Selección realizada por Natalia Alonso Arduengo Comisaria invitada de Art Madrid 2022

Art Madrid apuesta por el arte joven y buena prueba de ello es el dossier que aquí presentamos y en el que se recopilan 10 nombres de artistas nacidos en las décadas de los 80 y los 90 del pasado siglo. Una selección paritaria de creadores procedentes de países como España, Portugal, Rusia, Cuba, Venezuela. En él podemos encontrar pintura, escultura, arte textil... Muchas disciplinas y estilos distintos (figuración, abstracción geométrica, realismo, herencia del graffiti...) pero con algo en común: la frescura de los inicios de unas carreras en plena efervescencia, no mediatizadas todavía por el mercado del arte y que crean desde absolutos parámetros de libertad. Estos artistas integrarán la próxima generación y llegarán a consolidarse. Ponerlos en el foco es una buena opción para aquel coleccionista que busque descubrir nuevas promesas.

ALBERT BONET (INÉDITAD) Riba-roja d'Ebre (Tarragona), 1996

Ganador del Premio Internacional de Pintura en la categoría de Realismo en la última edición del FIABCN (Feria Internacional de Arte de Barcelona), la obra de Albert Bonet se caracteriza por una ácida crítica social inspirada en su entorno más cercano. A través de esta interpretación del mundo que le rodea, este joven artista muestra una madurez tanto conceptual como técnica, la cual interfiere en su trabajo jugando con temáticas POP y con un marcado estilo realista. Artísticamente se ha formado en la Barcelona Academy of Art. Ha sido seleccionado en el Concurso de Arte Joven ''Fresh Art'' de DKV, donde se le premió con una mención de honor en la Universidad Politécnica de Valencia (2015). Este prometedor artista tiene en su haber dos exposiciones individuales, la última el pasado mes de noviembre en la Galería Mutuo de Barcelona. Expone ahora por primera vez en Art Madrid de la mano de Inéditad Galería (Barcelona).

Albert Bonet

La ventana oscura, 2020

Óleo sobre tela

162 x 130cm

CAROLINA SERRANO (GALERIE ALEX SERRA) Funchal (Portugal), 1994

Carolina Serrano (Portugal, 1994) vive y trabaja entre Colonia y Lisboa. La obra e investigación de Serrano gira en torno a la dimensión temporal de la escultura. El pensamiento escultórico de la artista colapsa, de forma recurrente, con las nociones de luz y sombra; con las ideas de destrucción y apariencia; y con la dualidad entre interior y exterior y entre espacio lleno y vacío. A Serrano le interesa el concepto de "lugar" restringido, inaccesible y, por tanto, desconocido, y la incertidumbre de su extensión. En los últimos años Carolina Serrano trabaja casi exclusivamente con parafina por sus posibilidades plásticas, como es el reflejo de la luz, pero sobre todo por las posibilidades teóricas y conceptuales que este material puede originar en el campo de la imaginación del observador. A Serrano también le interesa la idea de una potencial transmutación y transubstanciación espiritual del objeto escultórico.

Carolina Serrano

Gume, 2021

Parafina

48 x 16cm

COSTA GORELOV (DR.ROBOT GALLERY) Moscú (Rusia), 1993

Costa Gorelov nació en Moscú en 1993 y sigue viviendo y trabajando en Moscú. Estudió en el Instituto de Televisión y Radiodifusión de Moscú, donde se graduó en Dirección de Cine. En su obra, Costa explora los estados emocionales y psicológicos de las personas, a menudo representándolos a través de las interacciones de una figura con diferentes espacios, objetos y artículos de moda. La moda, en particular, es primordial para su autoexpresión. También es un símbolo que une épocas, tiempos y tradiciones. Gorelov creció en la tradición del Renacimiento del norte de Alemania. La música, la literatura, la pintura, la cultura y la lengua alemanas han influido mucho en él y han desempeñado un papel fundamental en la formación de su estilo. Los principios básicos que utiliza al crear sus cuadros son los del Barroco, el Renacimiento y el diseño de interiores. La arquitectura desempeña un papel primordial en su arte, en particular su base en la piedra y la proporción áurea. Gorelov se esfuerza por incorporar elementos de la arquitectura gótica y barroca a la vida cotidiana de sus personajes a través de bolsos y accesorios que llevan el ADN de esta herencia arquitectónica. Quiere mostrar que, a pesar de los cambios en las tendencias y las distintas épocas, lo fundamental es inamovible e inmutable.

Costa Gorel

DeadLine, 2021

Oleo sobre lienzo (díptico)

240 x 260cm

ELENA GUAL (ARENA MARTÍNEZ PROJECTS) Mallorca, 1994

Elena Gual posee una técnica marcada y reconocible inspirada en la imagen de la mujer interracial pese a seguir abriendo nuevas líneas de trabajo e incursionando incluso en la abstracción. Su obra se caracteriza por el uso de la espátula y su conocimiento de las técnicas de los pintores renacentistas y de la escultura clásica. Todo ello, gracias a los tres años de formación en la academia de arte de Florencia. Posteriormente se trasladó nuevamente a Londres, donde vivió desde los 16 años para continuar su formación en el Royal Collage of art y en Central Saint Martins. Ha expuesto en Mónaco, Paris, Venecia y Londres. De vuelta a España, Arena Martínez projects presenta su trabajo por primera vez en su país en la feria Estampa 2021, con ocasión de la feria Art Madrid se podrá ver su obra por segunda vez en España.

Elena Gual

Calma, 2021

Óleo sobre lienzo

40 x 40cm

FRANCISCO MAYOR MAESTRE (AURORA VIGIL-ESCALERA) Madrid, 1990

La infancia y adolescencia de Francisco Mayor Maestre en Rivas-Vaciamadrid estuvo marcada por viajes diarios a la capital en los que observaba los cambios en el paisaje y los idénticos edificios grises en los márgenes de la ciudad. El contraste entre esas indiferentes arquitecturas obreras y los pequeños toques de color y de personalidad que se pueden entrever como manifestaciones de la gente que vive dentro, le llevan a dedicar su producción a la transformación de estas frías fachadas. Sus óleos inundan el conjunto de color, de vegetación desmesurada, de planos imposibles que rompen la figuración de la obra. Destaca cortinas, toldos, coladas, aparatos de aire acondicionado… en una investigación entorno a la libertad de la pintura, la exploración de los espacios y la reivindicación de la individualidad.

Francisco Mayor Maestre

Todo lo que me gusta engorda, 2022

Oleo sobre tabla

190 x 150cm

GABRIEL RAÚL CISNEROS (COLLAGE HABANA) Las Tunas (Cuba), 1990

Graduado de Nivel Medio en Artes Visuales (2009) en su provincia natal y del Instituto Superior de Arte de La Habana (2015), donde también fungió como profesor de escultura. Le interesa siempre el rejuego, lo aparentemente irreal o incierto, aquello que en su ambigüedad no podemos asumir como verdadero y tampoco como falso. Por ello encubre desde la naturaleza del material usado - resina mezclada con yeso para simular una superficie pétrea, marmórea- hasta las propias palabras. Todo lo cual explica el gesto sarcástico, inquisitivo, provocador de su representación escultórica. Es discípulo del también escultor cubano, José Villa Soberón, desde hace más de un lustro, con quien ha realizado un número considerable de esculturas conmemorativas. Ha participado en disímiles exposiciones colectivas y personales, en Cuba y el extranjero. Su obra se ha coleccionado en Panamá, México, Estados Unidos y Líbano. Obtuvo el Segundo Premio en Post-it 6, concurso de arte cubano para artistas emergentes. Reside y trabaja en La Habana.

Gabriel Raúl Cisneros

Sin razón, sin aliento y sin nada. Happening, 2015

Resina. Dimensiones variables.

100 x 70cm

ISABELA PUGA (GALERÍA BAT ALBERTO CORNEJO) Caracas, 1997

Isabela Puga vive y trabaja en Madrid. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona con mención honorífica en el Trabajo de Fin de Grado: Grietas en el espacio; arranca su proceso de investigación pictórica a través del material y su percepción. El color negro y el pan de oro se establecen como los materiales principales y reconocibles de su obra. Posteriormente se traslada a Madrid, donde cursa el máster en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas y continúa el desarrollo de su trabajo artístico. Durante esta última etapa aumenta su interés por la arquitectura y el urbanismo, siendo ambas disciplinas parte importante de su proceso creativo y adoptando un estilo geométrico. A partir de opuestos: el brillo del oro y la oscuridad del negro, la artista cuestiona e investiga en sus obras elementos básicos como la profundidad, color, luz y espacio, siendo su intención fomentar la relación entre sujeto-objeto-espacio. Es decir, la obra requiere necesariamente de un espectador que la observe y explore sus perspectivas y superposiciones de planos retomando un lenguaje más elemental/minimalista. Así pues, las piezas de Isabela Puga resultan en una obra analítica y “presentativa”, donde se plantean simultáneamente los conceptos de espacialidad y contemplación.

Isabela Puga

M_CB_01, 2022

Técnica mixta y oro de 22 kt sobre madera

180 x 180cm

ISABELLA DESPUJOLS (JACKIE SHOR ARTE) Varquisemeto (Venezuela), 1994

Artista visual enfocada en el arte textil, específicamente en bordado manual. Se graduó de Bachelor in Fine Arts en la Universidad Internacional de Arte y Diseño de Miami, Estados Unidos (2014) y como Licenciada en Historia del Arte en la Universidad de Palermo, Buenos Aires, Argentina (2020). Ha participado en diferentes exposiciones colectivas como: “Juried Show” en Curator’s Voice Art Projetcs Gallery, Miami, EUA (2014); “Muestra de Arte Joven” en el Espacio Cabrera, Buenos Aires, Argentina (2017); “1er Salón de Pintura con Intervención textil” en el Centro Argentino de Arte Textil, Buenos Aires, Argentina (2018) ; trabajó en una instalación artística textil en Casa FOA, Buenos Aires, Argentina (2019); participó en la muestra colectiva “Artistas da galeria” na galería Periscópios Arte contemporânea, Belo Horizonte, Brasil (2020) y en la feria SP-Arte junto con Jackie Shor Project (2020). Entre sus exposiciones individuales se encuentran “Formas múltiplas de continuidade no espaço “ en la galería Periscopio Arte Contemporánea en Belo Horizonte , Brasil (2021) y “Geometria Bordada” en el espacio Garaje Lola, Madrid, España (2021). Su obra actualmente forma parte de la colección del Museo Instituto Inhotim (2021).

Isabella Despujols

34, 2020

Lienzo bordado

80 x 120cm

LARA PADILLA (3 PUNTS GALERIA) Madrid, 1988

La obra de Sra. D, a.k.a Lara Padilla, abarca disciplinas como la pintura, la escultura, la danza, la performance y el diseño de moda. Sus piezas, mayormente figurativas, dirigen la atención al poder de la representación femenina a través de la deformación del cuerpo y el uso del color y las texturas. Una reivindicación de género exhibida a través de grandes manos como instrumentos poderosos de batalla o pies pesados, imagen de la perseverancia de la mujer en su lucha. Sra D. entiende el arte, no como una vitrina silenciosa, sino como un camino de acción e intervención política. Su estética es una oda a la diversidad, retratando todo tipo de cuerpos en pos de promover una mirada de igualdad y autenticidad.

Lara Padilla

Rainbow tangle, 2021

Técnica mixta sobre lienzo

170 x 170cm

VOVA PERKIN (DR.ROBOT GALLERY) Moscú (Rusia), 1995

El mundo que crea el artista está lleno de colores brillantes, positivos y contrastados. Todas sus obras están conectadas, con lugares y personajes que pasan de una obra a otra. Sus tramas se desarrollan como historias que cuentan el antiguo y maravilloso mundo de Ugar. Vova Perkin es el fundador del movimiento llamado Perkinismo, líder del grupo de artistas Nasha Utopia (Nuestra Utopía), y fundador de la Perkinnale de Arte Contemporáneo. Su desarrollo como artista se formó a través de una importante experiencia en el arte del grafiti.

Vova Perkin

Don House Relaxed, 2018

Acrílico sobre lienzo

200 x 250cm

El arte contemporáneo ha dejado de ser un territorio exclusivo de élites para convertirse en un espacio cada vez más democrático y accesible. En el contexto de ferias como Art Madrid, que este año reúne a más de 200 artistas de cinco continentes, emerge una nueva generación de coleccionistas que desafía los códigos tradicionales del mercado del arte. Pero ¿cómo dar el salto de admirador a coleccionista? ¿Qué necesitas saber antes de adquirir tu primera obra?

La imagen del coleccionista de arte ha estado históricamente asociada a grandes fortunas, subastas millonarias y obras maestras inaccesibles. Sin embargo, esta percepción está cambiando radicalmente. El mercado del arte contemporáneo ofrece hoy una diversidad de propuestas que se adaptan a prácticamente cualquier presupuesto, desde obras de artistas emergentes hasta ediciones limitadas de creadores consagrados.

En Art Madrid, por ejemplo, conviven galerías que presentan desde jóvenes talentos hasta artistas con trayectorias consolidadas. Esta diversidad permite que un primer comprador pueda encontrar obras que le resulten de interés sin necesidad de disponer de un capital ilimitado. Lo importante no es cuánto inviertes, sino por qué lo haces y cómo esa obra dialoga con tu vida, tu espacio y tus inquietudes.

La experiencia en el ámbito del arte demuestra que una colección no se define únicamente por el valor monetario de las obras que la componen, sino por la coherencia y la fuerza del discurso que éstas construyen en conjunto. Entenderlo así libera al coleccionista que comienza de la presión por acertar desde una lógica de inversión, y lo invita a guiarse por su propio criterio estético y por la conexión emocional que establece con las piezas.

CÓMO EMPEZAR UNA COLECCIÓN

Define tu orientación: pasión versus inversión

Antes de adquirir tu primera obra, es fundamental preguntarte qué buscas en el coleccionismo. Existen dos aproximaciones principales que, aunque pueden coexistir, marcan caminos diferentes: El coleccionismo por pasión, consideramos que es aquel que se guía por la conexión emocional, el placer estético y el deseo de vivir rodeado de obras que te interpelen. Este enfoque es más intuitivo, personal y, paradójicamente, suele resultar también más acertado en términos económicos a largo plazo, porque responde a convicciones genuinas.

El coleccionismo como inversión por su parte, entendemos que requiere un conocimiento más técnico del mercado, seguimiento de tendencias, comprensión de la trayectoria de artistas y galerías, y una visión estratégica. Aunque el arte ha demostrado ser una inversión alternativa interesante, especialmente en contextos de incertidumbre económica, requiere paciencia y tolerancia al riesgo.

La mayoría de coleccionistas exitosos combinan ambas dimensiones. Compran lo que les emociona, pero también desarrollan un ojo crítico para identificar propuestas con potencial de revalorización. Lo importante es no dejarse llevar únicamente por el oportunismo del mercado, porque el arte que no te conmueve, difícilmente mantendrá tu interés cuando las tendencias cambien.

EDÚCATE ANTES DE COMPRAR

El conocimiento es tu mejor herramienta. Antes de adquirir obras, dedica tiempo a:

Visitar exposiciones regularmente: No solo en galerías comerciales, sino también en museos, espacios independientes y centros de arte. Esto te ayudará a desarrollar tu propio criterio estético y a entender qué propuestas te resuenan realmente.

Investigar a los artistas: Investiga sobre su trayectoria, sus influencias, su proceso creativo. En la era digital, la mayoría de artistas tienen presencia en redes sociales donde comparten su trabajo diario, bocetos y reflexiones. Esta transparencia facilita una conexión más profunda con su práctica.

Conocer el mercado: Observa los precios en diferentes galerías, entiende qué factores influyen en esa valoración, entre ellos los más comunes suelen ser: la trayectoria del artista, la técnica y dimensiones de la obra; si la pieza que te interesa es una edición limitada o si es una pieza única, etc … y familiarízate con el funcionamiento de galerías y ferias de arte.

Conversar con galeristas: Los galeristas son tus aliados fundamentales. Su trabajo no consiste solo en vender, también en educar, conectar y construir relaciones duraderas. Un buen galerista te orientará hacia obras que se ajusten a tus intereses y te acompañará en el desarrollo de tu colección.

EVALUANDO UNA OBRA: MÁS ALLÁ DEL "ME GUSTA"

Cuando una obra captura tu atención, es importante ir más allá de la primera impresión y hacerte algunas preguntas clave:

Coherencia en la trayectoria del artista

¿Esta obra forma parte de una investigación sostenida o es un experimento aislado? Los artistas con propuestas coherentes en el tiempo suelen tener mayor proyección. Observa si hay una evolución lógica en su trabajo, si participan en exposiciones, certámenes, si reciben reconocimientos o becas, si están representados por galerías...

Esto no significa que debas rechazar el trabajo de artistas muy jóvenes o en fases experimentales. De hecho, algunos de los mayores aciertos del coleccionismo provienen de apostar tempranamente por talentos emergentes. Pero sí conviene que esa apuesta esté fundamentada en una intuición informada, no en la mera novedad.

Calidad técnica y conceptual

El arte contemporáneo ha expandido enormemente las fronteras de lo que consideramos "técnica", incorporando desde la instalación hasta el arte digital. Sin embargo, cada disciplina tiene sus propios estándares de excelencia. Una pintura debe demostrar dominio del color, la composición y la materia; una escultura, comprensión del espacio y los materiales; una fotografía, control de la luz y el encuadre; una obra conceptual, rigor en el desarrollo de la idea.

Más allá de la técnica, pregúntate: ¿qué está diciendo esta obra? ¿Aporta una mirada original sobre algo que me interesa? ¿Hay profundidad conceptual o es puramente decorativa? No hay respuestas absolutamente correctas a estas preguntas, pero plantearlas te ayudará a tomar decisiones más conscientes.

Adecuación al espacio

Una consideración práctica pero fundamental: ¿dónde vivirá esta obra? El arte necesita espacio para respirar, luz adecuada, un contexto que lo potencie. Una obra monumental puede resultar asfixiante en un apartamento pequeño, mientras que una pieza intimista puede perderse en un espacio amplio. Muchas galerías ofrecen servicios de visualización virtual o incluso préstamos temporales para que puedas probar la obra en tu espacio antes de comprometerte.

Aspectos prácticos del coleccionismo

Cuando adquieres una obra, debes recibir:

Certificado de autenticidad: Documento firmado por el artista y/o la galería que acredita la autoría de la pieza, sus dimensiones, técnica, año de creación y, en caso de ediciones, el número dentro de la tirada.

Factura: Además de ser obligatoria legalmente, es fundamental para acreditar la propiedad de la obra y su valor de adquisición, especialmente relevante para seguros y, eventualmente, reventa.

Información sobre conservación: Cada técnica y material requiere cuidados específicos. Pregunta cómo debe conservarse la obra respecto a condiciones de luz, humedad, temperatura y si necesita mantenimiento periódico.

Aunque tu colección esté comenzando, es recomendable contratar un seguro específico para obras de arte. La mayoría de seguros de hogar no cubren adecuadamente este tipo de bienes. Existen pólizas especializadas que protegen contra robo, daños accidentales, incendio y otros siniestros, con primas razonables para colecciones modestas.

Además del seguro, considera aspectos básicos de conservación: Evita colgar obras en zonas de humedad excesiva, luz solar directa o cambios bruscos de temperatura. Para obras en papel - fotografías, grabados, dibujos-, el enmarcado con cristal anti-UV y paspartú libre de ácido es fundamental.

Asesoramiento legal y fiscal

En España, las obras de arte tienen un tratamiento fiscal específico. El IVA aplicable es del 21%, aunque existen exenciones para determinados casos. Si tu colección crece y decides eventualmente vender piezas, deberás considerar las implicaciones fiscales de las plusvalías. Para colecciones de mayor envergadura, puede ser útil consultar con asesores especializados en patrimonio artístico, que pueden orientarte sobre beneficios fiscales como por ejemplo las donaciones a museos, comodatos, cesión y estructuras de protección del patrimonio.

Construyendo relaciones en el ecosistema del arte

El coleccionismo no es una actividad solitaria, sino profundamente social. Te compartimos algunos consejos para integrarte en el ecosistema del arte contemporánei:

Asiste a inauguraciones y eventos: Las aperturas de exposición son oportunidades para conocer a artistas, otros coleccionistas, críticos y comisarios. No tengas miedo de hacer preguntas o expresar tu interés genuino.

Únete a asociaciones de coleccionistas: Muchas ciudades cuentan con grupos organizados que realizan visitas a estudios, charlas con expertos y viajes a ferias internacionales. Estos espacios facilitan el aprendizaje y la construcción de redes.

Sé fiel a tus galerías: Si una galería te ha asesorado bien y te sientes cómodo con su línea de trabajo, mantén la relación a largo plazo. Los galeristas tienden a reservar las mejores piezas u oportunidades para sus coleccionistas habituales.

El valor más allá del precio

Finalmente, es importante recordar que el verdadero valor del coleccionismo trasciende lo económico. Vivir con arte transforma los espacios cotidianos en lugares de reflexión y belleza. Una obra en tu pared es un recordatorio diario de una emoción, una idea, una visión del mundo que en algún momento te conmovió lo suficiente como para querer convivir con ella.

El coleccionismo también es una forma de participar activamente en el ecosistema cultural. Cuando compras la obra de un artista emergente, estás contribuyendo a que pueda seguir creando. Cuando apoyas a una galería independiente, estás ayudando a sostener espacios de experimentación. Cuando prestas tus obras para una exposición o las donas eventualmente a una institución pública, estás contribuyendo al patrimonio colectivo.

En ferias como Art Madrid, donde conviven propuestas de diferentes generaciones, geografías y lenguajes artísticos, tienes la oportunidad de explorar, comparar y descubrir. No hay prisa. El coleccionismo es un viaje de largo recorrido donde cada adquisición es un capítulo de una historia personal que estás construyendo. La clave está en comenzar con curiosidad, humildad y la certeza de que el arte, más que un lujo, se convierte en una necesidad activa, capaz de incidir de manera real y duradera en la forma en que vivimos y nos relacionamos.