Art Madrid'23 – ARTE AFRICANO: VISTO DESDE LAS AFUERAS

El tejido en el que se producen las prácticas artísticas contemporáneas es un tiempo y lugar frenéticos, algo así como una entropía en constante expansión. Sin embargo, en tal “desorden”, se aprecian intenciones valiosas para quienes consuman la búsqueda de lo polifacético y no circunscrito a un espacio finito como es el geográfico.

Para el poeta senegalés Léopold Sedar Senghor, la negritud es un término que contiene una dualidad de significantes objetivos y subjetivos; es la conjunción de valores de la civilización del mundo negro y es también la manera en la que cada negro o colectividad negra, vive los valores de su civilización. La responsabilidad con la que este bien intangible puede construirse desde plataformas estéticas y artístico-visuales podría localizarse, por ejemplo, en la ciudad de Sitges, fuera de África. Pero respetando la esencia de los valores que han trascendido de una generación a otra, en la búsqueda de narrativas y ejercicios que reivindican la alteridad. Rompiendo con los esquemas que un tipo de primitivismo exótico ha rondado durante siglos el trabajo de artistas africanos o de ascendencia africana.

Out of Africa (OOA), fundada en el año 2011, es una de las galerías que participa en la 18 edición de Art Madrid. Con una amplia nómina y un permanente recorrido por la representación y promoción de artistas africanos y de ascendencia africana, propone un acercamiento a los trabajos de cuatro de sus creadores: Megan Gabrielle Harris, Médéric Turay, Rémy Samuz y Oliver Okolo. Manteniendo su deseo por defender la producción del arte africano contemporáneo, Out of África ofrece una plataforma expositiva para que artistas emergentes y consagrados puedan enunciar sus respectivas narrativas, valores y experiencias a través de sus propuestas creativas. Ofrece apoyo y visibilidad a la exploración, el crecimiento y la profesionalización de prácticas decoloniales en sus discursos curatoriales.

La propuesta expositiva que reúne los trabajos de estos cuatro artistas propone varias corrientes y manifestaciones, entre las que resaltan el retrato, la figuración, la escultura y el expresionismo abstracto. Cada uno de ellos sigue una línea de trabajo personal en la que exploran medios, temáticas y narrativas que invitan al debate sobre la identidad, la exploración de la individualidad y la evocación de los sentidos; propuestas que gravitan en torno a un tipo de emoción reveladora que se desmarca de la hegemonía de lo consciente y lo cotidiano.

Megan Gabrielle Harris, "Kismet", 2022 . OOA Gallery ©

Megan Gabrielle Harris, (Sacramento, Estados Unidos, 1990), es una creadora de ascendencia nigeriana que trabaja entre California, Nueva York y Ciudad del Cabo. En sus obras, la presencia de la figura femenina constituye el tema central. Y sus paisajes en acrílico sobre lienzo, reproducen toda vez a la figura femenina, libre, empoderada y segura de su lugar en la ecuación de la contemporaneidad. El tratamiento a la psicología de las otras y de ella misma, el abordaje de los otros cuerpos y el suyo propio, se alejan de los convencionalismos con los que históricamente se ha identificado a la mujer negra. La voz de autorreconocimiento impregna sus retratos y autorretratos de una fuerza liberadora; y es que la pintura de Megan Gabrielle Harris es un vehículo social para generar consciencia presente sobre cómo se ha representado al sujeto femenino africano durante siglos. Su investigación intenta romper con los códigos de asociación que colocan a la mujer negra africana dentro de una visión constreñida y poco respetuosa, vinculadas a un rol impuesto por la sociedad patriarcal, que subyuga y explota sus cuerpos físicos y degenera su yo espiritual.

La artista coloca entonces a la mujer en el centro de unas composiciones paisajísticas, con colores terrosos que se diluyen en un segundo plano y que impregnan de aún más fuerza visual su presencia. Como si de una columna vertebral se tratara, las retratadas aparecen con su cabellera imponente en el punto de fuga de la composición: Seguras, desafiantes, receptivas y contemplativas… Consigue así recrear escenarios de individualidad en espacios exteriores, de espaldas al espectador e incluso remedando algún que otro retrato convencional, de esos que se hacen tan comunes dentro de la historia del arte occidental pero que sencillamente, en el pasado, ella no hubiese podido ni imaginar. La obra de Harris pondera la libertad de expresión que en algunas partes del mundo ha conseguido la mujer y que, en otras, aun es una lucha por librar.

Médéric Turay, “As the wind blows”, 2022 . OOA Gallery ©

Médéric Turay, (Abiyán, Costa de Marfil, 1979), vive y trabaja actualmente en Marrakech, Marruecos. Es un artista multidisciplinar con una obra que se inspira en la figuración abstracto- geométrica, mezcla de esa cosmogonía que arraiga al artista a su pasado ancestral. Turay tiene un amplio reservorio de saberes, fruto de sus experiencias en diversas partes del mundo. Su formación, deudora de la música hip-hop, la novela gráfica y sus incesantes viajes por Estados Unidos y África. Estos saberes provocan en su trabajo una conexión experiencial, cuando el espectador se encuentra frente a sus entidades pictóricas, unas veces figurativas, otras abstractas y siempre impregnadas de una visualidad compleja y un fuerte matiz espiritual. El artista conserva y cultiva sus raíces a través de la utilización de máscaras y símbolos ancestrales, propias de Akán, en África occidental, pueblo del que le viene esa herencia que conecta con las fuerzas vitales que impulsan al ser humano.

Es así, cómo, en un intento por apartarse de estereotipos raciales, sociales, geográficos y políticos, funda un tipo de pintura expandida, performática, en la que se equilibran las fuerzas intrínsecas de la cruz y el espiral, símbolos recurrentes en su práctica. Estabilidad y dinamismo, rectitud y fertilidad, convierten a sus personajes en mensajeros de una cosmogonía en la que conviven pasado, presente y futuro. Lo complementario y lo diferente ponen sobre la mesa una verdad heredada; un universo visual en el que restablece el equilibrio para conducirnos hacia la meditación. Médéric Turay plasma en su pintura la íntima conexión del ser humano con la tierra, la vida, los ancestros, la familia y la sociedad. Su pintura es necesidad y urgencia; tradición y nuevas formas de aprehender el legado del pasado.

Rémy Samuz, “Le marecheur” 2018. OOA Gallery ©

Rémy Samuz, (Cotonú, Benín, 1982), vive y trabaja actualmente en su ciudad natal. Sus esculturas cumplen el deseo de muchos artistas de humanizar con un soplo de vida sus creaciones inertes. La fuerza visual que acompaña sus tejidos en metal comenzó, cuando siendo solo un niño se dedicaba a modelar miniaturas de personajes que, en aquel momento, resultaban todo un misterio para quienes le rodeaban. Su formación artística, acompañada de la especialización en metalurgia han propiciado que este artista domine casi a la perfección la técnica de tejido de hilo en hierro. La rigidez del metal no le impide “divertirse” en la conceptualización de esculturas que abordan nociones vastas sobre la familia, la libertad, la identidad, la felicidad y el amor.

Oliver Okolo, “Disguised persona (Willian Hurley)”, 2022. OOA Gallery ©

Oliver Okolo, (Suleja, Nigeria, 1992), vive y trabaja en Abuja, Nigeria. De formación autodidacta, es un joven artista que ha encontrado en la representación de la figura humana el camino para desarrollar sus universos creativos. El velo con el que suelen solaparse conflictos y problemáticas sociales, construyen la narrativa que luego el artista vuelca en los rostros de sus protagonistas. Calma aparente, desenfado, indiferencia y algunos vestigios de enajenación, son ideas que pueden confundir al espectador en esa fina e inteligente crítica que el artista relata en sus hombres y mujeres,apaciblemente ubicados en escenarios en calma. La ausencia del caos, el amor en el aire, el cielo verde, la guitarra amarilla, el naranja o el azul, son claves semánticas para activar la presencia de tensión en los rostros de las figuras que provocan al espectador. La aparente sencillez del retrato -conseguida con soltura y realismo- sostiene la fuerza expresiva que Okolo trabaja tanto con la versatilidad del carboncillo, como con las texturas del pincel. La búsqueda de la perfección tecnicista es una de las obsesiones de un artista que apuesta por utilizar sus referentes en un tipo de obra que dialoga con la alteridad. Proponiendo una lectura actualizada de lo heredado en la actualidad contemporánea, y que se inscribe en un tiempo dilatado y no en un territorio inamovible.

Cuatro artistas africanos y de ascendencia africana, llegan a Art Madrid en esta edición, con una intrépida propuesta expositiva que irrumpe en el escenario de la producción nacional. para construir un relato sobre la identidad, la fundación de lo emergente y la urgencia de una mirada desprejuiciada hacia la producción artística africana. La calidad estética y formal hacen que no pasemos por alto su presencia en el recinto expositivo. Cada uno de estos artífices es dueño de una razón histórica que nos recuerda que, desde afuera, también podemos apreciar la verdad de los otros.



PEDRO PEÑA GIL

CONVERSACIONES INFINITAS CON ALFONSO DE LA TORRE

La obra de Pedro Peña Gil(Jaén, 1978) se encuentra con frecuencia con la historia del arte o, más bien, frente a la historia de las imágenes artísticas, Al cabo, dicho acontecer ha sido un continuo relato preguntando sobre la representación, la construcción de la imagen (las apariencias), deviniendo a su vez el propio relato la canónica historia del arte, esa “inmóvil a grandes pasos”, como decía Valéry del ”Aquiles” de Zenon. No siendo exactamente una narración de la claridad revelada sino, más bien, un encuentro sobresaltado de las imágenes con la pintura como quien decide emprender un viaje a la búsqueda del conocimiento. Encontrado con el museo, la escultura pública o el gran monumento, Peña señala cómo “cada obra recuerda y celebra la actitud de aquellos hombres que revolucionaron la forma de ver el mundo para siempre y cómo sus obras se han estabilizado en lugares dónde la luz de nuevo adquiere un simbolismo extraordinario. Ellos tomaron como meta buscar la luz, la misma luz que nos hechiza y revela el mundo bañándolo de colores ante nuestros ojos (…) homenajear la disposición que realmente nos mueve y da sentido a la existencia, la capacidad de asombro que seguirá llenando nuestra experiencia de luz y color”. En ese aspecto de derramar coloridos translúcidos sobre las imágenes, algunas de sus creaciones me han recordado el frottage de Max Ernst, las decalcomanías de Domínguez o las maculaturas de Tharrats. Tal da, pues se trata de una frecuente reinvención de preguntas que así, ad infinitun, en tal tensión, parecen crear propuestas de nuevos significados. ¿No es sabido, desde Warburg que referir ahora las imágenes es mencionar sus transformaciones, ímpetus, desplazamientos, experimentaciones?

SOLVE ET COAGULA

Hay algo en tus creaciones de cristalización de lo fluyente, aquello alquímico, ya sabes, disuelve y coagula. Tal sugiriendo un viaje entre luz y oscuridad a través de imágenes rituales de la historia del arte, quedamos asaltados por un fulgor frágil en su aire destellante. Poético encuentro de la fotografía y la pintura en una suerte de vindicación silenciosa de la superficie de las imágenes, al cabo, indiferencia de géneros: todo es pintura. Hay un aire de agitación, luz veloz y movimiento. Lo resultante una imagen que pareciere desbordada por una especie de numen luminoso. La mediación se consuma.

¿Podrías referirnos los procesos mediante los cuales seleccionas una imagen para después acometer el acto de pintar sobre ella? ¿Coincides en esa afirmación que hace disolver fronteras entre pintura y fotografía?

Soy un gran amante del arte y en todo mi viaje suelo visitar, cámara en mano, museos, monumentos y centro especializado que me llamen mucho la atención. Me gusta retratar las obras desde la mirada del espectador, remarcando el entorno en el que se encuentra. Solemos centrarnos siempre en admirar a una obra y extraerlos de la sala, del conjunto del espacio. Pero nuestro tiempo, su aquí y ahora está en estos museos. Después de muchos años, tengo un gran archivo fotográfico de todos los sitios que me gustan o que me han llamado la atención. Algunas veces voy a la búsqueda de una obra en concreto y selecciono la vista más impactante o menos usual. Y otras, simplemente doy con la imagen mientras navego entre todos los archivos. A partir de ahí, cuando la he seleccionado es cuando empiezo a trabajar.

Hace mucho tiempo que dejamos de pensar que el fotógrafo es un instrumento que canta una escena, y hoy en día valoramos su intervención en el resultado final, tal y como lo hace el pintor en recrear su realidad. Se analiza la obra en cuanto a términos reflexivos y se crea un escenario experimental en el que la fotografía sirve a la pintura y a la memoria. Bueno, la investigación que realizo en mi obra pasa por afrontar la creación desde el Todo. Vive con el Todo. Y es ahí donde surge la introspección del trabajo. Históricamente podemos recordar parte del trabajo de Man Ray a principios del siglo XX. Pionero en demostrar que pintura, escultura y fotografía juntas, podían abrir discursos artísticos poniendo de relevancia el contexto contemporáneo en que se recoge.

Pedro Peña Gil

Museum Hall_Venus, 2022

Mixta, serigrafía con tintas UVI y resina epoxi pigmentada sobre madera lacada

120 x 120cm

TENSIÓN Y LIRISMO

Arrebato y lirismo, que no excluyen la reflexión, haciendo compatible la apariencia espacial con el recogimiento, la quietud junto a la muestra de un espacio libre y extenso: una suerte de explosión concentrada. Así, tus pinturas parecen portar los restos de un misterioso relato en ese fluido viajero entre lo lírico y lo mágico. Atmósfera de extraña tensión, abrasada en ocasiones en sus propios silencios, a veces veo también un aire cósmico. Pensaba, viendo tus obras, en algo que leí en Ricardo Piglia: “ser de vanguardia es estar a destiempo”. Te quería preguntar por ese viaje que, desde nuestros días y en actitud de vanguardia, sucede en muchas ocasiones entre estupefacientes imágenes antiguas.

¿Es malinconia o, más bien, el deseo de poner en cuestión las imágenes que nos llegan desde eso que he llamado antes la canónica historia del arte?

Bueno, la reflexión que me planteas es una de las posibilidades que se sugieren en mi obra. El arte en sí mismo es un misterio temporal que carece de respuesta. Pero de manera muy resumida,entiendo que la contemporaneidad, el ser contemporáneo tal y como lo planteó Gadamer, es un observar las actualidades desde la distancia sin coincidir exactamente en ella.

Pedro Peña Gil

Museum Hall_Purple, 2022

Mixta, serigrafía con tintas UVI y resina epoxi pigmentada sobre madera lacada

180 x 180cm

EL MODELO INTERIOR

El arte ha sido siempre una señal de alerta. Y ha planteado secularmente cuestiones alejadas de lo que sería posible ver frente a los ojos proponiendo vislumbrar más allá de las apariencias, entre la fantasmagoría del mundo, en un permanente acto de tensionada transgresión. Una tensión con aire de contención espacial mas, dotada de aquello que Breton llamó el modelo interior, el viaje desde lo hondo a través de lo real-mental hacia la representación en el espacio. Tus creaciones muestran su ser en la distancia, tanto de su formación, como en el aspecto de su autonomía, lo cual no esquiva la presencia de formas de reconocimiento que nos son comunes. Riguroso e inquieto, queda sometida tu mirada a los misterios del ver, qué cosa sea la imagen mas, también la idea que tenemos de ella (la imagen que, decía Valéry, nos vuelve locos).

El arte como un modelo de conocimiento a través de las preguntas, sería la cuestión.

Nunca me he planteado el arte como una señal de alerta, más bien como un proceso encaminado a poner el foco sobre algo importante. A partir de ahí es cuando ese proceso intelectual puede generar un contenido que alerte, que llame la atención y que estimule la reflexión. El arte nace de las preguntas sobre uno mismo, sobre los demás y lo demás. El arte tiene la capacidad de explorar y expresar lo más oculto del alma humana. Nace de la necesidad de escrutar continuamente nuevos lugares en busca de respuestas. Es decir, en busca de conocimiento sobre las dinámicas que mueven el mundo y sobre los entresijos de la condición humana. En este sentido, lo que yo puedo aportar como artista en primer lugar, me sirve a mí y espero que pueda haber un espacio de reflexión hacia los demás.

Pedro Peña Gil

Museum Hall_Yellow&Blue, 2022

Mixta, serigrafía con tintas UVI y resina epoxi pigmentada sobre madera lacada

180 x 180cm

POESÍA VISUAL

De alguna forma, desmaterializando el mundo de lo real que queda sometido con intensidad a las diversas visiones de tal poesía visual, tu trabajo parece proponer nuevas formas de mirar. Un gesto de interrupción, por eso considero puede así entenderse tu trabajo, como un corpus escandido donde parece haberse eliminado toda temporalidad. Pinturas protegidas contra los cambios de sentido, alejadas de las marcas del tiempo.

¿Crees que podríamos definir tu obra como poemas visuales?

Sí, efectivamente. Mi obra posee, o al menos esa es mi intención, algo de poesía visual. Es una poesía dedicada a ese momento trascendental de la recepción estética, el instante en el que se activa la afición del arte. Cuando trabajo en la obra, tengo muy presente el equilibrio, tanto de la composición fotográfica como de los colores para armonizar el conjunto y transmitir las emociones que deseo. Suelo remarcar de manera muy sutil, con un halo de color la obra para que destaque en su entorno. Pero lo hago de manera leve, ya que mi intención es dejar margen para que los espectadores puedan sentirse identificados en ese momento.

ENCONTRAR EL SENTIDO

El arte como verdad exige su aparición, mas asistimos a una tautología al hallar tu obra, tus imágenes, en el contexto de la exposición. Imagen que habla de las imágenes del arte, lo dijimos al comienzo. Anomalía entonces de las imágenes, en la galería, la Feria, la exposición o el museo, tus obras se encuentran, especulares casi, con otras y entonces, piensa uno, tratan de hallar su sentido a través de lo que, imagino, podrán ser contactos inéditos.

¿Cómo sucede ese encuentro?

Mi obra surge desde los espacios de consumo de arte de la actualidad. Se fundamenta la imagen del lugar en el que se da la experiencia estética. Yo, como un consumidor de arte más, trato de localizar el punto justo donde solemos crear las imágenes de las obras que nos han cautivado. No por casualidad, suelen ser muy similares. Sólo tenemos que ver las publicaciones de las redes sociales para darnos cuenta que algunas de estas obras ya tienen un lugar enmarcado dentro de las salas de museos, espacios de arte… Es a partir de ese encuentro, cuando sé que la imagen debe ser tratada.