PROGRAMA PARALELO ART MADRID’25. TERRITORIO CIUDAD

CICLO DE VÍDEO: CARTOGRAFÍAS DE LA PERCEPCIÓN

En su 20ª edición, Art Madrid dedica su Programa paralelo a explorar la relación entre el ser humano, la arquitectura, la ciudad y el paisaje. Bajo el nombre de Cartografías de la Percepción, esta sección comisariada por la plataforma de Imagen en Movimiento de PROYECTOR presenta una selección de obras internacionales de videoarte que abordan estas interacciones desde perspectivas contemporáneas y críticas. PROYECTOR, plataforma de referencia en la imagen en movimiento, nos invita a formar parte de una experiencia en la que tiempo, espacio y percepción convergen en la pantalla.

La colección presentada este año propone una reflexión sobre las relaciones entre el ser humano y su entorno, los límites entre lo real y lo imaginario, y las tensiones entre lo natural y lo construido. Como citó el crítico John Berger: “El arte es una forma de ver, un descubrimiento constante”. Las piezas seleccionadas no solo son vehículos de belleza plástica, sino también invitaciones a descubrir nuevas maneras de observar, cuestionar y poseer una representación del mundo.

En esta travesía conceptual, The Divine Way de Ilaria Di Carlo evoca el descenso laberíntico inspirado en La Divina Comedia, donde las escaleras mutan como metáforas del tránsito psicológico y arquitectónico.

A su vez, Imitación a la vida de Juan Carlos Bracho utiliza un espejo monumental para explorar el paisaje como reflejo y la imagen como un pozo sin fondo, interrogando nuestra percepción del entorno.

En el árido desierto del lago seco El Mirage, Lukas Marxt inscribe una espiral con un vehículo en su obra Circular Inscription, homenajeando la Land Art mientras cuestiona la huella humana en el paisaje.

Magda Gebhardt, en su performance Atlas, soporta el peso simbólico del mundo mientras construye y destruye paisajes que desafían las nociones de tiempo y espacio, exponiendo el artificio inherente a la imagen.

El viaje introspectivo de Yuchi Hsiao en Somewhere I Belong to Be utiliza coches de juguete desplazándose sobre su rostro para simbolizar una transición personal; mientras que Wafer Bearer Deep Rain de lololol aborda la relación entre tecnología y vida cotidiana en Taiwán, epicentro de la producción global de semiconductores.

Finalmente, Breaking News: The Flooding of the Louvre de Tezi Gabunia ofrece una visión inquietante del museo inundado, anticipando el impacto del cambio climático sobre el patrimonio cultural.

Cada obra de esta selección nos plantea miradas poéticas y filosóficas de la vida e invita a los coleccionistas a poseer una parte de este viaje conceptual. Al adquirir estas piezas, se convierten en custodios de historias y visiones que reflejan y desafían nuestra comprensión del mundo contemporáneo.

SOBRE LAS OBRAS Y LOS ARTISTAS

The Divine Way. Ilaria Di Carlo. 15:00. 2018. 2K color.

The Divine Way. 15:00. 2018. 2K color

The Divine Way inspirada en la Divina Comedia de Dante, esta pieza acompaña a la protagonista en un descenso laberíntico a través de una sucesión interminable de escaleras. Cada paso revela una mutación arquitectónica y psicológica, transformando el paisaje en una trampa visual y emocional. Esta obra ganadora de decenas de premios internacionales es un viaje monumental hacia lo desconocido.

Ilaria Di Carlo. Cortesía de la artista.

llaria Di Carlo

Ilaria Di Carlo (Lacio, 1981) Artista visual, combina cine, escenografía, instalación y artes escénicas en su práctica. Con formación en la Academia de Bellas Artes de Roma y una maestría en escenografía del Central Saint Martin’s College de Londres, también estudió producción de cine digital en Berlín. Su obra explora el viaje, la identidad y su relación con el paisaje y la arquitectura, empleando una estética visual inspirada en la escenografía. Sus cortometrajes han sido premiados y exhibidos internacionalmente, incluyendo su destacada obra The Divine Way. Residente en Berlín, continúa colaborando como diseñadora escénica, directora y actriz en proyectos teatrales experimentales.

Breaking News: The Flooding of the Louvre. Tezi Gabunia. 3:02. 2018-20. 2K color.

Breaking News: The Flooding of the Louvre. 3:02. 2018-20. 2K color

La inundación del Museo del Louvre habla de la cultura de la información y de nuestra percepción fluctuante de los desastres vistos a través de los medios de comunicación. A menudo es difícil evaluar la magnitud del desastre a partir de la cobertura periodística. En la obra "Breaking News", la inundación penetra lentamente en la sala del Louvre, permitiendo al espectador observar gradualmente la destrucción del interior. acerca al espectador a lo que no ha sucedido pero que fácilmente podría haber sucedido, el espectador ve el efecto antes y después de una manera altamente visualizada, que es tan convincente y amenazadora como falsa. La obra presenta una primera situación en la que la información como espectáculo supera la naturaleza aterradora de la catástrofe y donde el acontecimiento real queda abolido. ¿Es la información un nuevo tipo de realidad? ¿Es posible cubrir hechos reales? Estos problemas surgen durante el encuentro de dos situaciones: la destrucción de obras de arte y la espectacularidad de este proceso.

Tezi Gabunia. Foto de Giorgi Nakashidze. Cortesía del artista.

Tezi Gabunia

Tezi Gabunia (Tiflis, 1987) es un artista y arquitecto graduado por la Universidad de Tiflis, conocida por su enfoque sistemático que explora la manipulación cultural a través de diversos medios. Ganador del premio Tsinandali de Artes Visuales en 2016 por su proyecto Put your Head into Gallery, sus obras han sido exhibidas internacionalmente en ciudades como Batumi, Viena, Cracovia y Nueva York. Destacan su participación en la colectiva Story as a Woven Carpet en Berlín y su presentación en la sección Focus del Armory Show en 2020.

Circular inscription. Lukas Marxt. 6:50. 2016. 2K color.

Circular Inscription. 6:50. 2016. 2K color

En el paisaje desértico del lago seco El Mirage, un coche traza círculos incesantes mientras deja huellas imborrables en la superficie. La obra es tanto un homenaje al Land Art de los años sesenta como una reflexión sobre la intervención humana en el paisaje. Las marcas en el suelo evocan obras como el Spiral Jetty de Smithson, trasladando la monumentalidad de la tierra al espacio del videoarte.

Lukas Marxt. Cortesía del artista.

Lukas Marxt

Lukas Marxt (Austria, 1983) es un artista y cineasta que explora la interacción entre la existencia humana y geológica, así como el impacto del hombre en la naturaleza. Con formación en Geografía y Ciencias Ambientales, complementó sus estudios audiovisuales en Linz y obtuvo una maestría en Bellas Artes en Colonia. Sus obras, exhibidas en museos como el Torrance Art Museum y la Bienal de Pintura en Bélgica, combinan artes visuales y cine. Sus películas han sido proyectadas en festivales como la Berlinale, Locarno y Gijón, donde ganó el premio Principado de Asturias. Desde 2017 investiga las dinámicas ecológicas del Mar de Salton en California.

Imitación a la vida. Juan Carlos Bracho. 20:46 2017 HD color.

Imitación a la vida 20:46. 2017. HD. color

Un espejo de gran formato y el acto de borrar su superficie se convierten en una meditación performativa sobre la imagen, el paisaje y la percepción. Bracho confronta al espectador con la naturaleza ilusoria de las imágenes, cuestionando si somos críticos o simples consumidores hipnotizados. Esta narración en plano secuencia nos revela un mundo donde la imagen se transforma en una entidad plástica y mutable.

Juan Carlos Bracho. Cortesía del artista.

Juan Carlos Bracho

Juan Carlos Bracho (Cádiz. 1970 ) explora el espacio, el dibujo como herramienta cartográfica y la circularidad creativa contemporánea. Su obra parte de pequeños gestos repetitivos que generan potentes imágenes sensoriales, transformando la aparente monotonía en escenografías evocadoras. A través de acciones sistemáticas y elementos gráficos mínimos, reflexiona sobre la consolidación de imágenes, el paisaje como transformación simbólica y la experiencia estética como catarsis. Su práctica abarca video, fotografía, instalación, performance, escultura y dibujo, con proyectos que dialogan continuamente, creando una narrativa de espejos paralelos y fugas infinitas.

Atlas. Magda Gebhardt. 6:12. 2012. HD B/N.

Atlas. 6:12. 2012. HD B/N

Al igual que el titán mitológico, Gebhardt soporta el peso del mundo en un proceso continuo de creación y destrucción de paisajes. La performance redefine las nociones de tiempo y espacio, exponiendo el artificio tanto del paisaje como de la imagen, y posicionando al espectador como el eje central desde el que se estructura la percepción.

Magda Gebhardt. Cortesía de la artista.

Magda Gebhardt

Magda Gebhardt (Porto Alegre, 1981). Se graduó en la Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA) – Escuela Superior Nacional de Bellas Artes de Lyon. Es una artista pintora, profesora de la Ecole Nationale Supérieure D’architecture – Escuela Superior Nacional de Arquitectura, en París-Malaquais, donde actualmente vive y trabaja.

Wafer Bearer Deep Rain.lololol (Xia Lin y Sheryl Cheung). 12:00. 2022. 4K color.

Wafer Bearer Deep Rain. 12:00. 2022. 4K color

Explorando la interacción entre tecnología y vida cotidiana, esta obra analiza los fenómenos naturales e industriales de Taiwán como epicentro de la producción global de semiconductores. A través de un video multinarrativo, se establece una relación poética y crítica entre los objetos técnicos y el ser humano.

lololol (Xia Lin y Sheryl Cheung). Cortesía de las artistas.

lololol (Xia Lin y Sheryl Cheung)

lololol es un colectivo artístico taiwanés fundado en 2013 por Xia Lin y Sheryl Cheung, que explora cómo las emociones y la política del cuerpo son moldeadas por culturas tecnológicas, artes marciales y materialismo ontológico. Su enfoque combina la filosofía asiática y prácticas mente-cuerpo como vías alternativas para investigar la interacción entre humanos y tecnología. En 2020 fundaron Future Tao, una plataforma artística para colaboraciones colectivas. Sus proyectos se han presentado en festivales y museos de renombre como Berwick Film and Media Arts Festival (Reino Unido), Taipei Arts Festival, Times Museum (China) y Liquid Architecture (Australia).

Somewhere I belong to be.Yuchi Hsiao. 3:31. 2017.

Somewhere I belong to be. 3:31. 2017

Esta obra explora la liberación emocional a través de un gesto simbólico y pausado. Un coche de juguete recorre el rostro del artista mientras sus manos se extienden más allá del encuadre, reflejando el acto de soltar lo que lo retiene. La tensión entre retención y transformación se materializa en el sutil tirón del coche sobre su cabello. Así, la acción se convierte en una metáfora visual del desprendimiento del pasado y el inicio de un nuevo camino.

Yuchi Hsiao. Cortesía de la artista.

Yuchi Hsiao

Yuchi Hsiao (Kaohsiung, 1986) es una artista especializada en videoarte e instalaciones, con un máster en Arte de los Nuevos Medios por la Universidad Nacional de las Artes de Taipei. Su obra explora la relación entre el individuo y su entorno, enfocándose en los eventos insólitos de la vida cotidiana y proyectando emociones íntimas desde espacios personales como su habitación. Hsiao combina textiles y ropa usada con trabajos en video, extendiendo reflexiones sobre la mente y la vida diaria. Sus obras han sido exhibidas internacionalmente en Francia, Bulgaria, Macao y la Nakanojo Biennale en Japón.

El Ciclo de vídeo Cartografías de la percepción, podrá visitarse en el Espacio Tectónica (Stand D2) durante la semana de la feria. El ciclo, comisariado por la plataforma de Imagen en Movimiento de PROYECTOR, aborda la migración, y la relación entre periferias y centros urbanos, examinando la ciudad como un organismo complejo, a la vez laberinto y Torre de Babel. A través del video, los artistas reflexionan sobre el papel del individuo ante la transformación del espacio arquitectónico y las dinámicas de retroalimentación en un mundo interconectado, invitando al espectador a una lectura expandida de su percepción sobre los espacios que habita. En este diálogo entre imagen y territorio, Cartografías de la percepción traza otros mapas de realidades fragmentadas y abre un espacio de cuestionamiento y sensibilidad crítica, donde la mirada se convierte en el primer paso hacia una nueva comprensión de nuestro entorno.

En Art Madrid estamos encantados de presentar la quinta entrega de nuestro Programa de entrevistas comisariadas. En esta ocasión, el comisario y crítico de arte independiente Adonay Bermúdez (Lanzarote, España. 1985) asume la dirección del programa, aportando su amplia trayectoria internacional y su sensibilidad hacia las prácticas artísticas contemporáneas.

Bajo el título: "Conversaciones con Adonay Bermúdez", nos acercaremos al trabajo de ocho artistas que forman parte de la 21ª edición de la feria. Este programa ofrece la oportunidad de aproximarse a sus procesos creativos, comprender sus fuentes de inspiración y conocer sus visiones sobre el arte contemporáneo. Con ello, reafirmamos nuestro interés por facilitar el encuentro entre el público y la práctica artística, brindando un espacio de reflexión y diálogo durante la Semana de Arte.

ARTISTAS INVITADOS

Carmen Baena (Galería BAT alberto cornejo), Sergio Rocafort (Shiras Galería), Chamo San (Inéditad Gallery), Cedric Le Corf (Loo & Lou Gallery), Daniel Bum (CLC ARTE), Iyán Castaño (Galería Arancha Osoro), Julian Manzelli (Chu) (g · gallery), y DIMASLA (Diana + Álvaro) (Galería La Mercería)

EL DIÁLOGO COMO PRÁCTICA CURATORIAL

Las entrevistas reunidas en esta selección de Art Madrid’26 configuran un mapa coherente de preocupaciones compartidas que se inscriben en prácticas, lenguajes y trayectorias diversas. Lejos de ofrecer un relato homogéneo, los discursos de los ocho artistas revelan afinidades profundas en torno a la experiencia, el tiempo y la relación entre hacer artístico y conocimiento. En todos los casos, el arte se concibe menos como producción de objetos cerrados que como proceso situado: una práctica de atención que se despliega en diálogo con el territorio, la memoria y la propia vulnerabilidad del sujeto.

Uno de los ejes transversales más significativos es la comprensión del territorio como agente activo. Ya sea el paisaje del sur de España, la arena modelada por la marea, el entorno cotidiano o el espacio expositivo, el lugar deja de funcionar como mero fondo para convertirse en interlocutor. Este desplazamiento implica una ética de la escucha: los artistas no imponen una forma previa, sino que operan desde la huella, la marca y la sedimentación temporal. El territorio aparece así como archivo vivo, portador de memorias afectivas, geológicas o culturales que el gesto artístico activa sin clausurarlas.

La mayoría de las prácticas aquí reunidas se sostienen en metodologías abiertas donde la planificación inicial opera como hipótesis y no como programa cerrado. El azar, el error y lo inesperado no son fallos a corregir, sino fuerzas productivas que intervienen directamente en la construcción de sentido. Esta apertura no implica ausencia de rigor, sino una forma distinta de pensamiento: un saber encarnado que emerge del hacer, de la repetición y de la experiencia directa con los materiales.

En este contexto, la materialidad se convierte en un modo de conocimiento. Mármol y bordado, pigmentos expuestos a la intemperie, geometrías inestables, superficies pictóricas silenciosas o figuras reiteradas funcionan como dispositivos de conocimiento sensible. Los materiales no ilustran conceptos, sino que los producen. A través de ellos se articula una tensión constante entre control e intuición, entre contención formal y carga afectiva, que vertebra tanto las prácticas pictóricas como las investigaciones más próximas a lo performativo o lo ecológico.

Frente a la aceleración contemporánea, estas obras proponen pausas activas, proponen espacios de duración, espera y suspensión donde la mirada puede demorarse. El silencio, la quietud y la repetición operan como condiciones para una percepción ampliada, en la que lo mínimo y lo aparentemente insignificante adquieren densidad existencial. En muchos casos, esta temporalidad lenta se vincula a procesos autobiográficos o a estados emocionales complejos, haciendo de la práctica artística una herramienta de elaboración subjetiva y de cuidado.

Las entrevistas realizadas para Art Madrid’26 ponen de relieve la importancia del diálogo directo con el artista como herramienta crítica. Este modelo de entrevista no busca ilustrar la obra desde fuera, sino acompañar su lógica interna, permitiendo que el pensamiento que la sostiene se articule en primera persona. Profundizar en los procesos, las dudas y las decisiones que estructuran la práctica artística no solo enriquece la lectura de las obras, sino que activa un espacio de reflexión compartida donde el arte se afirma como forma de conocimiento vivo, situado y en constante devenir.

Adonay Bermúdez. Crítico y comisario del Programa de entrevistas de Art Madrid'26.

SOBRE LOS ARTISTAS

Carmen Baena (Benalúa de Guadix, Granada, 1967) es una artista multidisciplinar española afincada en Murcia, donde ha desarrollado la mayor parte de su carrera. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, Baena trabaja con técnicas diversas como la escultura en mármol, el bordado sobre papel y lienzo y la experimentación fotográfica, combinándolas en una investigación profunda sobre la habitabilidad del cuerpo, el tiempo y el espacio.

Su obra se inspira en la naturaleza y los paisajes de su infancia en Granada, articulando paisajes espirituales y sensoriales que llevan al espectador a un espacio íntimo, poético y enigmático. En series recientes, el color, el círculo y las suturas de hilo bordado se integran para transmitir sensaciones de movimiento, memoria y emoción, creando experiencias visuales envolventes. Carmen Baena ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en España y en el extranjero, y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas, incluyendo instituciones en las comunidades de Murcia y Valencia, ayuntamientos y museos como el Museo Postal de Madrid.

Sergio Rocafort (Valencia, 1995) es licenciado en Bellas Artes y posee un máster en Producción Artística por la Universitat Politècnica de València. Ha expuesto su obra en espacios como Shiras Galería, el Centro Cultural La Nau, el Centro del Carmen de Cultura Contemporánea, Galería 9, Las Naves y el Palacio Marqués del Campo, todos ubicados en Valencia. Además, ha participado en ferias de arte como la X Feria Marte en Castellón y la XXXII Feria Estampa en Madrid.

Rocafort ha sido finalista en reconocidos certámenes, como la III Bienal de Pintura María Isabel Comengé y el XX Premio de Pintura de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos. Ha recibido un accésit en el XXV Premio Nacional de Pintura Fundación Mainel y en el LXXX Premi Centelles, y ha sido galardonado con premios como el XXVII Premio de Pintura Ciutat d’Algemesí y el XIII Concurso de Artes Plásticas Manolo Valdés entre muchos otros.

Chamo San (Barcelona, 1987) estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, pero no fue hasta después de su paso por las escuelas cuando empezó a buscar realmente un lenguaje propio. Como ilustrador, ha colaborado con numerosos clientes y marcas de prestigio a lo largo de 15 años y como artista ha publicado varios libros y ha expuesto su trabajo en exposiciones individuales y colectivas en Europa y Norteamérica.

Su obra se mueve entre el dibujo y la pintura, con incursiones frecuentes en la autoedición y el trabajo gráfico. Su producción se distingue por un marcado estilo figurativo combinado con exploraciones técnicas y narrativas que nacen siempre de la línea y la trama y poco a poco evolucionan hacia la pincelada y la mancha. Su cosmos se nutre de los apuntes en pequeñas libretas que el propio artista realiza del natural a partir de su entorno cercano y experiencias personales.

Cedric Le Corf (Bühl, Alemania, 1985) se graduó con honores en 2009 en la École Européenne Supérieure d’Art de Lorient (Francia). Vive y trabaja entre Bretaña y otros contextos europeos, desarrollando una práctica artística profundamente vinculada a la escultura y a la reflexión sobre el cuerpo, el paisaje y la memoria. Su obra se inscribe en una investigación constante sobre la materialidad y la imagen, donde lo anatómico y lo territorial se entrelazan como metáforas de la condición humana. Imbuido del legado renano y armoricano, y confrontado al pathos de Grünewald (Baldung Grien), a los ahorcados de Las miserias de la guerra de Jacques Callot, al Ankou y a las danzas macabras de Kernascléden —donde lo animado y lo inanimado se mezclan—, así como al horror de las fosas comunes de Sobibor, Le Corf intenta, mediante la adhesión a un motivo, amortiguar el peso del tema que contienen la escultura, la pintura o el grabado.

Daniel Bum (Villena, 1994) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia (UPV), y desarrolla su práctica pictórica dentro del marco contemporáneo de la nueva figuración, donde confluyen influencias del art brut, la estética naif, el manga y el arte urbano. Su obra configura un territorio híbrido en el que conviven referencias visuales dispares bajo una lógica narrativa profundamente personal y subjetiva.

Alejado de la representación mimética, sus lienzos no ilustran escenas reales, sino que reformulan fragmentos de memoria, estados emocionales y pensamientos a través de un lenguaje visual directo y deliberadamente esquemático. En esta construcción simbólica, lo vivido se entrelaza con lo ficticio, generando imágenes cargadas de ambigüedad y resonancia afectiva. Sus composiciones están habitadas por figuras solitarias, representadas frontalmente, con miradas ausentes y gestos mínimos que acentúan su vulnerabilidad. Estos personajes, de apariencia accesible y casi entrañable, revelan sin embargo una dimensión enigmática, marcada por una tensión latente. Esa ambivalencia —entre lo tierno y lo inquietante, lo familiar y lo inexplicable— es una de las claves expresivas de su trabajo.

Ha participado en exposiciones y ferias de arte como Obertura Carabanchel 2025, Apertura Madrid 2025 junto a la galería Valenciana CLC arte. Ese mismo año formó parte de Zokei, junto a CLC ARTE. En 2024 inauguró su primera exposición individual Mamá, estoy bien, en Valencia. Ese mismo año participó en Detrás de la Piel, en el festival de arte contemporáneo FIC, en Villena.

Iyán Castaño (Oviedo, 1996) es graduado en Bellas Artes por la UPV/EHU (2022) y maestro de taller en grabado y técnicas de estampación por la EAO (2018). Su práctica artística explora la relación entre naturaleza, mar y territorio, utilizando principalmente la pintura y la instalación como medios de trabajo.

Ha sido galardonado con el Premio Asturias Joven de Artes Plásticas, el Segundo Premio del XX Certamen Nacional de Arte Contemporáneo Casimiro Baragaña, ha obtenido una beca de producción de Caja Rural y del Ayuntamiento de Gijón, entre otros. Su obra forma parte del Patrimonio Artístico de la Casa Real y de la colección del Museo de Bellas Artes de Asturias, además de otras colecciones institucionales en Europa y América. Ha sido finalista en certámenes como el LVI Certamen Internacional de Arte de Luarca, Nicanor Piñole y Acor Castilla y León.

Ha realizado exposiciones individuales en espacios como Sala Borrón, Casa de Cultura de Llanes, Espacio Cultural El Liceo, Galería Arancha Osoro, Kultur Leioa, Sala Lai..., y ha participado en ferias como Estampa y Art Madrid. Su trabajo ha sido comisariado por Natalia Alonso, Luis Feas, Santiago Martínez, Ainhoa Janices y Eliza Southwood, y ha desarrollado residencias artísticas en España y Ecuador.

Julián Manzelli (Chu) (Buenos Aires, Argentina, 1974) es un artista visual multidisciplinar cuya práctica explora la intersección entre vida urbana, ciencia y naturaleza mediante construcciones geométrico-expresionistas que oscilan entre lo figurativo y lo abstracto. Concibe el taller como un laboratorio de experimentación, desarrollando su obra en pintura, escultura, objeto, grabado y espacio público a través del muralismo y la intervención. Actualmente reside en Barcelona.

Se formó en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires (UBA), donde ejerció la docencia durante más de doce años. Desde 1998 forma parte del colectivo DOMA, pionero del arte urbano conceptual en Latinoamérica, con obras incluidas en colecciones y museos internacionales como MoMA (Nueva York), MALBA (Buenos Aires), MAR (Río de Janeiro) y MARCO (Rosario).

En su trayectoria independiente, ha expuesto en instituciones como MASP (São Paulo), MARCO (Monterrey), La Casa Encendida (Madrid) y CEART Fuenlabrada (Madrid), consolidándose como una figura relevante del arte contemporáneo que combina rigor conceptual y exploración estética en múltiples soportes y espacios.

DIMASLA (Valencia, 2018), es el colectivo formado por Diana Lozano y Álvaro Jaén, desarrolla su práctica a partir de una reflexión sobre cómo habitar el mundo de manera más equilibrada, entendiendo la realidad como una red interconectada entre seres, espacios y objetos. Inspirados por autores como Nancy, Bachelard y Dewey, su trabajo se basa en la co-creación con el entorno, donde elementos como la atmósfera, la flora, la fauna o el paso de las estaciones actúan como agentes activos. Proyectos como Mono no aware ejemplifican esta relación directa entre pintura y paisaje.

Con formación en Bellas Artes y un Máster en Producción Artística por la UPV, complementado con estancias en Italia y Chile, su trayectoria ha sido reconocida con premios como el 1º Premio de Pintura de la Universidad de Murcia (2025), el Premio Arte en la Casa Bardín (2023) y las Ayudas del Ministerio de Cultura (2020). Han realizado exposiciones individuales en Valencia y Alicante, participado en ferias como Art Basel Miami Beach y Untitled Miami, y formaron parte del RinkoKaku Project en Japón. Su obra figura en colecciones como la Generalitat Valenciana, DKV, Banc Sabadell, Fundación Gabarrón y la Universidad de Murcia.

Adonay Bermúdez. Comisario y crítico de arte independiente.

SOBRE ADONAY BERMÚDEZ

Adonay Bermúdez (Lanzarote, España. 1985) Ha comisariado exposiciones para MEIAC (España), Centre del Carme (España), Casa África (España), Centro Cultural de España en México, Museo Barjola (España), Museo Nacional de Costa Rica, Sala Díaz (EEUU), CAAM (España), Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica, Centro de Cultura Contemporánea Condeduque (España), Instituto Cervantes de Roma (Italia), Bòlit Centre d’Art Contemporani (España), DA2 (España), X Biennale di Soncino (Italia), Artpace San Antonio (EEUU), MUDAS – Museo de Arte Contemporânea da Madeira (Portugal), Centro de Cultura Digital (México), TEA Tenerife Espacio de las Artes (España), Centro de Arte Contemporáneo de Quito (Ecuador) o ExTeresa Arte Actual (México), entre otros.

Fue director del Festival Internacional de Videoarte “Entre islas” (2014-2017), comisario invitado de PlanoLisboa 2016 (Portugal), Scientific Committee de Over The Real International Videoart Festival (Italia, 2016, 2017 y 2018), comisario en 2018 de Contemporary Art Month de San Antonio (Texas, EE.UU.), comisario colaborador de la Fundación César Manrique (España, 2019-2024), comisario de INJUVE 2022 (Gobierno de España) y Director Artístico de la XI Bienal de Arte de Lanzarote 2022/2023.

Recientemente ha resultado ganador del Concurso de Comisarios Línea 2 del Casal Solleric de Mallorca (España, 2020), del Concurso de Proyectos Culturales Gran Canaria Espacio Digital (España, 2020), de la Beca de Investigación Artística de CAAM – Centro Atlántico de Arte Moderno (España, 2020), de Komisario Berriak Tabakalera (España, 2021), de VO Concurso de Comisarios de la Comunidad Valenciana (España, 2023) y del IV Open Call Comisariado de la Universidad Nebrija (España, 2025).

Actualmente crítico de arte para ABC Cultural y Revista Segno. Ha impartido conferencias o talleres en la Universidad del Atlántico (Colombia), MACRO Museo d'Arte Contemporanea di Roma (Italia), Universidad Complutense de Madrid (España) o Universidade da Madeira (Portugal), entre otros. Ha recibido becas de residencia en The Window Paris (Francia), Foksal Gallery (Polonia), Les Abattoirs (Francia), SOMA (México), The Casa Chuck Residency (EEUU), Plataforma Caníbal (Colombia) o No-Lugar (Ecuador), entre otras.