Se denomina arte de acción a un grupo variado de técnicas o estilos artísticos que hacen énfasis en el acto creador del artista, en la acción. El término fue creado por Allan Kaprow, que señaló la interrelación entre el artista y el espectador en el momento de la creación artística.

Se puede decir que el concepto de arte de acción nace en los años 20 con el dadaísmo y el surrealismo, en montajes artísticos como el collage y el assemblage. Entre las diversas formas de expresión del arte de acción figuran el happening, la performance, el environment y la instalación.

En su edición más festiva, este año Art Madrid presenta su apuesta más novedosa con una programación específica dedicada al new media y al arte de acción. En esta 15º edición contaremos con un stand en la feria para la realización de presentaciones y acciones en vivo en colaboración con la plataforma de videoarte PROYECTOR y bajo el comisariado de su director Mario Gutiérrez Cru.

Si acudes a Art Madrid, podrás disfrutar de las distintas partes de la programación a lo largo del día. Desde por la mañana se podrá visualizar la mejor selección de piezas de los festivales internacionales de videoarte más destacados del panorama mundial, con propuestas llegadas de Portugal, México, Marruecos, Colombia, Perú, Argentina, Francia, Grecia o Países Bajos. Una selección realizada por Mario Gutiérrez Cru que nos presentará nuevos lenguajes de expresión artística en el ámbito de la videocreación para así podernos componer una idea general del paradigma artístico internacional de este área.

A continuación, cada tarde a las 17.00h asistiremos a la presentación y encuentro con un artista destacado para finalizar la jornada de feria con una perfomance a las 20.00h de miércoles a sábado. Esta programación busca ser una experiencia inmersiva en el arte contemporáneo y explorar los nuevos lenguajes vinculados a la tecnología.

Inaugurando el programa el miércoles 26 tendremos a Abelardo Gil-Fournier, en la presentación podremos contemplar la instalación de la obra “The Quivering of the Reed” y comentarla con su creador en el conjunto de su trayectoria. Su trabajo gira en torno a la hibridación entre lo real y lo sensible, abordada desde una perspectiva en la que percepción, imagen y producción material se funden en una práctica basada en la investigación sobre ordenaciones del territorio y crecimiento vegetal. Sus proyectos están concebidos como operaciones materiales propuestas para un espacio abierto entre arte, naturaleza y política.

Posteriormente Art Madrid acogerá a las 20.00h la perfomance de Iván Puñal “RRAND 0-82”. El artista Iván Puñal (a.k.a. The Pleasant View) explorará mediante una performance audiovisual en directo el concepto de lo “aleatorio” y el “caos”. Iván Puñal, trabaja el determinismo y la libertad en sus performances cuestionando cuánto pertenece al yo consciente y cuánto es un espejismo de ilusión. Para ello se introducirán elementos no controlados en la performance mediante algoritmos matemáticos, tanto para generar cuadros visuales como espacios sonoros improvisados de manera que el resultado sea “no repetible”, “no controlado” y “no voluntario”. Músicas atonales dentro del territorio de la “musique concretè” o “noise” acompañarán las proyecciones, también enmarcando el concepto de “todo lo sonoro es música”.

El jueves 27 el público podrá disfrutar de un encuentro con Fernando Baena, un artista multidisciplinar que cultiva el vídeo, la fotografía, la instalación y la performance, como medios para alcanzar con mayor fuerza al espectador. Sus obras pretenden interactuar acercándose a través del uso de materiales comunes, y el uso de discursos directos que evidencian su intención comunicativa.

Después se realizará la acción site specific participativa para la feria ‘Partidura’. Un proyecto de Eunice Artur con la colaboración de Bruno Gonçalves. Este proyecto se inserta en el fascinante y vasto panorama de la creación de anotaciones gráficas. La evolución de la música electrónica requiere un nuevo sistema de notaciones donde, entre otros, buscamos comprender la relación de los nuevos fenómenos, como la relación entre la sonoridad y la manipulación plástica en el desempeño; imprevisibilidad y error como formas de generar lecturas no lineales y/o nuevas formas gráficas de notación.

El viernes 28, Mario Santamaría indagará en el fenómeno del observador contemporáneo, prestando atención a dos procesos que lo configuran: las prácticas representacionales y los aparatos de visión y mediación. Mario explora terrenos como el conflicto, la memoria, la virtualidad o la vigilancia a través de tácticas como la apropiación, el remake o el montaje.

Dos performers cantan cada uno en el interior de la boca del otro. Así empieza la performance que Arturo Moya y Ruth Abellán realizarán el viernes 28. El sonido resultante de la interacción de las dos voces en una única cavidad, controla en directo el agua que producen los mismos performers en un video que es proyectado durante la actuación. El mismo sonido también gobierna la aparición de sonidos procedentes de grabaciones de agua. “Tonel de Danaides”, una exploración física y sonora que no dejará indiferente a nadie.

Y para finalizar el programa de esta edición Art Madrid-PROYECTOR, el sábado 29 tendremos dos actividades imperdibles: por un lado el encuentro con la artista y comisaria argentina Maia Navas, Licenciada en Artes y Tecnología, Licenciada en Psicología y Especialista en Creatividad e Innovación, que explorará en una conversación directa con el público todas estas áreas, dando paso después a la perfomance de Olga Diego “The bubble woman show”. La chica de los plásticos. La mujer burbuja. En el exterior, el público interpreta los movimientos de esos dos pares de piernas debajo del hinchable traslúcido. Compartir el aire, el vacío, la fragilidad…

Art Madrid’20 se convierte en un espacio de inmersión artística haciendo partícipes a todas aquellas personas que acudan y dejen que el arte inunde sus vidas del 26 de febrero al 1 de marzo en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles.

¡Os esperamos!

Uno de los propósitos del programa “Art Madrid-Proyector’20” fue ofrecer actividades en las que conocer la obra de algunos creadores invitados, y, a través de una charla interactiva, permitir al público abrir un diálogo directo con ellos. Por esta razón, del 12 al 14 de febrero, se organizaron en Medialab Prado tres clases magistrales con Patxi Araújo, Olga Diego y Lois Patiño, todos ellos autores que trabajan con la imagen en movimiento, pero que abordan sus proyectos desde una óptica diametralmente opuesta. Con esta agenda, pudimos tratar tres líneas esenciales de la videocreación actual: la fusión con la tecnología y la inteligencia artificial, la plasmación de performances con finalidades documentales y el videoarte con tintes fílmicos. Ya tuvimos ocasión de recordar la sesión con Patxi Araújo y su obra site specific “Sherezade” creada para la fachada de Medialab Prado. Hoy hablaremos del encuentro que tuvimos con Olga Diego y Lois Patiño.

Olga diego, foto de Javier Adiego

La clase magistral de Olga Diego se tituló “El vuelo como materia creativa”. Olga es una artista multidisciplinar que en los últimos años ha centrado su trabajo en la escultura y la performance o el arte de acción, que luego documenta con fotografía y vídeo. Este último aspecto es uno de los que más interés despierta para ella al reflexionar sobre cómo se produce la transformación de la pieza de un formato experiencial a uno grabado, y cómo los individuos nos hemos acostumbrado a consumir esta clase de productos finales, menos invasivos y desde un espacio de confort que nos proporcionan la intimidad de nuestros dispositivos.

Una de las principales líneas de investigación de Olga se relaciona con los sistemas de vuelo autónomo y la creación de artefactos capaces de elevarse sin apenas energía. ¿Se puede crear un material más ligero que el propio aire? Esta idea la ha llevado a experimentar con numerosas formas y conceptos científicos, a la vez que hacía un recorrido histórico por los inicios del vuelo y los progresos de la humanidad para inventar aparatos capaces de volar. No se trata solo de recuperar la historia de la aviación, algo que tiene una vertiente mucho más tecnológica y mercantilista, sino de indagar en las ideas, experimentos y pruebas que trataban de analizar el comportamiento del aire, las dinámicas de flujos y el diseño de estructuras aerodinámicas individuales, una inquietud que el ser humano puso de manifiesto desde el Renacimiento, con Leonardo Da Vinci.

Olga Diego, foto de Mario Gutiérrez Cru

Olga recupera muchos de estos conceptos y los aplica a sus proyectos recientes. En sus últimas propuestas ha trabajado también con figuras hinchables, como una alternativa al vuelo dirigido, empleando materiales plásticos para su construcción. Su última exposición “El jardín autómata”, que pudo disfrutarse en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante y la Sala de Exposiciones Lonja del Pescado, también en Alicante, es una gigantesca instalación formada por casi un centenar de esculturas inflable-electrónicas inspiradas en los hermosos, extravagantes y sugerentes personajes del Jardín de las Delicias, del Bosco. Esta nube de figuras humanoides y zoomorfas, que se mueven y laten gracias a los mecanismos electrónicos que los mantienen permanentemente inflados, retrata también los excesos del hombre, su falta de preocupación por la invasión del entorno, la sobreexposición al plástico y la explotación de los recursos naturales. Una composición que se fija en “el pecado”, como mensaje indirecto que se extraía, también, en la obra del Bosco.

Clase magistral de Lois Patiño. Foto de Marta Suárez-Mansilla

Por su parte, la trayectoria de Lois Patiño está íntimamente conectada al trabajo cinematográfico. Su clase magistral se tituló “Tiempo e imagen”. Sus piezas de vídeo, sean breves o largometrajes, encierran una preocupación muy ligada al lenguaje fílmico, pero en una senda que deja al margen las narrativas convencionales. Dentro de los motivos principales que ocupan su obra, Lois se decanta por estéticas más contemplativas, donde se prioriza el poder expresivo de la imagen en sí misma, sin buscar demasiados efectos añadidos en el cine convencional a través de efectos de sonido, diálogos u otros artificios.

Por eso, el trabajo de Lois resulta tan poético y lírico. Sus propuestas incorporan innovaciones tecnológicas para provocar efectos muy concretos en sus trabajos, pero todo ello ayuda a ahondar en los temas que preocupan a este creador y que, desde sus inicios, están presentes en su obra.

Lois Patiño, foto de Mario Gutiérrez Cru

Lois Patiño se ha interesado siempre por la relación del individuo con el paisaje y por cómo éste puede modular nuestra forma de comportarnos en sociedad y determinar nuestra idiosincrasia. ¿Hasta qué punto somos dependientes de nuestro entorno? ¿Cómo la cultura se define por la conexión con el paisaje? Estas y otras preguntas plagan la obra del autor en la que abundan muchas imágenes contemplativas.

Además, Lois nos presentó en primicia el trailer de su último largometraje “Lúa vermella” que a los pocos días de la clase magistral fue a presentar oficialmente a la Berlinale - International Film Festival de Berlín de 2020.