquí simbolizan las luchas actuales alrededor del mundo, y en sus retratos, Perishable Rush representa, de forma simplificada a través de líneas y sobre un fondo compuesto por serigrafías rasgadas bruscamente, héroes personales y personajes famosos del mundo del arte, la música y el cine.

Perishable Rush

Broken Star, 2016

Técnica mixta

118.5 x 84.5cm

Perishable Rush

Miss Barcelona, 2016

Técnica mixta

175 x 175cm

Perishable Rush

Rusty Girl, 2015

Técnica mixta

59.5 x 42.5cm

MR BRAINWASH

Thierry Guetta, artista que se esconde tras el pseudónimo Mr Brainwash, debe en gran medida su fama a otro de los grandes del arte urbano, Banksy. Tras haber protagonizado el falso documental “Exit Through the Gift Shop”, un largometraje dirigido por el artista británico que narra una visión muy personalista de la evolución del Pop Art y el arte callejero en la esfera contemporánea, Thierry dio el salto al mundo de la creación. Esta colaboración fue el inicio de un intenso proyecto creativo con el que Mr Brainwash, una suerte de spin off de este documental, nació como artista.

Su obra aglutina multitud de referentes de nuestra sociedad de consumo, particularmente conocidos en el mercado norteamericano, con los que reinterpreta algunos de los grandes estilos artísticos de las últimas décadas del siglo XX. Una revisión actualizada del Pop Art más clásico fusionado con la pintura mural en su vertiente más expresionista. Los iconos inconfundibles que un día hicieron historia con las transgresoras propuestas de Warhol, así en piezas como “Diamond Girl Gold” o “Tomato Spray”, conviven con obras en las que se rinde homenaje a los propios artistas que le sirven de referencia, como en su piezas “Andy Warhol” o “Samo is Alive”. Una elaboración consciente del mito artístico, la metacreación de referentes, el arte dentro del arte sobre fondos del grafiti pollockesco más genuino propio de Basquiat.

Mr. Brainwash

Tomato Soup, 2017

Técnica mixta sobre cartón reciclado

102 x 60cm

Mr. Brainwash

Tomato Spray, 2016

Técnica mixta sobre papel

127 x 96cm

OKUDA SAN MIGUEL

La obra urbana del artista santanderino Okuda San Miguel, caracterizada principalmente por sus grafismo geométrico multicolor, plantea una reflexión sobre el existencialismo, el anticapitalismo, la destrucción medioambiental, la soledad y la falsa felicidad. En el lenguaje iconográfico de Okuda encontramos, además de símbolos, figuras sin cabeza, cuerpos grises, animales y cabezas gigantes. El arte pop, el cine, la moda, y la luz y el color de otras culturas, son fuente de inspiración tanto en sus intervenciones callejeras como en sus obras de estudio. Sus estructuras poliédricas (círculos, triángulos y rombos), presentes en obras como “Refugee 18 IV” o “Women of the World” combinadas con una fuerte policromía, hacen que la obra de Okuda pueda clasificarse dentro del surrealismo pop.

La producción multidisciplinar de Okuda que va desde el muro, el lienzo y la escultura hasta el bordado, invita al espectador a replantearse algunas cuestiones como la falsa libertad del capitalismo o el sentido de la vida. Su obra colorista ha traspasado fronteras y numerosas ciudades cuentan con murales, edificios y construcciones intervenidas firmadas por este maestro del spray, desde Estados Unidos, a Marruecos, Taiwán, Italia o Francia, sin mencionar su gran presencia a lo largo y ancho del territorio nacional.

Okuda San Miguel

Window Eye, 2018

Esmalte sintético sobre madera

40 x 40cm

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