Wyeth en el estudio exposición museo Thyssen

 

 

La exposición “Wyeth: Andrew y Jamie en el estudio” ofrece hasta el 19 de junio la primera retrospectiva en Europa sobre Andrew Wyeth (1917-2009) y su hijo Jamie (1946), los nombres más destacados del realismo americano del siglo XX. Esta muestra ocurre en paralelo a la exposición sobre realistas españoles que también ofrece el Thyssen, lo que genera una oportunidad estupenda para comparar estilos y contextos.

 

 

Amigos, muebles, animales domésticos… todo objeto, sensación y ser vivo que rodeara a la familia Wyeth era susceptible de convertirse en una bellísima obra de arte cargada de emoción. La capacidad creadora de padre e hijo se retroalimentaba, y se servían mutuamente de acicate y reto, buscando dotar de un aura inigualable, de una luz especial, de cierto temblor sensible a cada una de sus piezas. La muestra, comisariada por Timothy J. Standring (de la Gates Foundation en el Denver Art Museum) recorre con 60 obras todos los periodos de sus carreras, permitiéndonos disfrutar de algunas de las obras más importantes de esta dinastía.

 

 

Tras la muerte del patriarca Wyeth, su hijo Jamie se quedó con la responsabilidad de perpetuar la pintura realista norteamericana, una pintura que plasmaba los modos de vida, la arquitectura, los paisajes de Pensilvania, los amigos y vecinos de su ciudad natal, Chadds Ford, con una carga emocional indiscutible. Entre estos vecinos, la historia del arte quiso destacar a uno, Christina Olson, la vecina que contempla el paisaje sentada en la ventana en un juego de claroscuros apabullante, la misma joven que en otro lienzo, “Christina’s World”, la pintura más famosa de EE.UU y que está colgada en el l MOMA, se incorpora en medio del campo mirando misteriosa al horizonte, dotada de cualidades casi mágicas.

 

 

Gracias a las generosas cesiones de las colecciones privadas de Andrew y Betsy Wyeth ahora podemos acercarnos a este universo de la américa profunda y a la pincelada única de una familia única, a un diálogo entre padre e hijo, a un debate entre artistas. En paralelo a la muestra, el Thyssen exhibe una exposición de fotografía, “The Secret Sits. (Wyeth Wonderland)”, de la fotógrafa Joséphine Douet, que ha recorrido los escenarios de la vida de los Wyeth para entender y compartir sus fuentes de inspiración.

 


 

Visitar el estudio de un artista supone adentrarse en un terreno íntimo y respirar el ambiente de creación que envuelve el trabajo del autor. Cuando uno entra en este espacio pone los sentidos alerta para rastrear y localizar esos pequeños detalles que nos cuentan un poco más del espíritu y el pensamiento del artista, los bocetos corregidos, las rectificaciones, los ensayos, las pruebas clavadas con chinchetas en las paredes, los trazos en papel reutilizado, las notas, los lápices recién afilados, los manchones de pintura… Hablamos de un caos ordenado, de una esfera donde trabajo e inspiración conviven y que los creadores se resisten a compartir, porque, en ocasiones, abrir las puertas del estudio es casi como abrir las puertas del alma.

Visita organizada por Art Madrid'19 al taller de Rubén Martín de Lucas

Estos espacios tienen además un halo de misterio, de intimidad y familiaridad en el que hay que avanzar con cautela, teniendo cuidado de no profundizar demasiado, de ir descubriendo los secretos hasta donde el artista quiera confesarlos. Pero es también la oportunidad idónea de entrar en comunicación directa con la obra, de conocer el proceso de producción desde sus inicios hasta el final, de comprender las dudas, las intenciones, el objetivo y el mensaje de un proyecto desde las entrañas.

En las pasadas ediciones de Art Madrid tuvimos la suerte de visitar el taller de Rubén Martín de Lucas y el de Okuda San Miguel, artistas invitados en 2019 y 2018 respectivamente. Con Martín de Lucas pudimos conocer en detalle su gran proyecto creativo vital “Stupid borders”, de donde se derivan y desgajan diferentes acciones concretas con títulos propios que responden a una misma idea: profundizar en la relación del hombre con la tierra y entender las pautas artificiales que nos imponemos como sociedad. En el estudio pudimos ver sus piezas más recientes y entender el proceso de concepción y plasmación, los motivos para elegir una disciplina u otra, sus últimos trabajos en vídeo y los millones de notas y apuntes de cada línea del proyecto.





Okuda San Miguel nos abrió las puertas del estudio en 2018. Esta gran nave diáfana pintada de blanco parecía el lienzo perfecto para sus piezas multicolor, en medio de estantes y mesas repletos de botes de spray. En el momento de la visita, el artista estaba trabajando en la obra “El lago del deseo” de 6x3 m, que realizó en exclusiva para Art Madrid y se pudo ver en la entrada de la feria. Esta pintura está inspirada en el Jardín de las Delicias del Bosco, un autor de referencia para Okuda y que sigue despertando el interés, la sorpresa y la curiosidad de muchos. Las piezas de gran formato conviven con los esmaltes de pequeñas dimensiones, además de las esculturas, las tablas de prueba y los enormes bocetos para fachadas de edificios. Porque Okuda trabaja a lo grande y cuenta con un equipo completo que le ayuda a concentrarse en sus obras. Como él mismo explica, el proceso creativo no se para nunca, y tener un equipo le permite llevar a cabo tantos proyectos a la vez.

Guillermo Peñalver, “Yo, dibujando” (detalle), 2019

Otros artistas hacen de su propia casa su estudio. Este es el caso de Guillermo Peñalver, a quien el Museo ABC de la Ilustración dedicó una exposición dentro de su programa “Conexiones” con el título “Autorretrato en interior”. Su voracidad por el recorte, el uso del papel en varias tonalidades, la superposición de blancos y el uso discreto del lápiz hacen de la obra de Peñalver un trabajo delicado e intimista, como las propias estampas que recrea. En este caso, la visión de sus collages es como una visita a su propia casa/taller, donde las estancias se convierten en espacios polivalentes y las acciones cotidianas cobran protagonismo. El último trabajo de este autor es un ejercicio de sinceridad donde representa su día a día desde la precaria realidad del creador que fusiona su trabajo con su actividad diaria.

FAC 2015

Haciendo honor a esta relación directa con el autor que se produce al visitar su estudio, David de las Heras lanzó su proyecto FAC (Feria de Arte en Casa), que ya va por las cinco ediciones. La idea es fomentar un diálogo abierto con los creadores al exponer sus obras en un ambiente doméstico y eliminando las barreras tradicionales del mercado. Aunque la iniciativa siguió creciendo, la propuesta original nació en la propia casa de David, quien abrió su estudio y su hogar al intercambio, el conocimiento y la experiencia. Se trata de vincularse al arte desde una vivencia más personal, conocer a los artistas y disfrutar de su obra, ya sea en la cocina, el salón o la habitación.