VISIONES ACTUALES DE LA CULTURA POP

Galerías Hispánica Contemporánea, Barrou Planquart, 3 punts y Norty

 

Es bien conocido que desde mediados del siglo XX, un gran conjunto de artistas británicos y norteamericanos respondieron a la gravedad y autoridad del expresionismo abstracto, tan aferrado al trauma de la II Guerra Mundial, con un tipo de arte totalmente opuesto: el Pop art. Lo mismo sucedió en el contexto nacional, pues las trascendentales fórmulas del informalismo cederían el paso a las más vitalistas expresiones de la figuración narrativa. Surgieron así nuevas iconografías y lenguajes procedentes de los medios de masas, la “cultura popular” y la pujante sociedad de consumo, particularmente figurativos y caracterizados por la intensidad del color.

Mel Bochner

Meaningless, 2015

Monotipo con collage, grabado y relieves sobre papel Twinrocker

131 x 119cm

Aunque más lúdicas y muchas veces solo centradas en la representación de una estética concreta, muchas de las obras pop también tuvieron una intención crítica y, quizá, este sea uno de los rasgos más definitorios de las corrientes continuadoras del Pop art. Desde el neo-pop de los ochenta hasta la más estricta actualidad, muchos artistas contemporáneos siguen ampliando ese camino abierto por Richard Hamilton, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Andy Warhol o Claes Oldenburg, entre otros muchos.

Paul Rousso

Four Flavor Crush, 2018

Técnica Mixta

89 x 107cm

Una excelente representación del Pop art actual se podrá encontrar en el espacio que tendrá en Art Madrid la Galería Hispánica Contemporánea (Madrid-Ciudad de México). Dentro de su amplia propuesta, destaca la participación de artistas norteamericanos o creadores afincados en Estados Unidos, muchos de ellos consolidados como Mel Bochner, de quien se expondrá una selección de sus famosos monotipos realizados a partir del collage, la estampación y el relieve, y en los que el artista continúa lanzando mensajes contundentes desde la rotundidad de la palabra, su tipografía y el contraste del color. También siguen siendo impresionantes las creaciones de Paul Rousso quien, a través de su personal técnica “Flat Depth” –basada en distintas manipulaciones y técnicas con las que objetos de dos dimensiones adquieren tridimensionalidad–, volverá a mostrar la sensualidad del desecho arrugado y sobredimensionado, la fuerza visual que puede existir en cualquier revista, billete o envoltorio despreciados.

Peter Anton

Splendor Variety, 2017

Técnica Mixta

90 x 90cm

Mr. Brainwash

Einstein, 2016

Técnica Mixta sobre metal

50 x 50cm

También se podrán saborear los inmensos dulces de Peter Anton o celebrar la vida con las últimas piezas del popular Mr.Brainwash (Thierry Guetta), cuyo entusiasta lema es “life is beautiful”. Alzado a la fama por su papel protagonista en el falso (o no) documental liderado por Banksy, “Exit through the gift shop” (2010), Guetta continúa sirviéndose de la apropiación, el graffiti y el personaje icono o “celebrity” para transmitir buenas vibraciones. Mucho más crítico y satírico resulta el trabajo de Fidia Falaschetti, artista que desmonta literalmente personajes y objetos populares para invitarnos a repensar nuestros hábitos de consumo, esos tan próximos a una especie de esquizofrenia naturalizada.

Hispánica también presentará piezas del gran Manolo Valdés, quien ya desde 1964, como miembro de El Equipo Crónica, destacaba por su vertiente del arte pop más crítica y lúdica, siempre especializada en los maestros de la pintura española. Asimismo, la galería presentará las misteriosas esculturas de Xavier Mascaró; las geométricas y vitalistas piezas de Rafael Barrios; o las magníficas obras de Hugo Fontela, realizadas desde una marcada personalidad y una sorprende sensibilidad.

François Bel

Adios Trump Break the wall, 2018

Vidrio acrílico

27 x 18cm

Muy pop y más urbana se presenta la selección de la galería dirigida por Virginie Barrou Planquart (Montlignon), muy interesada por difundir una “estética positiva”. De François Bel se podrán ver algunos de sus llamativos “Big Bangs”, ensoñaciones características de nuestra forma de vida más actual, tan individualista y materialista, congeladas en movimiento dentro de urnas de cristal sintético. Materiales industriales también destacan en los trabajos de Grégory Watin, creados desde una visión más urbana y gestual.

Stéphane Gautier

Follow your heart, 2018

Técnica mixta

80 x 80cm

Graffiti, fotografía y collage dominan las obras de Jo Di Bona, reconocido artista urbano que es presentado como un “fauvista de tiempos modernos”. Por último, la selección de Barrou Planquart se cierra con las piezas del diseñador Stéphane Gautier en las que se apropia de imaginarios y códigos infantiles para transmitir mensajes positivos mas no sin cierta reflexión en torno a las estrategias publicitarias.

Alejandro Monge

Suitcase, 2018

Fibra de vidrio, lápiz y papel

77 x 44cm

Nick Veasey

Easy Listener, 2018

Fotografia sobre DIASEC

150 x 119cm

En la amplia propuesta de la galería 3 punts (Barcelona) se descubrirá la variedad de lenguajes y técnicas que podrían vincularse con el Pop Art. Desde el revival del Neo-pop más ochentero protagonizado por personajes icónicos tras fondos coloridos, de Silvio Alino, a la iconografía multicolor tan característica de Okuda San Miguel, Artista Invitado de la pasada edición de Art Madrid. Cultura popular o vida cotidiana también protagonizan las sorprendentes piezas de Nick Veasey, pionero en la arriesgada creación a través de radiografías; al igual que las apropiaciones de objetos cotidianos realizadas por el artista Alejandro Monge, bien conocido en Art Madrid por sus provocadoras y críticas acumulaciones de billetes.

Gerard Mas

Call Center Lady, 2016

Alabastro policromado

48 x 38cm

Samuel Salcedo

Hey Mickey, 2018

Resina policromada

33 x 15cm

Un aire de arte urbano o pop, aunque no lo parezca a primera vista, tienen algunas de las esculturas realistas del virtuoso Gerard Mas: desde damas renacentistas convertidas en teleoperadoras, ratas o perros en pedestales hasta ovejas esquiladas de forma caprichosa para homenajear a Malevich. Otros dos maestros de la escultura son Samuel Salcedo, cuyas esculturas en resina impresionan tanto por su hiperrealismo como por su mensaje; y Kiko Miyares, artista también centrado en la representación, y deformación, de la figura humana a través de la madera. Y si continuamos hablando de dominio técnico, igualmente destaca en el campo pictórico Ramon Surinyac y sus bellos y precisos paisajes.

L'homme Jaune

Syria, 2017

Acrílico sobre lienzo

100 x 100cm

En la Galería Norty (Carrières-sur-Seine) la propuesta más pop llega de la mano de L’homme Jaune (Yasser Ameur) y sus sencillos pero transgresores diseños, como “Syria” (2017), “Ceci est une fontaine 2” (2017) o “Connected people” (2017). Especialmente inquietante resulta el resto de la selección, más relacionada con el “expresionismo bruto”. En su stand se presentarán las esculturas, perturbadoras y atrayentes, nacidas del imaginario de Pierre Sgamma; o las pinturas de Adlane Samet, quien se define como un “pintor del instante”. Próximo al Art Brut, el trabajo de Samet impacta por igual tanto por su lenguaje tan expresivo y personal, como por sus narraciones, oscuras y fúnebres en su mayoría.

Rusudan Khizanishvili

Conversion Device II, 2017

Acrílico sobre lienzo

150 x 150cm

Cierto desasosiego también transmite la obra de Jean-Pierre Ruel, protagonizada por personajes solitarios y misteriosos enmarcados en sombríos escenarios. La selección de Norty se cierra con el contraste del colorido de las pinturas de Rusudan Khizanishvili, autora de composiciones más cercanas a la abstracción en las que sin embargo nunca se olvida el referente figurativo. El uso inteligente del color dota a las formas superpuestas de una gran carga emotiva y enigmática, potenciando el ideario complejo y fantástico de la artista.

En definitiva, un conjunto de obras singular, piezas muy diferentes en sus modos de expresión pero en las que, de una forma u otra, se renuevan y amplían los límites del arte contemporáneo.

 

Con sus 12 años de trayectoria, PROYECTOR se ha consolidado como un festival de referencia en nuestro país dedicado por completo a la videocreación, una disciplica que sigue ganando adeptos y que atrae a muchos creadores contemporáneos dentro y fuera de nuestras fronteras. El vídeo es, en efecto, uno de los soportes de expresión más difundido en nuestros días. El poder de la imagen en movimiento es innegable y el público demanda nuevos lenguajes artísticos que estén en sintonía con sus hábitos de consumo cultural. El arte contemporáneo se ha rendido a los atractivos de esta técnica, compleja y dinámica, si bien sigue luchando por hacerse un hueco entre las disciplinas tradicionales en los circuitos expositivos más consolidados. Por esta razón nació PROYECTOR, para dar voz a tantos autores que han encontrado en el videoarte en canal idóneo para dar cabida a sus proyectos creativos.

PROYECTOR aspira a ofrecer una visión real del tejido cultural internacional y de las más recientes tendencias contemporáneas en torno a esta especialidad, con un ambicioso programa de actividades que se distribuye en distintos puntos de la capital. Desde el año de su lanzamiento, esta iniciativa ha querido darse a conocer también en el extranjero, y cada año la participación de autores internacionales va en aumento. Desde Japón a Argentina, pasando por Israel, Austria, Brasil o Estados Unidos, por citar solo algunos de ellos, la representación de creadores foráneos da cuenta del enorme interés que existe en la esfera de la producción contemporánea sobre esta diciplina, que se convierte así en vehículo formal de un lenguaje expresivo compartido a nivel mundial.





La próxima edición tendrá lugar del 11 al 22 de septiembre de 2019 en una apretada agenda de eventos que reunirá a más de 50 artistas en 14 sedes diferentes de Madrid. Como cada año, la programación estará compartida por los artistas invitados juntos con los seleccionados en la convocatoria de proyectos abierta hace unos meses y en la que participaron más de 400 artistas de cerca de 20 países. El resultado es un rico panorama de la videocreación más actual que abre sus puertas a todo el mundo, en la senda trazada por PROYECTOR desde sus comienzos: la de acercar el arte al gran público y poner atención a su carácter experimental y comprometido en torno al que se construyen actualmente los discursos artísticos más críticos y reflexivos.

Març Rabal, “Les eines i els dies” (fotograma)

Además de las habituales charlas, ciclos de proyecciones y talleres, la 12ª edición de PROYECTOR albergará además varios proyectos site specific creados ad hoc para el festival gracias al programa de residencias artísticas realizados en colaboración con Conde Duque, El Instante Fundación, Medialab Prado y Extensión AVAM. Otra novedad es la participación de la Colección INELCOM, que abrirá sus puertas para dar a conocer sus impresionantes fondos dedicados a la videocreación y el arte tecnológico, así como los “apadrinamientos” donde reconocidos profesionales internacionales realizarán un comisariado para articular las propuestas artísticas venidas de Europa y Asia. Asimismo, destaca el premio la coleccionista Teresa Sapey entregará a Març Rabal, cuya obre de videoinstalación podrá verse durante el festival.

Julieta Caputo y Ariel Uzal, “Un derrumble posible” (fotograma)

Son muchas las novedades que promete PROYECTOR 2019. Esperamos con ansia la llegada de esta cita imprescindible que durante 12 días ocupará espacios principales de la ciudad como son CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Colección INELCOM, Conde Duque, Cruce, El Instante Fundación, Extensión AVAM, Instituto Cervantes, Medialab Prado, Quinta del Sordo, Sala Alcalá 31, Sala Equis, Sala El Águila, Secuencia de Inútiles y en Plaza Pública.