Uno de los trabajos de diseño que más impacto tiene y que más pronto suele caer en el olvido son los carteles publicitarios. Metros y metros de vallas, tablones de anuncios, marquesinas, banderolas… cubiertos de numerosas capas de papel encolado. Aunque los nostálgicos siempre querrán conservar el de aquel concierto que hizo historia o el de la película que marcó su infancia.

Un grupo de creativos de Bilbao ha lanzado una app que elabora una agenda cultural basándose en los carteles diseñados para anunciar cada una de las actividades: Postwall. Esta iniciativa ya ha superado las 5.000 descargas en sus 5 meses de vida. Con estas cifras, resulta evidente que el poder comunicativo del poster reside en su impacto visual y que el público sigue siendo sensible a la calidad de un buen diseño, algo cada vez más exigente y complicado en un entorno de permanente competencia en la comunicación digital.

Más allá de los fetichistas y coleccionistas que empapelan las paredes de sus cuartos con carteles de sus pequeños “hitos” vitales (¿dónde no hay un cartel de película -especialmente Star Wars o similar- o el de una estrella musical -de Michael Jackson a Beyoncée-?), conviene tener presente que detrás de todo buen cartel hay muchas horas de trabajo. Se trata de armonizar la información con una imagen que impacte, y mucha labor de diseño en la que se condensan las principales tendencias artísticas del momento.

De hecho, un póster puede servir para mucho más que para anunciar una actividad. Puede crear tendencia, influir en el estilo de una época, convertirse en un referente del arte para la posteridad. Así ha sucedido con la estética comunista durante la Guerra Fría, con una cartelería propagandística que hoy recobra actualidad en las manos de autores como Shepard Fairey, aparte de otros ejemplos paradigmáticos como Mucha y sus composiciones Art Decó (a veces es difícil saber qué fue antes, el cartel o el estilo mismo), o la fusión total de tendencias de Víctor Moscoso, un cartelista gallego afincado en California que marcó tendencia en los años 60 hasta generar un estilo inconfundible.

Como explica Patrick San Juan, uno de los fundadores de Postwall, un buen póster anticipa la experiencia del evento que anuncia. Sin embargo, el diseñador gráfico, verdadera alma mater de estos trabajos, pasa totalmente desapercibido y permanece ajeno a la cadena de valor asociada al acontecimiento de que se trate. Esta idea, sumada a la necesidad de poder recopilar en un solo lugar toda la oferta cultural de la ciudad, es lo que motivó la creación de esta aplicación que por ahora, sin llegar al medio año de vida, ya funciona en todo País Vasco, Barcelona y Madrid y sigue ampliándose a Sevilla y Valencia.

ABIERTO INFINITO.LO QUE EL CUERPO RECUERDA. CICLO DE PERFORMANCE X ART MADRID'26

Art Madrid, comprometida con crear un espacio de enunciación para artistas que trabajan en torno a las artes performativas, presenta el ciclo de performance: Abierto Infinito: Lo que el cuerpo recuerda, una propuesta que se inspira en los planteamientos de Erving Goffman en La presentación de la persona en la vida cotidiana (Amorrortu editores, Buenos Aires, 1997). La propuesta se inscribe en un marco teórico que dialoga directamente con dichos planteamientos, donde la interacción social se concibe como un escenario de actuaciones cuidadosamente moduladas para influir en la percepción de los demás. Goffman sostiene que los individuos despliegan expresiones verbales e involuntarias para guiar la interpretación de su conducta, sosteniendo roles y fachadas que definen la situación para quienes observan.

El cuerpo, primer territorio de toda representación, antecede a la palabra y al gesto aprendido. En él se inscriben las experiencias humanas, tanto conscientes como inconscientes. Abierto Infinito: Lo que el cuerpo recuerda parte de esa premisa: en la propia existencia habita la representación, y la vida, entendida como una sucesión de representaciones, transforma al cuerpo en un espacio de negociación constante sobre quiénes somos. En ese tránsito, los límites se desdibujan; lo individual se abre a lo colectivo y lo efímero adquiere una dimensión simbólica. Al habitar ese intersticio, la performance revela simultáneamente la fragilidad de la identidad y la fuerza que emerge del encuentro con los otros.

PERFORMANCE: ALTA FACTURA. COLECTIVO LA BURRA NEGRA

4 de marzo | 19:00h. Galería de Cristal del Palacio de Cibeles.

"Disciplina para el poder”. Performance de La Burra Negra para la pieza: Desplazamiento del Congreso de los Diputados de Roger Bernat. 2025.

Alta Factura subvierte la estructura de la pasarela de moda para reivindicar los procesos invisibles de la creación artística. En esta propuesta, a través de una serie de piezas textiles conceptuales, la performance sitúa bajo el foco el rigor del oficio y la vulnerabilidad del artista, exponiendo —por fin— aquellas costuras que suelen quedar relegadas a la sombra de los bastidores.

Colectivo La Burra Negra.

SOBRE EL COLECTIVO LA BURRA NEGRA

La Burra Negra es un colectivo nómada de Artes de Acción con sede en Málaga, fundado en 2024 tras su primera residencia en Totalán. Está autogestionado por Ascensión Soto Fernández, Gabriela Feldman de la Rocha, Sasha Camila Falcke, Sara Gema Dominguez Castillo, Sofía Barco Sánchez y Regina Lagos González, seis creadoras de diferentes procedencias y trayectorias que se conocieron en el Hospital de Artistas de La Juan Gallery. El colectivo reúne profesionales de joyería, pintura, artes escénicas, música, danza, divulgación y gestión cultural. Su actividad incluye la residencia anual en Totalán, la producción de obras performativas, la mediación cultural y la realización de intervenciones en el territorio. Desde su creación ha participado en las Jornadas Periscopio en La Térmica, ha presentado A granel en el MVA de Málaga, ha realizado diversas acciones en Totalán, la más reciente durante su segunda residencia anual y ha formado parte con sus propias propuestas en la performance Desplazamiento del Congreso de los Diputados de Roger Bernat en Madrid.

En La Burra Negra les mueve la creación colectiva y el intercambio de saberes. Unidas para experimentar y difundir la performance, exploran lo invisible del trabajo artístico: tiempos, esfuerzos y relaciones que normalmente no se ven, como forma de reivindicación.

Su práctica surge del diálogo y del pensamiento compartido, en la búsqueda de espacios descentralizados donde el arte pueda ser vivido y su proceso mostrado. Cada residencia y cada acción son intentos de habitar la creación de manera colectiva, cuestionando la precarización y construyendo redes de cuidado y colaboración que sostienen su práctica y la de quienes les rodean.