Art Madrid'25 – ANTONIO OVEJERO: PULSIONES COSTUMBRISTAS

Antonio Ovejero

CONVERSACIONES CON MARISOL SALANOVA. PROGRAMA DE ENTREVISTAS. ART MADRID’25

Antonio Ovejero (Valencia, 1999) investiga sobre la memoria y el rescate de las escenas que residen en nuestro imaginario colectivo en torno a lo sublime de la cotidianidad. Le fascinan las señoras con joyas y bolsos grandes, los vestidos de estampados geométricos y los peinados extravagantes que conectan varias épocas. A través de la estética kitsch busca lo ostentoso en lo costumbrista, lo llamativo y pretencioso que sin embargo es más común y cercano de lo que cabría esperar.

Realiza retratos en los que el detalle de las manos es revelador, también de los objetos que estas sujetan, como por ejemplo un bolso retro. La iconografía del estampado como recurso identitario y estético es una constante en su producción. Para él, la unión de la vejez, lo cotidiano y lo elegante es una imagen recurrente. Define su proyecto pictórico como neo pop costumbrista.

¿Qué rol juega la experimentación en tu proceso creativo?

Creo que la experimentación es muy importante para cualquier artista, ya que es la forma en que se encuentran los recursos y las maneras de representar lo que se quiere contar. En mi caso, desde que comencé a pintar, he utilizado diferentes técnicas para obtener los resultados que buscaba.

La pintura al óleo es la que predomina en mi obra. Siempre he usado esta técnica porque me siento más cómodo con ella y considero que es la que me da el resultado que quiero lograr. Sin embargo, cuando decidí incorporar el estampado en mi obra, busqué maneras de representarlo de una forma más contemporánea.

Inicialmente opté por la transferencia fotográfica, pues me parecía un recurso interesante que complementaba bien la pintura al óleo. Sin embargo, más adelante decidí que quería que la obra fuera completamente plástica y que la pintura fuera lo que predominara. Por eso, comencé a trabajar con la serigrafía, una técnica de estampado que me permitía obtener resultados más precisos y que se integraba bien con la pintura al óleo.

En esta técnica, usaba pintura acrílica, ya que seca más rápido y genera un margen de error mayor, pero también requiere un proceso bastante largo que no solo consiste en pintar. Fue entonces cuando descubrí el estarcido, una técnica en la que creo diseños con Illustrator y luego los corto con una cortadora láser. Este estampado hace que la pintura sea más orgánica y rápida. Así, sigo buscando y experimentando hasta encontrar los recursos que hacen que la pintura sea completa.

Creo que el uso de diferentes técnicas en una obra la enriquece mucho. Actualmente, me estoy enfocando en encontrar una forma directa de combinar la pincelada con el estampado. Estoy explorando estampados animal print, que son más orgánicos y generan una unión directa entre la pintura y el acto de pintar.


Siempre bolsos y tacones a juego. 2024 Óleo sobre tabla 180 x 140 cm.


¿Cuáles son tus referentes?

Bueno, para hablar de mis referentes creo que debo dividirlos entre los de mi entorno y los externos. Nací en una familia en la que mi padre era pintor y mi hermano Miguel Ángel también lo es, por lo que la pintura ha sido algo presente desde que era muy pequeño. Además, siempre conté con el apoyo de mi madre para dedicarme al mundo del arte y pasé mucho tiempo con mi abuela, que es modista. Así, todo lo relacionado con lo textil, los retales y el estampado siempre me ha llamado la atención y he intentado plasmarlo en mi obra.

En cuanto a los referentes externos, en la pintura, me vienen a la mente artistas como Marten Ant y David Storey, que trabajan a partir del archivo fotográfico, o Juan Ugalde, que interviene fotografías generando nuevas narrativas, al igual que Gerard Richter, cuya pintura está muy vinculada a la fotografía. Creo que esa unión entre la fotografía y la pintura es muy interesante. También considero que mi obra tiene una fuerte conexión con ciertos planos cinematográficos o fotográficos. En ese sentido, destacó a Martín Parr, un fotógrafo que narra escenas cotidianas en la playa, capturando detalles como manos arrugadas, por ejemplo.

Otro referente es Eric Persona, un fotógrafo de Milán que trata la cotidianidad desde una perspectiva en la que une lo extravagante con lo mundano, creando imágenes muy interesantes. También me inspira Thandiwe Muriu, una fotógrafa de Kenia que crea imágenes donde el estampado se fusiona con el modelo, generando un discurso en el que el estampado actúa como símbolo identitario de las mujeres de Kenia.

Como mencioné antes, mi pintura tiene una estrecha relación con lo cinematográfico. Por eso, pienso siempre en Marisa Paredes, especialmente en las películas de Almodóvar, donde representa a esa mujer con una vida dura pero siempre elegante y con un porte sublime, algo que intento reflejar en las figuras femeninas que pinto. En este sentido, Almodóvar es un referente cinematográfico clave. También creo que mi obra refleja el juego de estampados y colores que se ve en su cine. Otro referente es Paolo Sorrentino, un cineasta italiano que combina lo glamuroso con lo cotidiano, lo extravagante con lo costumbrista, conceptos que también intento trabajar en mi obra, al igual que Fellini, quien capturaba una cotidianidad estrambótica.

Creo que todos estos referentes actúan de una manera directa hacia mí y hacen que yo pueda generar el imaginario que intento representar en mi obra.


Su bolso de piel. 2024. Óleo sobre tabla. 180 x 140 cm.


¿Qué importancia tiene el gesto en tus retratos?

A lo largo de mi obra, he trabajado mucho el retrato desde diferentes enfoques, especialmente en el proyecto de las señoras, en el que quería usar el retrato como un sello colectivo de las mujeres que representaba, de manera que una figura como la Conchita o la Paca simbolizara a todas esas mujeres de una generación. Creo que el gesto en el retrato es muy importante, algo que he intentado destacar en mi obra. Además, dependiendo de cómo se presenta a una persona en un retrato, se pueden contar diferentes cosas.

El hecho de que exista una mueca, una mirada más lasciva o desafiante, también es una manera de narrar y contar en la obra. Sin embargo, ahora utilizo el retrato de una forma diferente. Pienso que retratar a las personas también puede hacerse mostrando los elementos que las construyen. Por ejemplo, ahora trabajo con planos de detalle en los que los elementos, como un bolso, unas joyas, las manos o las posturas, adquieren gran relevancia. Todo eso también refleja cómo es una persona y cómo es un conjunto de personas. Así, el retrato actual, en el que utilizo el gesto, se basa en la disposición de los elementos: cómo se coloca una mano, cómo se coloca un bolso y cómo se construye la imagen que represento.


Whisky con hielo. 2024. Óleo y acrílico sobre tabla. 40 x 40 cm.


¿Cuál es tu formato preferido para pintar?

Pienso que el formato es muy importante a la hora de cómo quieres crear tu obra y cómo es tu proceso de trabajo. Casi siempre trabajo sobre contrachapado, en bastidor, ya que la fuerza de la madera me permite incidir más en la obra. Además, utilizo técnicas de estampación que requieren un soporte más rígido; por ejemplo, si usara lino o tela, se destensaría y dificultaría el proceso de creación. Por eso, siempre suelo trabajar con madera.

Me parece muy interesante el poder incidir también con la pincelada de una manera más agresiva en los primeros toques, las primeras manchas, que es algo que se relaciona directamente con el formato. El tamaño de la obra es muy importante. Yo prefiero trabajar con grandes formatos ya que es donde me siento más libre, donde las primeras pinceladas y manchas las realizo con más disfrute. Además, se genera una conexión entre lo que se pinta y el propio acto de pintar, algo que considero fundamental para la creación. Creo que el disfrute tiene un gran poder en la obra, ya que el resultado depende mucho de si hay un grado de disfrute o de si se busca algo más perfeccionista o puntual.

El formato grande es el que mejor me permite desarrollarme, donde la pieza se construye y las formas y pinceladas se van uniendo. Cuando trabajo con formatos más pequeños, también disfruto el proceso, pero requiere más constancia y minuciosidad. La pincelada debe ser más precisa, el foco está en una parte específica y el proceso de construcción es más lento, ya que la unión de los tonos es más compleja.

En cambio, en un formato más grande, los tonos y las pinceladas se van uniendo más fácilmente, y la forma se va generando gradualmente mientras creas. Por eso, en general, prefiero el formato grande y el contrachapado.


Siempre bolsos y tacones a juego. 2024. Óleo sobre tabla. 180 x 140 cm.


¿Cómo crees que reflejan tus obras la temporalidad?

En mi obra, siempre intento abordar temas como la memoria, el rescate del recuerdo y el paso del tiempo. Desde que comencé a producir, esto se refleja en mis primeros proyectos como Mujeres sin color, Relato sobre el luto o Señoras. Hablo de mujeres de avanzada edad que vivieron la posguerra y el sistema cultural y de creencias de la España de entonces, y que, en su madurez, han logrado desapegarse de alguna manera de ese pasado.

Por eso, me gusta representarlas de una manera más ornamentada y glamurosa, como un signo de empoderamiento. Para mí, es importante reflejar esa resiliencia a través de la estética y el estampado, que utilizo como recurso identitario de una generación como la de mi abuela y sus amigas, que provienen de esa España más cruda y que aún siguen presentes en nuestra sociedad, representando a esa mujer con sus anillos, vestidos y bolsos, esa mujer que plasmo en mis obras.

Pienso que lo ostentoso pertenece a la representación de ese cierto empoderamiento tras una vida, por así decirlo, en blanco y negro. La temporalidad juega un papel fundamental en mi trabajo. El paso del tiempo y cómo se ha tratado a estas personas es algo en lo que me centro mucho. Intento representarlas a través de sus objetos o las escenas que evocan esa época, uniendo las vivencias que me han contado con las que yo he vivido, y generando todo un imaginario que intento plasmar en mi obra en torno a estas mujeres y a esta sociedad.





¿Eres una galería de arte contemporáneo y te gustaría participar en Art Madrid'26? ¡Ya está abierto el plazo para enviar tu solicitud de participación!

La 21ª edición de Art Madrid abre su período de aplicación. Del 4 al 8 de marzo de 2026, la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles volverá a ser el punto de encuentro para el arte contemporáneo nacional e internacional. Si eres una galería de arte contemporáneo, esta es tu oportunidad para formar parte de una de las ferias más consolidadas del circuito español. El plazo de aplicaciones estará abierto hasta el próximo 17 de octubre de 2025.


Art Madrid'25. Feria de arte contemporáneo. 20ª Edición, 2025. Foto de Lucas Amillano.

La feria de arte contemporáneo Art Madrid se celebra durante la Semana del Arte de la capital desde hace más de veinte años. Art Madrid es una feria multidisciplinar de nuevas tendencias artísticas en la que participan cerca de 40 galerías nacionales e internacionales que trabajan con pintura, escultura, obra gráfica, fotografía, instalación y arte digital de reciente producción.


Dirigida a un público amplio y especializado, la feria combina una cuidada selección artística con un firme compromiso con la profesionalización del sector y la visibilidad del trabajo galerístico. Además del programa de galerías, Art Madrid desarrolla un programa paralelo de actividades durante el mes de febrero, que promueve la difusión, reflexión y el diálogo entre agentes culturales, coleccionistas y nuevos públicos.


Art Madrid'25. Feria de arte contemporáneo. 20ª Edición, 2025. Foto de Lucas Amillano.

Una misión clara: conectar el arte con la sociedad

La feria tiene como misión principal acercar el arte contemporáneo al público general y especializado, creando una plataforma inclusiva que promueve el talento artístico, impulsa el coleccionismo y fortalece el ecosistema galerístico. El objetivo es claro: difundir el arte dentro y fuera de nuestras fronteras, generar nuevos públicos y dar visibilidad a jóvenes talentos.


Art Madrid es un evento clave para la promoción y comercialización de arte contemporáneo nacional e internacional, que pone la ciudad en el punto de mira durante la Semana del Arte. Lo hace sin perder de vista la necesidad de propiciar también, un espacio de reflexión y aprendizaje.


Art Madrid'25. Feria de arte contemporáneo 20ª Edición, 2025. Foto de Lucas Amillano.

PROGRAMAS

PROGRAMA DE GALERÍAS

En cada edición, el programa de galerías de Art Madrid reúne cerca de 40 expositores, tanto nacionales como internacionales, que presentan propuestas centradas en obras de arte contemporáneo de reciente creación.


PROGRAMA DE COLECCIONISMO

Art Madrid ofrece un servicio de asesoramiento especializado para galerías y público interesado en adquirir obras de arte.


Art Madrid'25. Feria de arte contemporáneo. 20ª Edición, 2025. Foto de Lucas Amillano.


PROGRAMA DE MECENAZGO

Art Madrid desarrolla un programa de mecenazgo como parte de su compromiso con la creación y el impulso al coleccionismo. A través de diferentes categorías de premios, la feria contribuye al desarrollo profesional de los artistas, al tiempo que promueve la incorporación de obra contemporánea en destacadas colecciones privadas. Este programa es posible gracias al compromiso de entidades colaboradoras, coleccionistas y empresas privadas que, mediante su apoyo, contribuyen de manera activa a fortalecer el tejido cultural y a consolidar nuevas formas de mecenazgo.


PREMIO ADQUISICIÓN

Art Madrid une fuerzas con instituciones y empresas para apoyar la creación artística y el trabajo galerístico en la propia feria a través de la entrega de diversos premios.


PREMIO REVELACIÓN

Nuestros patrocinadores dentro de su línea de acción para promover el arte contemporáneo, aportarán un premio a uno de los artistas revelación participantes en la feria.


PREMIO DE RESIDENCIA

Premio que se entregará a uno de los artistas participantes en la edición, con el fin de llevar a cabo una residencia artística.


Art Madrid'25. Feria de arte contemporáneo. 20ª Edición, 2025. Foto de Lucas Amillano.


PROGRAMA PARALELO

El programa paralelo de Art Madrid se lleva a cabo como una plataforma de análisis, investigación y pensamiento crítico en torno a problemáticas contemporáneas. Esta línea de programación incorpora discursos transversales y enfoques interdisciplinares que permiten abordar los retos actuales desde la práctica artística, el comisariado y la producción cultural.


ACTIVIDADES

La programación de Art Madrid’26 incluirá una serie de actividades que tendrán lugar durante todo el mes de febrero y durante la Semana del Arte de Madrid en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles. En esta edición además de las actividades preferia, se mantendrá la tercera entrega del Open Booth, el Ciclo de Performance, el Programa Lecturas: Recorridos comisariados por Art Madrid y el Programa de entrevistas.


Art Madrid'25. Feria de arte contemporáneo. 20ª Edición, 2025. Foto de Lucas Amillano.


Un ecosistema de comunicación integral

Con una audiencia de más de 110 millones de impactos en su última campaña, Art Madrid despliega una estrategia 360º que incluye medios tradicionales y digitales, redes sociales (con más de 113K seguidores), newsletter, y un tour virtual 360º. La feria también apuesta por el contenido propio con entrevistas, artículos y recorridos comisariados accesibles en su blog y plataformas digitales.


Una cita imprescindible en la agenda cultural de Madrid

Con una media de visitantes entre 35 y 54 años, y donde predomina el interés de las mujeres, que suponen el 60% del público que visita Art Madrid y cerca del 40% son nuevos coleccionistas, la feria se consolida como un evento diverso, inclusivo y alineado con los intereses del público contemporáneo.


Art Madrid'25. Feria de arte contemporáneo. 20ª Edición, 2025. Foto de Lucas Amillano.


Nuestro compromiso con el arte y la cultura se extiende durante todo el año, respaldado por una visión integral que considera fundamental la constancia y el apoyo continuo a las galerías para alcanzar nuestras metas de promover el arte contemporáneo tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Buscamos ampliar el acceso a nuevos públicos y fomentar el interés por el arte y la cultura en todos los estratos sociales, así como impulsar y dar visibilidad a los artistas, con especial atención a los jóvenes talentos. Valoramos el arte y la cultura como pilares esenciales para el desarrollo social, y trabajamos para crear espacios accesibles y dinámicos que faciliten la comunicación y la visibilidad cultural.


Art Madrid'25. Feria de arte contemporáneo. 20ª Edición, 2025. Foto de Lucas Amillano.


DATOS DE INTERÉS:

Las solicitudes para aplicar a la 21ª edición de Art Madrid podrán ser enviadas a la siguiente dirección de correo electrónico: info@art-madrid.com hasta el próximo 17 de octubre de 2025.




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