Richard García. Cortesía del artista.

ARTE & PALABRA. CONVERSACIONES CON CARLOS DEL AMOR

Hay algo que atrapa la mirada del espectador en la obra de Richard García. No sabría decir si se debe al color, al paisaje reconocible pero indefinido o a las criaturas reales pero con apariencia de imaginarias que habitan ese paisaje. Hay muchas capas por las que perderse en cada una de sus obras y en cada una subyace algo de la anterior, como si estuviese dejado ahí para que podamos seguir el rastro de un proceso creativo en el que el estudio meticuloso y el azar parecen recorrer senderos paralelos sabedores de que se encontrarán en algún punto del camino.

Un brochazo crea un nuevo territorio que quizá tape algo ya realizado pero que no tendría identidad propia si no fuese así, y ese nuevo territorio delimitado por el color ilumina un nuevo camino, una nueva capa, una nueva perspectiva. Se nota el origen callejero de Richard, sus obras tienen el pulso inquieto de alguien que se mueve por el chispazo de una idea a la que seguirá otra nueva, y aspirar hasta el final de una obra que puede parecer infinita porque infinitos son los detalles en los que podemos detenernos.

Claro, él le da importancia al sueño y al final el sueño es eso, una superposición de capas reales que terminan conformando un mundo imposible. Me voy a contradecir, no es un mundo imposible porque el artista lo ha hecho visible y por tanto real. Pintado pero real y preparado para que lo transitemos, sin saber hacia dónde nos lleva.

Reclamo de la naturaleza. Acrílico, óleo, ceras y spray sobre tabla. 2023.

Si tuvieras que definirte en una frase,¿cómo te definirías?

Dicen que definirse es limitarse, por eso es algo que no me gusta hacer. Pero si tuviera que hacerlo, me considero una persona apasionada, disciplinada y comprometida, sobre todo muy perfeccionista.

¿Qué queda del chico que empezó pintando en las paredes de la calle?

Del graffiti queda todo menos el anonimato. En el instituto, hice ciertas amistades que estaban metidas en el mundo del graffiti y me transmitían sus experiencias y anécdotas llenas de adrenalina, y todo eso me contagió mucho las ganas de querer probar la acción de pintar en la calle. Surgió de manera muy natural, el aprendizaje fue autodidacta, de otros compañeros, de artistas urbanos que tenía como referentes. Ni siquiera tenía como referentes a artistas consagrados de la Historia del Arte. Fue un inicio que marcó profundamente mi trayectoria, porque precisamente gracias a esos fue que decidí hacer Bellas Artes y formarme como artista.

En cuanto a las maneras de hacer o de pintar, a día de hoy sigo utilizando sprays, trazos y gestualidades típicas del graffiti, lo único que llevadas a otros soportes, como pueden ser un tablero de madera, un lienzo o muchos otros. Pero sí que es cierto que sigo haciendo referencias en mis obras de elementos que me voy encontrando en la calle y que hacen referencia al graffiti, como pueden ser firmas de escritores, pegatinas o registros propios del arte urbano. Digamos que fue algo con lo que me identifiqué en mis inicios y que sigue estando presente en mi obra a día de hoy.

Verano azul. Acrílico, óleo, ceras y spray sobre tabla. 2023.

Siempre que hablas de tu obra aparece la palabra sueño. En tus cuadros todos los elementos son reconocibles pero conforman una realidad irreal. ¿Cómo se capta, se pinta un sueño?

En realidad, mi proceso creativo surge de manera muy intuitiva, subconsciente. No sé muy bien dónde me va a llevar. Es precisamente ese factor sorpresa de lo inesperado, de lo que surge, lo que hace o considero que hace especial mi obra y lo que se origina en ella. De alguna manera, yo parto de la realidad en la que me muevo y voy recopilando momentos a través de la fotografía para posteriormente, generar una nueva imagen mediante una estrategia de bocetos digitales, donde me doy la libertad de transformarla a partir de la imaginación, de mis deseos y de mis sueños. Porque, al final, ¿quién no sueña, desea, fantasea…? No es tanto qué pinto, sino más bien lo que el espectador quiere interpretar de mi obra.

En los sueños todo se superpone, se atropellan las imágenes, eso se observa en tus cuadros. Es como si no te bastase con una capa, necesitas de varias capas superpuestas para llegar al fondo de lo que quieres contar. Cuando pintas la primera sabes dónde vas a terminar?

Es cierto que mi pintura tiene un poder transformativo de acumulación de capas, así como de pensamientos. Todo comienza como un baile constante entre lo controlado y lo descontrolado. A través de las posibilidades plásticas que me ofrecen los materiales con los que trabajo, desde un primer momento dejo gran espacio al azar y al accidente para que eso genere mil estímulos, que poco a poco irán mutando a través de la superposición de capas desde ese lenguaje más abstracto de la pintura hasta un lenguaje más figurativo o reconocible. Considero que es un diálogo continuo entre eso que te ofrece la pintura de manera casi mágica como un hallazgo, hasta las propias decisiones que tú vas tomando durante ese proceso para llegar a la obra final. Es por ello que la pintura tiene algo mágico que te lleva a lugares que nunca esperabas.

Lo mejor es despertarse sin alarma. Acrílico, óleo, ceras y spray sobre tabla.2023.

Quizá por mera intuición pero tus obras me han traído al pensamiento los cuadros de Richard Estes, es probable que por el uso de los reflejos. Aquí va una pregunta con forma de juego de palabras. ¿Cómo de difícil es reflejar un reflejo en una obra? Y en ese reflejo podemos estar nosotros o una realidad que no existiría salvo reflejada.

Sí, es cierto que los dos utilizamos el concepto de reflejo en nuestras obras, pero yo considero que de manera muy diferente. En el caso de Richard Estes, bajo mi punto de vista, utiliza la fotografía para acercarse al reflejo de manera más fiel, objetiva o literal. Es esa estética del fotorrealismo, del hiperrealismo, lo que le interesa. En su pintura, cada parte del cuadro queda enfocada por igual o con la misma importancia. En mi caso, son las sensaciones que me produce el propio reflejo lo que me interesa. Cuando observo cómo la luz incide en un cristal, se genera una realidad distorsionada, donde los diferentes espacios se solapan unos a los otros, dando lugar a un mundo de fantasía que puede ser imaginado. También, donde la figuración y la abstracción están en constante diálogo, algo parecido sucede en mi pintura. También me interesa mucho la propia plástica de la pintura, las maneras de hacer. Cómo cada parte del cuadro está resuelta y cómo los diferentes lenguajes que surgen en el propio proceso conviven unos con otros.

Hay algo que es importante para mí y es esa lectura que tiene la propia pintura desde las primeras capas y cómo surgen de manera más intuitiva o donde el accidente tiene gran peso, hasta esas últimas capas más gestuales o más cerradas a través de más materia, más figuración. Pero en realidad no es tanto si es fácil o difícil, es más ese propio proceso y todo lo que surge durante él, lo que me lleva a una realidad irreal, a generar una ilusión óptica.

Verde era el silencio. Acrílico, óleo, ceras y spray sobre tabla. 2023.

Tu obra me lleva a lo urbano y sin embargo en todas hay elementos “verdes”, naturaleza. La ciudad es cada vez más gris y menos verde. ¿Hay un intento de inmortalizar espacios en vías de extinción?

Nací en una ciudad donde todo ha ido creciendo y transformándose, al igual que yo también lo he hecho, y eso ha influido en mi identidad o en lo que soy a día de hoy. En ese proceso de salir a caminar en búsqueda de estímulos para llevar a la pintura, surgen reflexiones, vivencias, inquietudes, que inevitablemente serán reflejadas en mi trabajo como una extensión de mí mismo. Es en ese proceso de caminar, en el que me doy cuenta cómo la vida moderna ha ido alejando la naturaleza cada vez más de nuestras vidas. Por ello, genero escenarios contemporáneos en los que animales salvajes - fuera de su hábitat natural - aparecen para hacernos reflexionar sobre la importancia de nuestro origen: la naturaleza.

¿Hacia dónde crees que va tu pintura?

Realmente no lo sé. No es algo que quiera pensar de manera directa. Hacia donde la pintura y el propio proceso me quieran llevar. Es ese factor sorpresa y toda esa magia que tiene la pintura que no puedes controlar, lo que tanto me nutre y espero que hacia una evolución y a seguir haciéndolo con la misma alegría, pasión, ilusión.

El Programa Paralelo de la 21.ª edición de Art Madrid configura un ecosistema conceptual donde convergen teoría, práctica artística y experiencia compartida, transformando el espacio expositivo en un territorio de reflexión crítica y producción simbólica. Esta iniciativa consolida la feria como un organismo efímero capaz de albergar múltiples capas de significado, donde cada elemento arquitectónico, cada obra y cada tránsito del público participan en la construcción colectiva de sentido.

El fundamento teórico de esta edición descansa sobre dos pilares conceptuales complementarios: la atención a lo infraordinario propuesta por Georges Perec en Especies de Espacios y la Poética de la relación de Édouard Glissant. Por un lado la reflexión va encaminada a lo que propone Perec cuando nos invita a detenernos en aquello que habitualmente pasa desapercibido, en los detalles cotidianos que conforman la textura profunda de nuestra experiencia. Aplicada al contexto ferial, esta mirada fragmentaria revela cada muro, pasillo y stand como un microespacio de sentido, una unidad narrativa dentro de un relato coral en constante construcción. La feria emerge así como un archivo temporal que sólo adquiere plenitud en la interacción de quienes lo habitan, transformando lo ordinario en extraordinario mediante el acto mismo de la atención.

Francisco Pereira Coutinho. Prism. 2024. Fotografía. Galeria Sâo Mamede.

Por su parte, Glissant aporta una ética de la diversidad y la interdependencia que resulta especialmente pertinente en el contexto contemporáneo. Su Poética de la relación propone que cada elemento mantiene su singularidad irreductible sin exigir completa comprensión o reducción a categorías conocidas, mientras simultáneamente se transforma en su relación con los demás. Esta concepción relacional sustenta la estructura curatorial del programa, propiciando encuentros, fricciones y diálogos que amplían la comprensión del arte contemporáneo como experiencia compartida y no lineal. La feria deja de ser un conjunto homogéneo para convertirse en un espacio de coexistencia donde la opacidad del otro se respeta y valora como condición de posibilidad del encuentro genuino.

El concepto articulador de distancias imaginarias, - que se produce entre obra y espectador al transitar la feria-, sintetiza ambos marcos teóricos, refiriéndose no solo a la distancia física sino también a los intervalos de atención, los recorridos subjetivos y las microcartografías afectivas que los visitantes trazan al desplazarse por el espacio. Estas distancias invisibles, ausentes de los planos arquitectónicos, conforman una cartografía emocional y sensorial que la feria registra y reconfigura constantemente. Cada visitante genera su propio mapa, su propia narrativa, su particular forma de habitar temporalmente esta especie de espacio.

Desde esta perspectiva, la feria se comprende como una superficie de escritura múltiple donde cada edición deja huellas, borraduras y nuevas inscripciones. Cada fragmento, cada gesto, cada tránsito configura una capa de memoria que transforma la experiencia en un acto de relación y conocimiento. Habitar la feria supone entonces, aprender a mirar lo evidente, reconocer en lo mínimo la posibilidad de lo extraordinario y aceptar que toda experiencia cultural es, simultáneamente, archivo y relación. El espectador asume así una postura activa, transformando la contemplación en un acto de interrogación y cohabitación, donde la obra y el público conviven en una misma poética de la atención.

El Programa Paralelo de Art Madrid'26 se articula a través de una serie de iniciativas que se desarrollarán tanto en la fase previa a la feria como durante los días de celebración del evento, del 4 al 8 de marzo en su sede en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles:

Yoon Weedong. The Sacred 62. Acrílico sobre lienzo. 2025. Banditrazos Gallery.

El programa de entrevistas comisariadas regresa por quinta edición consecutiva, confirmándose como una de las señas de identidad del Programa Paralelo de Art Madrid. En esta ocasión, el comisario y crítico de arte independiente Adonay Bermúdez (Lanzarote, España. 1985) asume la dirección del programa, aportando su amplia trayectoria internacional y su sensibilidad hacia las prácticas artísticas contemporáneas de Iberoamérica.

Conversaciones con Adonay Bermúdez abre un espacio para profundizar en la experiencia y los procesos creativos de los artistas, destacando la diversidad de miradas que conforman el panorama contemporáneo. A través del diálogo, se exploran las motivaciones, inquietudes y dinámicas que atraviesan el trabajo de cada creador, poniendo en valor la importancia de los lugares de encuentro como las galerías y ferias de arte en la difusión y comprensión del arte actual. Esta iniciativa refuerza el compromiso de Art Madrid con la creación contemporánea, ofreciendo al público una oportunidad para acercarse de manera directa y humana a algunas de las voces que dan forma a la propuesta expositiva de la edición.

Los artistas participantes en esta edición representan un amplio espectro de prácticas, lenguajes y sensibilidades dentro del arte contemporáneo. Entre ellos se encuentran: Carmen Baena, representada por la Galería BAT alberto cornejo; Sergio Rocafort, representado por Shiras Galería; Chamo San, representado por Inéditad Gallery; Cedric Le Corf, representado por Loo & Lou Gallery; Daniel Bum, representado por CLC ARTE; Iyán Castaño, representado por la Galería Arancha Osoro; Julian Manzelli (Chu), representado por g•gallery; y el dúo DIMASLA (Diana + Álvaro), representado por la Galería La Mercería. Cada propuesta aporta una mirada singular sobre materiales, formatos y conceptos, conformando una polifonía de voces que enriquece la experiencia del público, invitándolo a explorar nuevas formas de aproximarse a los universos creativos de quienes protagonizan la feria.

Alex Voinea. AVP 1377, Acrílico sobre papel. 2025. Galería Rodrigo Juarranz.

Open Booth: Un espacio para la creación emergente

La tercera edición del Open Booth confirma el compromiso de Art Madrid con la creación emergente, destinando un espacio físico de veintidós metros cuadrados para ser intervenido por un artista en los inicios de su trayectoria profesional. En esta ocasión, el artista invitado es Daniel Barrio (Cuba, 1988), quien desarrollará un proyecto site-specific titulado “Despiece”.

El proyecto Open Booth funciona como una plataforma de visibilización y experimentación, permitiendo que artistas emergentes dialoguen en igualdad de condiciones con las galerías participantes. Este espacio se concibe como una plataforma de exposición donde las ideas pueden materializarse sin las restricciones habituales del mercado, favoreciendo propuestas arriesgadas y procesos creativos en desarrollo. Así, la iniciativa ejemplifica la voluntad de Art Madrid de apoyar nuevas voces, reconociendo que el ecosistema del arte contemporáneo requiere espacios de transición donde los artistas puedan profesionalizarse y ganar visibilidad ante coleccionistas, instituciones y otros agentes del sector. El Open Booth se inscribe, por tanto, dentro de la lógica relacional que sustenta toda la programación de la feria, entendida como un territorio de encuentros posibles donde lo emergente y lo consolidado cohabitan y se enriquecen mutuamente.

La propuesta de Daniel Barrio, es un proyecto site-specific que pone en tensión la historia, la memoria urbana y la materialidad del espacio. La obra se despliega como un archivo reconstruido, donde cada elemento —desde el torso icónico del Belvedere hasta la mesa de cera y los lienzos pigmentados— articula un diálogo entre lo clásico y lo contemporáneo, lo sagrado y lo cotidiano. En esta obra el artista explora la fragilidad de los materiales, la percepción del espectador y la experiencia sensorial: a través de los pigmentos hechos a mano, el mortero, la cal y la cera, elemenos que activan la corporalidad del público, situándolo en un punto de vulnerabilidad y atención profunda. Los lienzos, intervenidos sobre soportes impresos con fragmentos de la ciudad, funcionan como un registro poético de la cultura y el consumo que se transforma en ruina, evocando un espacio simultáneamente interior y exterior.

Marcos Juncal. After Party II. 2025. Instalación. Galería La Mercería.

Espacio Nebrija: NotanIA SipedagogIE

La Universidad Nebrija y Art Madrid se unen por segunda ocasión para presentar un proyecto curatorial resultado del trabajo de los alumnos del Grado de Bellas Artes. El Espacio Nebrija se ha concebido para apoyar a artistas visuales en formación, en su primera incursión en el circuito del arte contemporáneo madrileño. Con el patrocinio de Liquitex, marca referente mundial en acrílico profesional, esta iniciativa representa una oportunidad única para que los artistas en formación puedan integrarse y participar activamente en un evento de relevancia nacional e internacional.

La propuesta curatorial se articula bajo el título "NotanIA SipedagogIE", un neologismo que condensa una reflexión crítica sobre la relación entre pedagogía artística, mercado y tecnología. Frente a la lógica algorítmica de la Inteligencia Artificial, este proyecto propone la noción de Inteligencia Estética: una forma de conocimiento que integra lo sensorial, lo afectivo, lo intuitivo y lo cultural. Se plantea así una pedagogía crítica y empática que se opone a la automatización del pensamiento creativo y promueve una experiencia estética situada pero trashumante.

La metodología se basa en la apropiación poética de versos como punto de partida para la creación de obras sin título, acompañadas de un mood board que documenta el proceso sensible. El stand se concibe como una obra coral y transitoria, inspirada en las Zonas SER de Madrid, donde el arte se convierte en un espacio de tránsito simbólico, resistencia y reflexión sobre el ser, el deseo, la presencia ajena y la ocupación temporal del espacio artístico. Esta propuesta conecta directamente con los fundamentos teóricos de la feria, entendiendo el espacio expositivo como un lugar de negociación constante entre lo individual y lo colectivo.

Fabian Treiber. Strayed. Acrílico, tinta, pastel al óleo, pastel y papel sobre lienzo. 2025. KANT Gallery.

El Ciclo de Performance presenta su cuarta edición bajo el título "Abierto Infinito: Lo que el cuerpo recuerda", una iniciativa orientada a fortalecer la presencia de artistas mujeres dentro del Programa Paralelo. Esta convocatoria se dirige a creadoras con un trabajo performativo que explora las tensiones entre cuerpo, memoria, espacio y tiempo, transformando la feria en un espacio de acogida para experiencias efímeras, fragmentarias y relacionales que expanden los límites perceptivos y simbólicos del espectador.

El proyecto se fundamenta en la teoría de Erving Goffman sobre la vida cotidiana como escenario de actuaciones moduladas, proponiendo que los cuerpos de las artistas funcionen como "fachadas" performativas que configuran el marco de interpretación del público. Las performances dramatizan lo cotidiano, exponiendo tensiones entre lo visible y lo oculto, lo idealizado y el esfuerzo real, mientras articulan estrategias de presencia que revelan o disimulan poder, vulnerabilidad e intimidad.

A partir de estas nociones, el ciclo amplía su horizonte hacia perspectivas posthumanas, decoloniales, queer, rituales y ecológicas, concibiendo la performance como un acto capaz de visibilizar vínculos invisibles y tensiones que atraviesan cuerpos, objetos y contextos. Las artistas invitadas son: Jimena Tercero (Madrid, 1998), Amanda Gatti (Porto Alegre, Brasil,1996), Colectivo La Burra Negra (Conformado por: Sara Gema, Sasha Falcke, Ascen Soto, Gaby Feldman, Regina Carolina y Sofía Barco) y Rocío Valdivieso (Tucumán, Argentina, 1994), cuyas propuestas transformarán la feria en un espacio de acogida para experiencias efímeras, fragmentarias y relacionales que expanden los límites perceptivos y simbólicos del espectador.

"Abierto Infinito..." plantea al cuerpo como un lugar de negociación constante entre lo individual y lo colectivo, donde la efimeridad adquiere densidad simbólica y se manifiesta simultáneamente la fragilidad de la identidad y la potencia del encuentro con los otros. El ciclo propone una investigación sobre las conexiones entre cuerpo, memoria, espacio y tiempo, entendiendo la performance como una práctica que activa lecturas críticas y sensibles sobre las capas simbólicas que nos constituyen. En este sentido, el cuerpo se revela como archivo vivo, como territorio donde se inscriben las marcas de la historia personal y colectiva, donde se negocian pertenencias y resistencias.

Eli Craven. Soap Opera 1. 2023. Impresión de inyección de tinta y marco pintado a mano. KANT Gallery.

Lecturas: Recorridos comisariados

El proyecto "Lecturas. Recorridos comisariados" es una actividad de mediación cultural diseñada para acercar al público visitante a las obras expuestas en el Programa General de Galerías. Las historiadoras del arte y divulgadoras culturales Marisol Salanova y Zuriñe Lafón nos invitan a descubrir nuevas miradas sobre el arte contemporáneo en itinerarios diseñados para acercarnos a las propuestas expositivas de la edición.

Los recorridos temáticos funcionan como dispositivos de apertura, como herramientas que facilitan la comprensión sin imponer lecturas cerradas. Las comisarias trazarán cuatro itinerarios que revelan diálogos inesperados entre obras de diferentes galerías, proponiendo claves interpretativas que enriquecen la mirada sin agotarla.

Esta iniciativa se inscribe dentro de la concepción de la feria como espacio de aprendizaje colectivo, propiciando el acceso al arte contemporáneo, generando condiciones de posibilidad para que un público amplio y diverso pueda disfrutar plenamente de la experiencia. Al mismo tiempo, los recorridos materializan las "distancias imaginarias" que articulan conceptualmente la edición, mostrando que cada discurso curatorial construye una narrativa particular, una forma específica de habitar el espacio expositivo.

Dave Cooper. Arriving at Frederic's. Óleo sobre lienzo. 2024. Est_ArtSpace.

La Quedada. Visita al estudio de Daniel Barrio. Artista invitado al Open Booth de Art Madrid’26

Como antesala a los días de feria, Art Madrid’26 organiza diversas actividades diseñadas para acercar al público al proceso creativo y a los artistas participantes. Una de ellas será la visita al estudio de Daniel Barrio, invitado al proyecto Open Booth. Esta acción permitirá conocer de primera mano el contexto, la metodología y la investigación detrás de su obra, ofreciendo una experiencia cercana y directa que enriquece la relación entre público y creación contemporánea. Los asistentes podrán disfrutar de esta visita en primicia, antes de la participación del artista en la feria.

“Despiece” es la propuesta de Daniel Barrio para Open Booth en Art Madrid’26. La obra funciona como un archivo reconstruido, donde cada elemento —desde el icónico Torso del Belvedere hasta la mesa de cera y los lienzos pigmentados— articula un diálogo entre tradición y contemporaneidad, historia y presente.

Daniel Barrio (Cienfuegos, Cuba, 1988) reside y trabaja en Madrid desde 2014. Formado en pintura en la Academia de Artes Visuales de Cienfuegos y en Dirección de Arte en la Escuela de Cinematografía de Madrid, desarrolla una práctica donde la imagen y el espacio se conciben como constructos de sentido.Su trabajo utiliza técnicas propias que recuerdan al fresco, con pigmentos y soportes elaborados artesanalmente, vinculando cada obra al tiempo y al entorno en que se crea. Explora la memoria urbana, la migración y la construcción de identidad a partir de lo abandonado, resignificando imágenes de prensa y medios para resistir la mercantilización y la vigilancia contemporánea. Su práctica es un gesto pausado y reflexivo, un acto de preservación y diálogo con lo efímero y lo íntimo.

Jordi Larroch. Pide un deseo. 2025. Fotografía. CLC ARTE.

El Programa Paralelo de Art Madrid'26 es una propuesta extensa dentro de un modelo de feria que entiende el arte contemporáneo como experiencia compartida en la que confluyen múltiples agentes, perspectivas y temporalidades. Desde las entrevistas comisariadas hasta el ciclo de performances, desde el Open Booth hasta el Espacio Nebrija, cada iniciativa contribuye a construir una experiencia donde el público se convierte en un participante activo de una comunidad temporal. La feria se revela así como un organismo vivo, otra especie de espacio en constante reconfiguración.

Art Madrid, consciente de su responsabilidad cultural más allá de su dimensión comercial, se propone generar espacios de reflexión, aprendizaje y encuentro, sin renunciar al mercado del arte. El reto consiste en sostener un equilibrio sutil entre la naturaleza efímera de la feria y la densidad de la experiencia estética, consolidando un contexto en el que el arte se percibe como objeto de apreciación, debate y conocimiento.