ALFRED HITCHCOCK, ARTISTA, AUTOR Y CREADOR

 

 

La exposición “Hitchcock, más allá del suspense”, comisariada por Pablo Llorca, profesor de Historia del cine e Historia de la fotografía en la Universidad de Salamanca, analiza al cineasta como creador total, haciendo un recorrido por su vida, sus iconos, sus colaboradores, la representación de la mujer en sus producciones, la forma de retratar la época en la que vivió y sus giros de guión. La exposición está dividida en cinco ámbitos diferentes que engloban las anécdotas más relevantes de la trayectoria del genio del cine. 

 

 

 

 

Alfred Hitchcock (Londres,1899-Los Ángeles,1980), fue sin duda un personaje importante para el cine de suspense. Hitchcock tenía una capacidad indiscutible para emplear los recursos narrativos más rompedores, que fueron fundamentales en el desarrollo del lenguaje cinematográfico de la época. El Maestro del Suspense sabía mantener perfectamente con sus películas al espectador en constante tensión durante toda la proyección, a través de imágenes con una gran fuerza expresiva y sólidas tramas. Retrató el contexto cultural y artístico de su época, y los elementos cotidianos que le rodeaban en algunos de sus títulos más icónicos como “La ventana indiscreta”, “Vértigo”, “Psicosis” o “Los Pájaros”. 

 

 

 

 

La exposición está dividida en cinco partes: “Introducción”, dedicada a la biografía del director; “El toque Hitchcock”, cuenta la singular manera de hacer cine del director, “Mujeres y hombres”, sobre cómo retrataba la relación de los sexos, el voyerismo, el deseo y el papel de la mujer en sus films; “Hitchcock y su tiempo, el arte y la arquitectura”, parte en la que el público podrá ver cómo el cineasta incluía signos de la modernidad plástica y arquitectónica, la moda y la sofisticación europea en sus producciones y “El revés de la trama: Hitchcock, las apariencias y los trucos”, en la que se destaca el uso del trampantojos en sus fotogramas. 

 

 

 

“Alfred Hitchcock.Más allá del suspense” está acompañada de un programa paralelo con talleres, charlas y actividades relacionadas con el director y el cine. Además, con motivo de la exposición, Espacio Fundación Telefónica lanza un nuevo concurso para su Instagramers Gallery. Para participar sólo tienes que etiquetar una imagen con el hashtag #HitchcockContest. Las 50 mejores imágenes se podrán ver en la Instagramers Gallery a partir del 18 de octubre. 

 

 

Visitar el estudio de un artista supone adentrarse en un terreno íntimo y respirar el ambiente de creación que envuelve el trabajo del autor. Cuando uno entra en este espacio pone los sentidos alerta para rastrear y localizar esos pequeños detalles que nos cuentan un poco más del espíritu y el pensamiento del artista, los bocetos corregidos, las rectificaciones, los ensayos, las pruebas clavadas con chinchetas en las paredes, los trazos en papel reutilizado, las notas, los lápices recién afilados, los manchones de pintura… Hablamos de un caos ordenado, de una esfera donde trabajo e inspiración conviven y que los creadores se resisten a compartir, porque, en ocasiones, abrir las puertas del estudio es casi como abrir las puertas del alma.

Visita organizada por Art Madrid'19 al taller de Rubén Martín de Lucas

Estos espacios tienen además un halo de misterio, de intimidad y familiaridad en el que hay que avanzar con cautela, teniendo cuidado de no profundizar demasiado, de ir descubriendo los secretos hasta donde el artista quiera confesarlos. Pero es también la oportunidad idónea de entrar en comunicación directa con la obra, de conocer el proceso de producción desde sus inicios hasta el final, de comprender las dudas, las intenciones, el objetivo y el mensaje de un proyecto desde las entrañas.

En las pasadas ediciones de Art Madrid tuvimos la suerte de visitar el taller de Rubén Martín de Lucas y el de Okuda San Miguel, artistas invitados en 2019 y 2018 respectivamente. Con Martín de Lucas pudimos conocer en detalle su gran proyecto creativo vital “Stupid borders”, de donde se derivan y desgajan diferentes acciones concretas con títulos propios que responden a una misma idea: profundizar en la relación del hombre con la tierra y entender las pautas artificiales que nos imponemos como sociedad. En el estudio pudimos ver sus piezas más recientes y entender el proceso de concepción y plasmación, los motivos para elegir una disciplina u otra, sus últimos trabajos en vídeo y los millones de notas y apuntes de cada línea del proyecto.





Okuda San Miguel nos abrió las puertas del estudio en 2018. Esta gran nave diáfana pintada de blanco parecía el lienzo perfecto para sus piezas multicolor, en medio de estantes y mesas repletos de botes de spray. En el momento de la visita, el artista estaba trabajando en la obra “El lago del deseo” de 6x3 m, que realizó en exclusiva para Art Madrid y se pudo ver en la entrada de la feria. Esta pintura está inspirada en el Jardín de las Delicias del Bosco, un autor de referencia para Okuda y que sigue despertando el interés, la sorpresa y la curiosidad de muchos. Las piezas de gran formato conviven con los esmaltes de pequeñas dimensiones, además de las esculturas, las tablas de prueba y los enormes bocetos para fachadas de edificios. Porque Okuda trabaja a lo grande y cuenta con un equipo completo que le ayuda a concentrarse en sus obras. Como él mismo explica, el proceso creativo no se para nunca, y tener un equipo le permite llevar a cabo tantos proyectos a la vez.

Guillermo Peñalver, “Yo, dibujando” (detalle), 2019

Otros artistas hacen de su propia casa su estudio. Este es el caso de Guillermo Peñalver, a quien el Museo ABC de la Ilustración dedicó una exposición dentro de su programa “Conexiones” con el título “Autorretrato en interior”. Su voracidad por el recorte, el uso del papel en varias tonalidades, la superposición de blancos y el uso discreto del lápiz hacen de la obra de Peñalver un trabajo delicado e intimista, como las propias estampas que recrea. En este caso, la visión de sus collages es como una visita a su propia casa/taller, donde las estancias se convierten en espacios polivalentes y las acciones cotidianas cobran protagonismo. El último trabajo de este autor es un ejercicio de sinceridad donde representa su día a día desde la precaria realidad del creador que fusiona su trabajo con su actividad diaria.

FAC 2015

Haciendo honor a esta relación directa con el autor que se produce al visitar su estudio, David de las Heras lanzó su proyecto FAC (Feria de Arte en Casa), que ya va por las cinco ediciones. La idea es fomentar un diálogo abierto con los creadores al exponer sus obras en un ambiente doméstico y eliminando las barreras tradicionales del mercado. Aunque la iniciativa siguió creciendo, la propuesta original nació en la propia casa de David, quien abrió su estudio y su hogar al intercambio, el conocimiento y la experiencia. Se trata de vincularse al arte desde una vivencia más personal, conocer a los artistas y disfrutar de su obra, ya sea en la cocina, el salón o la habitación.