PROGRAMA PARALELO ART MADRID’25. TERRITORIO CIUDAD

CICLO DE VÍDEO: CARTOGRAFÍAS DE LA PERCEPCIÓN

En su 20ª edición, Art Madrid dedica su Programa paralelo a explorar la relación entre el ser humano, la arquitectura, la ciudad y el paisaje. Bajo el nombre de Cartografías de la Percepción, esta sección comisariada por la plataforma de Imagen en Movimiento de PROYECTOR presenta una selección de obras internacionales de videoarte que abordan estas interacciones desde perspectivas contemporáneas y críticas. PROYECTOR, plataforma de referencia en la imagen en movimiento, nos invita a formar parte de una experiencia en la que tiempo, espacio y percepción convergen en la pantalla.

La colección presentada este año propone una reflexión sobre las relaciones entre el ser humano y su entorno, los límites entre lo real y lo imaginario, y las tensiones entre lo natural y lo construido. Como citó el crítico John Berger: “El arte es una forma de ver, un descubrimiento constante”. Las piezas seleccionadas no solo son vehículos de belleza plástica, sino también invitaciones a descubrir nuevas maneras de observar, cuestionar y poseer una representación del mundo.

En esta travesía conceptual, The Divine Way de Ilaria Di Carlo evoca el descenso laberíntico inspirado en La Divina Comedia, donde las escaleras mutan como metáforas del tránsito psicológico y arquitectónico.

A su vez, Imitación a la vida de Juan Carlos Bracho utiliza un espejo monumental para explorar el paisaje como reflejo y la imagen como un pozo sin fondo, interrogando nuestra percepción del entorno.

En el árido desierto del lago seco El Mirage, Lukas Marxt inscribe una espiral con un vehículo en su obra Circular Inscription, homenajeando la Land Art mientras cuestiona la huella humana en el paisaje.

Magda Gebhardt, en su performance Atlas, soporta el peso simbólico del mundo mientras construye y destruye paisajes que desafían las nociones de tiempo y espacio, exponiendo el artificio inherente a la imagen.

El viaje introspectivo de Yuchi Hsiao en Somewhere I Belong to Be utiliza coches de juguete desplazándose sobre su rostro para simbolizar una transición personal; mientras que Wafer Bearer Deep Rain de lololol aborda la relación entre tecnología y vida cotidiana en Taiwán, epicentro de la producción global de semiconductores.

Finalmente, Breaking News: The Flooding of the Louvre de Tezi Gabunia ofrece una visión inquietante del museo inundado, anticipando el impacto del cambio climático sobre el patrimonio cultural.

Cada obra de esta selección nos plantea miradas poéticas y filosóficas de la vida e invita a los coleccionistas a poseer una parte de este viaje conceptual. Al adquirir estas piezas, se convierten en custodios de historias y visiones que reflejan y desafían nuestra comprensión del mundo contemporáneo.

SOBRE LAS OBRAS Y LOS ARTISTAS

The Divine Way. Ilaria Di Carlo. 15:00. 2018. 2K color.

The Divine Way. 15:00. 2018. 2K color

The Divine Way inspirada en la Divina Comedia de Dante, esta pieza acompaña a la protagonista en un descenso laberíntico a través de una sucesión interminable de escaleras. Cada paso revela una mutación arquitectónica y psicológica, transformando el paisaje en una trampa visual y emocional. Esta obra ganadora de decenas de premios internacionales es un viaje monumental hacia lo desconocido.

Ilaria Di Carlo. Cortesía de la artista.

llaria Di Carlo

Ilaria Di Carlo (Lacio, 1981) Artista visual, combina cine, escenografía, instalación y artes escénicas en su práctica. Con formación en la Academia de Bellas Artes de Roma y una maestría en escenografía del Central Saint Martin’s College de Londres, también estudió producción de cine digital en Berlín. Su obra explora el viaje, la identidad y su relación con el paisaje y la arquitectura, empleando una estética visual inspirada en la escenografía. Sus cortometrajes han sido premiados y exhibidos internacionalmente, incluyendo su destacada obra The Divine Way. Residente en Berlín, continúa colaborando como diseñadora escénica, directora y actriz en proyectos teatrales experimentales.

Breaking News: The Flooding of the Louvre. Tezi Gabunia. 3:02. 2018-20. 2K color.

Breaking News: The Flooding of the Louvre. 3:02. 2018-20. 2K color

La inundación del Museo del Louvre habla de la cultura de la información y de nuestra percepción fluctuante de los desastres vistos a través de los medios de comunicación. A menudo es difícil evaluar la magnitud del desastre a partir de la cobertura periodística. En la obra "Breaking News", la inundación penetra lentamente en la sala del Louvre, permitiendo al espectador observar gradualmente la destrucción del interior. acerca al espectador a lo que no ha sucedido pero que fácilmente podría haber sucedido, el espectador ve el efecto antes y después de una manera altamente visualizada, que es tan convincente y amenazadora como falsa. La obra presenta una primera situación en la que la información como espectáculo supera la naturaleza aterradora de la catástrofe y donde el acontecimiento real queda abolido. ¿Es la información un nuevo tipo de realidad? ¿Es posible cubrir hechos reales? Estos problemas surgen durante el encuentro de dos situaciones: la destrucción de obras de arte y la espectacularidad de este proceso.

Tezi Gabunia. Foto de Giorgi Nakashidze. Cortesía del artista.

Tezi Gabunia

Tezi Gabunia (Tiflis, 1987) es un artista y arquitecto graduado por la Universidad de Tiflis, conocida por su enfoque sistemático que explora la manipulación cultural a través de diversos medios. Ganador del premio Tsinandali de Artes Visuales en 2016 por su proyecto Put your Head into Gallery, sus obras han sido exhibidas internacionalmente en ciudades como Batumi, Viena, Cracovia y Nueva York. Destacan su participación en la colectiva Story as a Woven Carpet en Berlín y su presentación en la sección Focus del Armory Show en 2020.

Circular inscription. Lukas Marxt. 6:50. 2016. 2K color.

Circular Inscription. 6:50. 2016. 2K color

En el paisaje desértico del lago seco El Mirage, un coche traza círculos incesantes mientras deja huellas imborrables en la superficie. La obra es tanto un homenaje al Land Art de los años sesenta como una reflexión sobre la intervención humana en el paisaje. Las marcas en el suelo evocan obras como el Spiral Jetty de Smithson, trasladando la monumentalidad de la tierra al espacio del videoarte.

Lukas Marxt. Cortesía del artista.

Lukas Marxt

Lukas Marxt (Austria, 1983) es un artista y cineasta que explora la interacción entre la existencia humana y geológica, así como el impacto del hombre en la naturaleza. Con formación en Geografía y Ciencias Ambientales, complementó sus estudios audiovisuales en Linz y obtuvo una maestría en Bellas Artes en Colonia. Sus obras, exhibidas en museos como el Torrance Art Museum y la Bienal de Pintura en Bélgica, combinan artes visuales y cine. Sus películas han sido proyectadas en festivales como la Berlinale, Locarno y Gijón, donde ganó el premio Principado de Asturias. Desde 2017 investiga las dinámicas ecológicas del Mar de Salton en California.

Imitación a la vida. Juan Carlos Bracho. 20:46 2017 HD color.

Imitación a la vida 20:46. 2017. HD. color

Un espejo de gran formato y el acto de borrar su superficie se convierten en una meditación performativa sobre la imagen, el paisaje y la percepción. Bracho confronta al espectador con la naturaleza ilusoria de las imágenes, cuestionando si somos críticos o simples consumidores hipnotizados. Esta narración en plano secuencia nos revela un mundo donde la imagen se transforma en una entidad plástica y mutable.

Juan Carlos Bracho. Cortesía del artista.

Juan Carlos Bracho

Juan Carlos Bracho (Cádiz. 1970 ) explora el espacio, el dibujo como herramienta cartográfica y la circularidad creativa contemporánea. Su obra parte de pequeños gestos repetitivos que generan potentes imágenes sensoriales, transformando la aparente monotonía en escenografías evocadoras. A través de acciones sistemáticas y elementos gráficos mínimos, reflexiona sobre la consolidación de imágenes, el paisaje como transformación simbólica y la experiencia estética como catarsis. Su práctica abarca video, fotografía, instalación, performance, escultura y dibujo, con proyectos que dialogan continuamente, creando una narrativa de espejos paralelos y fugas infinitas.

Atlas. Magda Gebhardt. 6:12. 2012. HD B/N.

Atlas. 6:12. 2012. HD B/N

Al igual que el titán mitológico, Gebhardt soporta el peso del mundo en un proceso continuo de creación y destrucción de paisajes. La performance redefine las nociones de tiempo y espacio, exponiendo el artificio tanto del paisaje como de la imagen, y posicionando al espectador como el eje central desde el que se estructura la percepción.

Magda Gebhardt. Cortesía de la artista.

Magda Gebhardt

Magda Gebhardt (Porto Alegre, 1981). Se graduó en la Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA) – Escuela Superior Nacional de Bellas Artes de Lyon. Es una artista pintora, profesora de la Ecole Nationale Supérieure D’architecture – Escuela Superior Nacional de Arquitectura, en París-Malaquais, donde actualmente vive y trabaja.

Wafer Bearer Deep Rain.lololol (Xia Lin y Sheryl Cheung). 12:00. 2022. 4K color.

Wafer Bearer Deep Rain. 12:00. 2022. 4K color

Explorando la interacción entre tecnología y vida cotidiana, esta obra analiza los fenómenos naturales e industriales de Taiwán como epicentro de la producción global de semiconductores. A través de un video multinarrativo, se establece una relación poética y crítica entre los objetos técnicos y el ser humano.

lololol (Xia Lin y Sheryl Cheung). Cortesía de las artistas.

lololol (Xia Lin y Sheryl Cheung)

lololol es un colectivo artístico taiwanés fundado en 2013 por Xia Lin y Sheryl Cheung, que explora cómo las emociones y la política del cuerpo son moldeadas por culturas tecnológicas, artes marciales y materialismo ontológico. Su enfoque combina la filosofía asiática y prácticas mente-cuerpo como vías alternativas para investigar la interacción entre humanos y tecnología. En 2020 fundaron Future Tao, una plataforma artística para colaboraciones colectivas. Sus proyectos se han presentado en festivales y museos de renombre como Berwick Film and Media Arts Festival (Reino Unido), Taipei Arts Festival, Times Museum (China) y Liquid Architecture (Australia).

Somewhere I belong to be.Yuchi Hsiao. 3:31. 2017.

Somewhere I belong to be. 3:31. 2017

Esta obra explora la liberación emocional a través de un gesto simbólico y pausado. Un coche de juguete recorre el rostro del artista mientras sus manos se extienden más allá del encuadre, reflejando el acto de soltar lo que lo retiene. La tensión entre retención y transformación se materializa en el sutil tirón del coche sobre su cabello. Así, la acción se convierte en una metáfora visual del desprendimiento del pasado y el inicio de un nuevo camino.

Yuchi Hsiao. Cortesía de la artista.

Yuchi Hsiao

Yuchi Hsiao (Kaohsiung, 1986) es una artista especializada en videoarte e instalaciones, con un máster en Arte de los Nuevos Medios por la Universidad Nacional de las Artes de Taipei. Su obra explora la relación entre el individuo y su entorno, enfocándose en los eventos insólitos de la vida cotidiana y proyectando emociones íntimas desde espacios personales como su habitación. Hsiao combina textiles y ropa usada con trabajos en video, extendiendo reflexiones sobre la mente y la vida diaria. Sus obras han sido exhibidas internacionalmente en Francia, Bulgaria, Macao y la Nakanojo Biennale en Japón.

El Ciclo de vídeo Cartografías de la percepción, podrá visitarse en el Espacio Tectónica (Stand D2) durante la semana de la feria. El ciclo, comisariado por la plataforma de Imagen en Movimiento de PROYECTOR, aborda la migración, y la relación entre periferias y centros urbanos, examinando la ciudad como un organismo complejo, a la vez laberinto y Torre de Babel. A través del video, los artistas reflexionan sobre el papel del individuo ante la transformación del espacio arquitectónico y las dinámicas de retroalimentación en un mundo interconectado, invitando al espectador a una lectura expandida de su percepción sobre los espacios que habita. En este diálogo entre imagen y territorio, Cartografías de la percepción traza otros mapas de realidades fragmentadas y abre un espacio de cuestionamiento y sensibilidad crítica, donde la mirada se convierte en el primer paso hacia una nueva comprensión de nuestro entorno.

La obra de Julian Manzelli (Chu) (Buenos Aires, Argentina, 1974) se sitúa en un territorio de investigación donde el arte adopta metodologías próximas al pensamiento científico sin renunciar a su dimensión poética y especulativa. Su práctica se estructura como un proceso abierto de experimentación, en el que el taller funciona como laboratorio: un espacio de ensayo, error y verificación, más orientado a la producción de nuevas formas de percepción que a la obtención de certezas. En este sentido, su trabajo dialoga con una epistemología de la incertidumbre, afín a tradiciones filosóficas que entienden el conocimiento como devenir y no como cierre.

Manzelli explora zonas intersticiales, entendidas como espacios de tránsito y transformación. Estas áreas ambiguas no se presentan como indefinición, sino como potencia: lugares donde las categorías se disuelven y permiten la emergencia de configuraciones híbridas, casi alquímicas, que reprograman la mirada.

La geometría, lejos de operar como sistema normativo, aparece tensionada y desestabilizada. Sus construcciones precarias articulan un cruce entre intuición y razón, juego e ingeniería, evocando una gramática universal presente tanto en la naturaleza como en el pensamiento simbólico. Así, las obras de Manzelli no representan el mundo, sino que lo transfiguran, activando preguntas más que respuestas cerradas.

Avícola. Escultura magnética. Madera, imanes, laca automotriz y acero. 45 x 25 cm. 2022.

La ciencia y sus métodos inspiran tu proceso. ¿Qué tipo de paralelismos encuentras entre el pensamiento científico y la creación artística?

La ciencia y el arte son dos disciplinas que creo tienen mucho en común y sin duda están muy interrelacionadas. A mí me interesa ese cruce y a pesar de que muchas veces se ponen en lugares opuestos, creo que comparten y tienen un mismo origen. En ambos está esa búsqueda continua, esa necesidad de respuestas que viene desde la curiosidad, no tanto desde la certeza y que a veces, o en muchos casos, tanto a los artistas como a los científicos, los lleva a ponerse en lugares incómodos e inciertos y a salirse de su zona de confort. Creo que eso es algo en común y muy interesante de estas dos disciplinas que de alguna forma son las que nos definen como humanos.

En ese sentido, ambas comparten la experimentación como eje de su práctica. La prueba, el error, los ensayos y todo este proceso son los que van generando el desarrollo. En mi caso, esto se aplica al taller: lo vivo como un laboratorio donde se desarrollan distintos proyectos, donde voy testeando materiales. Es como si uno genera una hipótesis y luego la pusiera a prueba: los materiales, los procedimientos, las formas, los colores, y se obtienen resultados. Resultados que no buscan ser verificados, sino que en el arte tienen, creo yo, la función de generar nuevos modos de percepción, nuevas miradas y experiencias.

Receptor Lunar #01. Ensamble de Madera Reciclada torneada. 102 x 26 x 26 cm. De la serie Fuerza orgánica. 2023.

Trabajas desde los intersticios entre lo natural y lo artificial, lo figurativo y lo abstracto. ¿Qué te interesa de esas zonas ambiguas y qué tipo de conocimiento emergen de ellas?

Siempre fui bastante inquieto y eso me llevó a meterme y sumergirme en distintos ámbitos, distintas disciplinas. Creo que hay una riqueza especial en los lugares intersticiales, en el ida y vuelta, en la circulación entre medios. Siempre me llamaron la atención estos espacios, los lugares ambiguos, los lugares híbridos. Creo que hay algo de la lógica anfibia, los anfibios como entidades que llevan y traen información, que comparten, que atraviesan límites y membranas. Es algo, en mi caso, que está vinculado a lo que entiendo como libertad, sobre todo en un momento de encasillamiento, de etiquetas y donde el concepto de libertad ha sido totalmente transgiversado.

Y después, por otro lado, en el plano más metafísico, en la mezcla, en ese mix es donde aparece la energía viva de crear algo nuevo, que sin duda es como la base de lo humano. Entonces es como que “una cosa se hace cosa fuera del molde". Y es necesaria esa interacción para romper estructuras, armar otras, transmutarse; tiene algo como alquímico. Yo creo que el enemigo es la fijación. De alguna manera lo ambiguo es lo que permite reprogramar la mirada y generar nuevos puntos de vista.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

El movimiento, la repetición y la secuencia aparecen como estrategias visuales. ¿Qué papel cumple la serialidad en la generación de significado?

El movimiento, la repetición y la secuencia están muy presentes en mi trabajo. Yo tengo un largo background en el mundo de la animación y, de alguna forma, ese interés comienza a filtrarse en las demás disciplinas en las que me desempeño. Así, el movimiento aparece también en mi obra dentro de las artes visuales.

La serialidad es como una forma de pensar el tiempo y de introducir cierta narrativa y acción en la obra, al mismo tiempo que creo que condiciona la experiencia del espectador, lo invita a intentar descifrar cierta repetición como una especie de progresión. Me interesa, en particular, la narrativa más abstracta. En este tipo de narrativa, donde no hay figuración clara, la repetición empieza a marcar un pulso, un “beat” que señala el paso del tiempo. Lo interesante, creo, es que nos damos cuenta de que repetir no es exactamente duplicar, y que lo idéntico comienza a mutar a lo largo del tiempo, del ritmo o de su propia historia.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

Trabajas con sistemas geométricos y constructivos. ¿Qué papel cumple la geometría como lenguaje simbólico dentro de tu trabajo?

La geometría está presente en mi obra de múltiples formas y dimensiones, generando distintas dinámicas. Por lo general, suelo ponerla en crisis, en tensión. Si uno se adentra en mis obras, se da cuenta de que predominan construcciones en equilibrio impreciso e inestable; no busco lo simétrico ni lo exacto, sino una construcción dinámica que plantea una situación. No lo concibo como un sistema rígido.

Creo que ahí se establece un puente entre lo intuitivo y lo racional, entre lo lúdico -el juego- y la ingeniería, como esos cruces inesperados. Al mismo tiempo, la geometría funciona como un código, un lenguaje que nos conecta con una gramática universal presente en la naturaleza, en los fractales, y que sin duda remite al simbolismo. Es ahí donde se abre un portal interesante en el que la obra empieza a resignificar y a darse como un proceso de significación externo a sí misma, totalmente incierto. El resultado de mis obras no son piezas que representan; más bien, creo que son piezas que transfiguran y que, de alguna manera, generan preguntas.

WIP. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de contrucción. 2022.

¿Hasta qué punto planificas tus obras y cuánto espacio dejas para que ocurra lo inesperado o, incluso, al error?

Con respecto a la planificación, es algo que depende bastante del proyecto y del día. Hay proyectos que, por su envergadura o complejidad, requieren planificación, sobre todo cuando involucran a otras personas que deben participar. Sin duda, en muchos casos la planificación es fundamental.

En los proyectos que suelo planificar, siempre me interesa dejar un espacio para la improvisación, donde pueda jugar un poco el azar o el devenir del propio proceso. Creo que ahí empiezan a surgir cosas interesantes, y es importante no dejarlas pasar. Personalmente, me aburriría mucho trabajar en obras cuyo resultado ya conozco de antemano. La realización de cada obra es, para mí, un viaje incierto; no sé hacia dónde me llevará, y creo que ahí reside el potencial y lo interesante, no solo para mí, sino también para la obra misma y la experiencia del espectador.