Selección realizada por Natalia Alonso Arduengo Comisaria invitada de Art Madrid 2022

Art Madrid apuesta por el arte joven y buena prueba de ello es el dossier que aquí presentamos y en el que se recopilan 10 nombres de artistas nacidos en las décadas de los 80 y los 90 del pasado siglo. Una selección paritaria de creadores procedentes de países como España, Portugal, Rusia, Cuba, Venezuela. En él podemos encontrar pintura, escultura, arte textil... Muchas disciplinas y estilos distintos (figuración, abstracción geométrica, realismo, herencia del graffiti...) pero con algo en común: la frescura de los inicios de unas carreras en plena efervescencia, no mediatizadas todavía por el mercado del arte y que crean desde absolutos parámetros de libertad. Estos artistas integrarán la próxima generación y llegarán a consolidarse. Ponerlos en el foco es una buena opción para aquel coleccionista que busque descubrir nuevas promesas.

ALBERT BONET (INÉDITAD) Riba-roja d'Ebre (Tarragona), 1996

Ganador del Premio Internacional de Pintura en la categoría de Realismo en la última edición del FIABCN (Feria Internacional de Arte de Barcelona), la obra de Albert Bonet se caracteriza por una ácida crítica social inspirada en su entorno más cercano. A través de esta interpretación del mundo que le rodea, este joven artista muestra una madurez tanto conceptual como técnica, la cual interfiere en su trabajo jugando con temáticas POP y con un marcado estilo realista. Artísticamente se ha formado en la Barcelona Academy of Art. Ha sido seleccionado en el Concurso de Arte Joven ''Fresh Art'' de DKV, donde se le premió con una mención de honor en la Universidad Politécnica de Valencia (2015). Este prometedor artista tiene en su haber dos exposiciones individuales, la última el pasado mes de noviembre en la Galería Mutuo de Barcelona. Expone ahora por primera vez en Art Madrid de la mano de Inéditad Galería (Barcelona).

Albert Bonet

La ventana oscura, 2020

Óleo sobre tela

162 x 130cm

CAROLINA SERRANO (GALERIE ALEX SERRA) Funchal (Portugal), 1994

Carolina Serrano (Portugal, 1994) vive y trabaja entre Colonia y Lisboa. La obra e investigación de Serrano gira en torno a la dimensión temporal de la escultura. El pensamiento escultórico de la artista colapsa, de forma recurrente, con las nociones de luz y sombra; con las ideas de destrucción y apariencia; y con la dualidad entre interior y exterior y entre espacio lleno y vacío. A Serrano le interesa el concepto de "lugar" restringido, inaccesible y, por tanto, desconocido, y la incertidumbre de su extensión. En los últimos años Carolina Serrano trabaja casi exclusivamente con parafina por sus posibilidades plásticas, como es el reflejo de la luz, pero sobre todo por las posibilidades teóricas y conceptuales que este material puede originar en el campo de la imaginación del observador. A Serrano también le interesa la idea de una potencial transmutación y transubstanciación espiritual del objeto escultórico.

Carolina Serrano

Gume, 2021

Parafina

48 x 16cm

COSTA GORELOV (DR.ROBOT GALLERY) Moscú (Rusia), 1993

Costa Gorelov nació en Moscú en 1993 y sigue viviendo y trabajando en Moscú. Estudió en el Instituto de Televisión y Radiodifusión de Moscú, donde se graduó en Dirección de Cine. En su obra, Costa explora los estados emocionales y psicológicos de las personas, a menudo representándolos a través de las interacciones de una figura con diferentes espacios, objetos y artículos de moda. La moda, en particular, es primordial para su autoexpresión. También es un símbolo que une épocas, tiempos y tradiciones. Gorelov creció en la tradición del Renacimiento del norte de Alemania. La música, la literatura, la pintura, la cultura y la lengua alemanas han influido mucho en él y han desempeñado un papel fundamental en la formación de su estilo. Los principios básicos que utiliza al crear sus cuadros son los del Barroco, el Renacimiento y el diseño de interiores. La arquitectura desempeña un papel primordial en su arte, en particular su base en la piedra y la proporción áurea. Gorelov se esfuerza por incorporar elementos de la arquitectura gótica y barroca a la vida cotidiana de sus personajes a través de bolsos y accesorios que llevan el ADN de esta herencia arquitectónica. Quiere mostrar que, a pesar de los cambios en las tendencias y las distintas épocas, lo fundamental es inamovible e inmutable.

Costa Gorel

DeadLine, 2021

Oleo sobre lienzo (díptico)

240 x 260cm

ELENA GUAL (ARENA MARTÍNEZ PROJECTS) Mallorca, 1994

Elena Gual posee una técnica marcada y reconocible inspirada en la imagen de la mujer interracial pese a seguir abriendo nuevas líneas de trabajo e incursionando incluso en la abstracción. Su obra se caracteriza por el uso de la espátula y su conocimiento de las técnicas de los pintores renacentistas y de la escultura clásica. Todo ello, gracias a los tres años de formación en la academia de arte de Florencia. Posteriormente se trasladó nuevamente a Londres, donde vivió desde los 16 años para continuar su formación en el Royal Collage of art y en Central Saint Martins. Ha expuesto en Mónaco, Paris, Venecia y Londres. De vuelta a España, Arena Martínez projects presenta su trabajo por primera vez en su país en la feria Estampa 2021, con ocasión de la feria Art Madrid se podrá ver su obra por segunda vez en España.

Elena Gual

Calma, 2021

Óleo sobre lienzo

40 x 40cm

FRANCISCO MAYOR MAESTRE (AURORA VIGIL-ESCALERA) Madrid, 1990

La infancia y adolescencia de Francisco Mayor Maestre en Rivas-Vaciamadrid estuvo marcada por viajes diarios a la capital en los que observaba los cambios en el paisaje y los idénticos edificios grises en los márgenes de la ciudad. El contraste entre esas indiferentes arquitecturas obreras y los pequeños toques de color y de personalidad que se pueden entrever como manifestaciones de la gente que vive dentro, le llevan a dedicar su producción a la transformación de estas frías fachadas. Sus óleos inundan el conjunto de color, de vegetación desmesurada, de planos imposibles que rompen la figuración de la obra. Destaca cortinas, toldos, coladas, aparatos de aire acondicionado… en una investigación entorno a la libertad de la pintura, la exploración de los espacios y la reivindicación de la individualidad.

Francisco Mayor Maestre

Todo lo que me gusta engorda, 2022

Oleo sobre tabla

190 x 150cm

GABRIEL RAÚL CISNEROS (COLLAGE HABANA) Las Tunas (Cuba), 1990

Graduado de Nivel Medio en Artes Visuales (2009) en su provincia natal y del Instituto Superior de Arte de La Habana (2015), donde también fungió como profesor de escultura. Le interesa siempre el rejuego, lo aparentemente irreal o incierto, aquello que en su ambigüedad no podemos asumir como verdadero y tampoco como falso. Por ello encubre desde la naturaleza del material usado - resina mezclada con yeso para simular una superficie pétrea, marmórea- hasta las propias palabras. Todo lo cual explica el gesto sarcástico, inquisitivo, provocador de su representación escultórica. Es discípulo del también escultor cubano, José Villa Soberón, desde hace más de un lustro, con quien ha realizado un número considerable de esculturas conmemorativas. Ha participado en disímiles exposiciones colectivas y personales, en Cuba y el extranjero. Su obra se ha coleccionado en Panamá, México, Estados Unidos y Líbano. Obtuvo el Segundo Premio en Post-it 6, concurso de arte cubano para artistas emergentes. Reside y trabaja en La Habana.

Gabriel Raúl Cisneros

Sin razón, sin aliento y sin nada. Happening, 2015

Resina. Dimensiones variables.

100 x 70cm

ISABELA PUGA (GALERÍA BAT ALBERTO CORNEJO) Caracas, 1997

Isabela Puga vive y trabaja en Madrid. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona con mención honorífica en el Trabajo de Fin de Grado: Grietas en el espacio; arranca su proceso de investigación pictórica a través del material y su percepción. El color negro y el pan de oro se establecen como los materiales principales y reconocibles de su obra. Posteriormente se traslada a Madrid, donde cursa el máster en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas y continúa el desarrollo de su trabajo artístico. Durante esta última etapa aumenta su interés por la arquitectura y el urbanismo, siendo ambas disciplinas parte importante de su proceso creativo y adoptando un estilo geométrico. A partir de opuestos: el brillo del oro y la oscuridad del negro, la artista cuestiona e investiga en sus obras elementos básicos como la profundidad, color, luz y espacio, siendo su intención fomentar la relación entre sujeto-objeto-espacio. Es decir, la obra requiere necesariamente de un espectador que la observe y explore sus perspectivas y superposiciones de planos retomando un lenguaje más elemental/minimalista. Así pues, las piezas de Isabela Puga resultan en una obra analítica y “presentativa”, donde se plantean simultáneamente los conceptos de espacialidad y contemplación.

Isabela Puga

M_CB_01, 2022

Técnica mixta y oro de 22 kt sobre madera

180 x 180cm

ISABELLA DESPUJOLS (JACKIE SHOR ARTE) Varquisemeto (Venezuela), 1994

Artista visual enfocada en el arte textil, específicamente en bordado manual. Se graduó de Bachelor in Fine Arts en la Universidad Internacional de Arte y Diseño de Miami, Estados Unidos (2014) y como Licenciada en Historia del Arte en la Universidad de Palermo, Buenos Aires, Argentina (2020). Ha participado en diferentes exposiciones colectivas como: “Juried Show” en Curator’s Voice Art Projetcs Gallery, Miami, EUA (2014); “Muestra de Arte Joven” en el Espacio Cabrera, Buenos Aires, Argentina (2017); “1er Salón de Pintura con Intervención textil” en el Centro Argentino de Arte Textil, Buenos Aires, Argentina (2018) ; trabajó en una instalación artística textil en Casa FOA, Buenos Aires, Argentina (2019); participó en la muestra colectiva “Artistas da galeria” na galería Periscópios Arte contemporânea, Belo Horizonte, Brasil (2020) y en la feria SP-Arte junto con Jackie Shor Project (2020). Entre sus exposiciones individuales se encuentran “Formas múltiplas de continuidade no espaço “ en la galería Periscopio Arte Contemporánea en Belo Horizonte , Brasil (2021) y “Geometria Bordada” en el espacio Garaje Lola, Madrid, España (2021). Su obra actualmente forma parte de la colección del Museo Instituto Inhotim (2021).

Isabella Despujols

34, 2020

Lienzo bordado

80 x 120cm

LARA PADILLA (3 PUNTS GALERIA) Madrid, 1988

La obra de Sra. D, a.k.a Lara Padilla, abarca disciplinas como la pintura, la escultura, la danza, la performance y el diseño de moda. Sus piezas, mayormente figurativas, dirigen la atención al poder de la representación femenina a través de la deformación del cuerpo y el uso del color y las texturas. Una reivindicación de género exhibida a través de grandes manos como instrumentos poderosos de batalla o pies pesados, imagen de la perseverancia de la mujer en su lucha. Sra D. entiende el arte, no como una vitrina silenciosa, sino como un camino de acción e intervención política. Su estética es una oda a la diversidad, retratando todo tipo de cuerpos en pos de promover una mirada de igualdad y autenticidad.

Lara Padilla

Rainbow tangle, 2021

Técnica mixta sobre lienzo

170 x 170cm

VOVA PERKIN (DR.ROBOT GALLERY) Moscú (Rusia), 1995

El mundo que crea el artista está lleno de colores brillantes, positivos y contrastados. Todas sus obras están conectadas, con lugares y personajes que pasan de una obra a otra. Sus tramas se desarrollan como historias que cuentan el antiguo y maravilloso mundo de Ugar. Vova Perkin es el fundador del movimiento llamado Perkinismo, líder del grupo de artistas Nasha Utopia (Nuestra Utopía), y fundador de la Perkinnale de Arte Contemporáneo. Su desarrollo como artista se formó a través de una importante experiencia en el arte del grafiti.

Vova Perkin

Don House Relaxed, 2018

Acrílico sobre lienzo

200 x 250cm

LECTURAS: RECORRIDOS COMISARIADOS POR ART MADRID'26

Lecturas: Recorridos comisariados por Art Madrid'26 es una iniciativa de mediación cultural diseñada para acercar al público a las propuestas expositivas que presentan las galerías participantes en la edición. Su objetivo es transformar la experiencia de la feria en una oportunidad para reflexionar sobre el trabajo de los artistas que se presentan en la edición, analizar a través de sus obras las problemáticas actuales y despertar nuevas miradas en la sociedad, fomentando así una comprensión crítica y contextualizada del arte contemporáneo como instrumento de diálogo cultural y social.

En esta edición, las historiadoras del arte y divulgadoras culturales Zuriñe Lafón y Marisol Salanova abordarán, desde enfoques complementarios, diversas perspectivas sobre la creación contemporánea y su impacto en el contexto social actual.

Cada recorrido temático estará articulado en torno a una cuidada selección de diez obras, acompañadas de un sólido discurso curatorial orientado a profundizar en su análisis, contexto y significación. Más allá de la contemplación estética, estas visitas guiadas promoverán una comprensión crítica del arte contemporáneo, facilitando el diálogo directo entre el público y las comisarias, y favoreciendo una experiencia participativa y enriquecedora.

Con esta tercera edición, Lecturas: Recorridos Comisariados X Art Madrid consolida el compromiso de Art Madrid con la mediación cultural y la divulgación del arte contemporáneo, ofreciendo una propuesta inmersiva que amplía los canales de interpretación y fomenta la incorporación de nuevos públicos al panorama artístico actual.

CONSTRUCCIONES DE LO VISIBLE. RECORRIDO COMISARIADO POR ZURIÑE LAFÓN

Construcciones de lo visible plantea un recorrido que atraviesa esta idea: toda imagen es una forma de organizar lo visible. Lejos de entender la abstracción como alejamiento del mundo y la figuración como fidelidad a lo real, este itinerario plantea ambas como estrategias perceptivas. No se trata de estilos enfrentados, sino de modos distintos de ordenar la experiencia. Cada artista despliega una estrategia propia que afecta a nuestra manera de mirar. A través del encuadre, del color, de la repetición, de la geometría o de la fragmentación, las obras no solo muestran algo, sino que nos sitúan ante una determinada forma de relación con lo visible. No se limitan a representar el mundo: construyen una experiencia a partir de él.

Al recorrer la selección, el espectador atraviesa diferentes intensidades de mediación. Algunas piezas parten de imágenes reconocibles —cuerpos, espacios, escenas— que parecen ofrecernos una relación directa con lo real. Sin embargo, a medida que la mirada se detiene, se hace evidente que esa familiaridad está cuidadosamente articulada. El ritmo de las formas, la distribución del color, la organización del espacio o la repetición de ciertos elementos revelan que incluso la imagen más aparentemente transparente está sostenida por una estructura.

Otras obras, en cambio, reducen o transforman la referencia figurativa hasta casi disolverla. Allí donde parece desaparecer el mundo reconocible, emerge con fuerza la dimensión constructiva de la imagen. La geometría, el gesto o la vibración cromática no operan como evasión de la realidad, sino como formas intensificadas de la propia apariencia del mundo. La abstracción deja de percibirse como distancia y se manifiesta como una manera distinta de sostener la realidad, de hacerlo aparecer bajo otras condiciones.

El recorrido adopta una estructura circular: comienza y concluye en la misma obra. Este gesto no busca reiteración, sino transformación. Tras atravesar distintas obras, distintas configuraciones de lo visible —desde lo reconocible hasta lo aparentemente abstracto— la imagen inicial ya no puede leerse como representación fiel de la realidad. Se revela como una construcción más dentro de un campo amplio de posibilidades perceptivas. Pero lo que cambia no es la obra, sino nuestra posición ante ella. Mirar deja de ser un acto pasivo y se convierte en una práctica activa, en un ejercicio de relación.

Como sugiere Andrea Soto Calderón, las imágenes no se limitan a reflejar el mundo: lo hacen aparecer. Desde esta perspectiva, la feria puede entenderse como una microcartografía de modos de ver, un espacio donde cada obra propone una forma singular de experiencia perceptiva. Lo visible no es un dato estable ni una superficie neutral, sino un proceso en constante elaboración que se actualiza en el encuentro entre obra y espectador.

“Construcciones de lo visible” no propone una clasificación cerrada, sino una invitación: detenerse, sospechar de las apariencias y, al mismo tiempo, dejarse afectar por la potencia creativa de las formas. En el tránsito entre figuración y abstracción descubrimos que toda imagen es una operación, una forma de ordenar la experiencia. El recorrido invita a asumir esa responsabilidad perceptiva y a reconocer que lo real no está simplemente ahí: se construye en cada acto de creación.

SELECCIÓN DE GALERÍAS Y ARTISTAS

Ana Cardoso — Galeria São Mamede. Antonio Barahona — Galería María Aguilar. Leticia Feduchi — Galería Sigüenza. Joost Vandebrug — Kant Gallery. Beatriz Castela —Galería Beatriz Pereira. Fernando Mikelarena— Kur Art Gallery. Camil Giralt — Pigment Gallery. Virginia Rivas — Galería Beatriz Pereira. Miguel Piñeiro — Moret Art. Maria Svarbova — Galería BAT alberto cornejo.

SOBRE ZURIÑE LAFÓN

Zuriñe Lafón. Cortesía de la comisaria.

Zuriñe Lafón (1987) es Doctora en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Navarra con la tesis Francisco Calvo Serraller, crítico de arte. Desde 2015 se dedica a la investigación y a la docencia sobre Cultura Visual en asignaturas como Cultura Visual, Fotoperiodismo, Diseño Periodístico, Textos fundamentales sobre Fotografía, Edición de Medios Digitales o Moda y Movimientos Artísticos. Ha impartido clases en la Universidad de Navarra, Universitat Internacional de Catalunya, UNIR y Universidad de Montevideo. Ha trabajado en áreas culturales de otras empresas e instituciones como El Correo Bilbao o el Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid.

Comparte divulgación sobre imágenes contemporáneas desde su proyecto Atelier de imágenes, un espacio dedicado a pensar la pintura, la fotografía y el cine. Actualmente, está inmersa en la escritura del libro Deshabitar el encuadre, una investigación sobre la ontología de la fotografía a través de algunos archivos fotográficos de mujeres en España.

“EL PREDOMINIO DE LA ESTÉTICA BRILLANTE”. RECORRIDO COMISARIADO POR MARISOL SALANOVA

Bajo el lema “El predominio de la estética brillante”, obras que entienden el brillo no como superficialidad, más bien como estrategia visual, como seducción contemporánea, síntoma de una época que necesita impacto, color, pulido y tal vez a veces ciertos excesos para pensar(se). Esta propuesta en la que conviven obras de distinto formato, técnicas y realizadas por artistas de varias generaciones, abre un debate para comprender mejor nuestro presente estético y en el que el público va a ser invitado a participar.

Marisol Salanova plantea la estética brillante como una tensión, no como una solución cerrada. Por ejemplo, en las obras de Urdiales y Celada, el brillo aparece como conflicto interno del lenguaje pictórico; en Monge y Okuda, tan dispares, como espectacularización directa del espacio y del imaginario urbano; en Juncal, Rivas y Alpuente, como equilibrio frágil entre materia y percepción; y en Palito Dominguín, como afirmación iconográfica y simbólica, casi performativa. A la curadora y crítica le parece especialmente interesante de este conjunto que la estética brillante no se percibe unificada, sino fragmentada. A veces irónica, a veces ornamental, a veces casi violenta; en otras, dulcificada o simbólica. No es un brillo inocente: es un brillo que seduce, impone, distrae y ordena la mirada, como hace hoy el propio ecosistema visual en el que vivimos.

SELECCIÓN DE ARTISTAS Y GALERÍAS:

Eduardo Urdiales — Inéditad Gallery. Arol — Est_ArtSpace. Perrilla — Est_ArtSpace. Ángel Celada — Galería BAT alberto cornejo. Antonio Ovejero — CLC Arte. Alejandro Monge — 3 Punts Galería. Okuda San Miguel — 3 Punts Galería. Steen Ipsen — Kant Gallery. Marina Puche — Galería Alba Cabrera. Marcos Juncal— Galería La Mercería. Gemma Alpuente — LAVIO. Palito Dominguín — DDR Art Gallery.

SOBRE MARISOL SALANOVA

Marisol Salanova. Foto de Bertha Delgado.

Marisol Salanova es crítica de arte, comisaria de exposiciones y directora de la plataforma Arteinformado. Colaboradora habitual de ABC y Cadena Ser. Se licenció en Filosofía y obtuvo un máster en producción artística. Ha sido docente y ha publicado ensayos como “La crítica de arte en la actualidad” (Akal, 2024).