Diego Vallejo García

CONVERSACIONES CON MARISOL SALANOVA. PROGRAMA DE ENTREVISTAS. ART MADRID’25

Diego Vallejo García (Ávila, 1991) tiene una obra de corte clásico en el tratamiento o en la composición, pero con una temática actual. Estudió Historia del Arte antes que Restauración y Conservación, lo cual otorga un grado de conocimiento en sus proyectos que atraviesa lo teórico hacia lo práctico. Su trabajo es representativo de la tendencia a la pintura fragmentada y la superposición de realidades, desde la abstracción de campos de color al fotomontaje pintado de impactante realismo. Esa exploración fotográfica, es llevada al terreno de la distorsión pictórica.

El artista realiza un retrato generacional sin llegar a individualizar a nadie, buscando plasmar la personalidad colectiva de su generación, de las costumbres. Pinta todo con óleo, veladuras y materiales que emplea pensando mucho en la conservación de las piezas y su perdurabilidad.

Sinergias. 2024. Óleo sobre tela. 114 x 195 cm.

¿Qué rol juega la experimentación en tu proceso creativo?

Pienso que la experimentación en la concepción de mi obra es fundamental, ya que comienza incluso antes de tratar la propia materia de la pintura. Inicia en la configuración de la imagen, trabajándola a través de medios digitales como Photoshop o Procreate. Sin embargo, esa imagen será solo una guía al momento de pintar; a medida que avanza la obra y surgen accidentes con la materia, la imagen se va desligando del cuadro, y es el cuadro el que finalmente toma el control. Por eso, en mi pintura ocurren accidentes en los que se eliminan o aparecen elementos que en un principio no estaban planeados.

¿Cuáles son tus referentes?

Bueno, referentes tengo muchos. Si empezamos por los clásicos, el primero que mencionaría es Velázquez, así como toda la pintura del siglo XIX. En cuanto a los más actuales, podrían ser Rubén Guerrero, Ignacio Estudillo, Phil Hale, Sean Scully. Son pintores que, al final, tratan la materia más que la imagen. Creo que ese es el proceso natural de cualquier pintor figurativo: en un principio, intentar plasmar la realidad de manera más o menos fiel, y con el tiempo te das cuenta de que lo que debe primar sobre la imagen es la pintura en sí misma.

Fr Ltsch. 2024 Óleo sobre tela 195 x 195 cm.

¿Por qué tus obras inciden tanto en la nocturnidad?

No incide mi obra tanto en la nocturnidad, sino más bien en la luz. Lo que me permite la nocturnidad es trabajar la luz artificial, y lo que me da la posibilidad de tratar la luz en sus diferentes temperaturas y potencias para crear diferentes sensaciones o diferentes realidades.

¿Te sientes más cómodo retratando personajes individualmente o multitudes?

El retratar individuos o multitudes persigue el mismo objetivo: buscar un retrato de mi generación y de la sociedad a través de las costumbres y las acciones. ¿Cómo consigo este retrato sin que sea individual, sino colectivo? Eliminando el rostro de los personajes.

Nada es lo que parece. 2024. Óleo sobre tela. 146 x 195 cm.

¿Cuál es la importancia del movimiento, de la acción, en tus obras?

El movimiento y la acción están relacionados con la pregunta anterior, porque el movimiento de esos individuos, multitudes o personajes en la obra los identifica con un movimiento social y una identidad colectiva. También el movimiento que se percibe realmente en la obra, de desdibuje, viene a razón de tratar de crear un concepto de personaje más que un personaje en sí mismo.

En colaboración con

RAÍCES AFUERA. CICLO DE PERFORMANCE X ART MADRID'25

Art Madrid celebra veinte años de arte contemporáneo del 5 al 9 de marzo de 2025 en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles. Durante la Semana del Arte, se convierte en una plataforma expositiva para galerías y artistas nacionales e internacionales. En esta edición, con el propósito de ofrecer un espacio de enunciación para los artistas que trabajan en torno a las artes performativas, la feria presenta Raíces Afuera, un ciclo de performance que explora las nociones de pertenencia y la necesidad de arraigo en un mundo contemporáneo caracterizado por la fragmentación, el desplazamiento y la desconexión. Situado en el contexto de la feria como un espacio crítico y reflexivo, el proyecto desafía la relación del individuo con su entorno, su comunidad y su sentido de identidad.

PERFORMANCE: LAS FRONTERAS SIEMPRE TIENEN DOS LADOS. ELÉONORE OZANNE

6 de marzo | 19:00h. Galería de Cristal del Palacio de Cibeles.

The real true tourist experience. Johanna Failer y Eléonore Ozanne. Registro de performance.

Sales de casa y te aguantan la puerta del portal: "Ay, perdón, gracias". Caminas por la calle, te viene alguien de frente: "Uh, perdón, gracias". Si llego tarde, si no encuentro algo, si no me siento en mi lugar, si pido ayuda o si no sé qué contestar… "Perdón, gracias".

¿Cuántas veces habremos dicho estas dos palabras?, ¿a quién? y ¿por qué? ¿por qué tu boca no suena igual que en la mía?

Día sí y día también. Eléonore Ozanne. Registro de performance.

En Las fronteras siempre tienen dos lados os invito en mi cabeza para hablar de fronteras. Fronteras grandes que asustan. Fronteras chiquititas que se olvidan, y todas las entremedias con las que vamos a negociar, construir o derrumbar.

Las fronteras siempre tienen dos lados es una obra que nos invita a reflexionar sobre las fronteras invisibles que forman parte de nuestra vida diaria. A través de las palabras "perdón" y "gracias", la autora plantea un diálogo sobre cómo, en nuestra interacción cotidiana, nos vemos constantemente enfrentados a límites y distancias, tanto físicas como emocionales. Cada vez que usamos estas palabras, estamos reconociendo una separación, ya sea al ceder el paso a alguien o al pedir ayuda en momentos de incomodidad. La obra pone en evidencia cómo esas pequeñas frases, que solemos repetir sin pensarlo, son una forma de negociar nuestras relaciones con el mundo y las personas que nos rodean.

En este contexto, las fronteras que se exploran en la obra no son solo las geográficas, sino también las sociales y personales. Las barreras que nos separan de los demás pueden ser sutiles, pero nos afectan de manera significativa en nuestra vida diaria. A través de estos gestos, estamos constantemente construyendo, derribando o aceptando límites que definen nuestra relación con el otro. Las fronteras siempre tienen dos lados nos desafía a cuestionar cómo percibimos estas fronteras y cómo las palabras, que parecen simples, reflejan las dinámicas complejas de nuestra existencia.

The real true tourist experience. Johanna Failer y Eléonore Ozanne. Registro de performance.

SOBRE ELÉONORE OZANNE

Eléonore Ozanne (Corbeil-Essonnes, Francia, 1990) es artista e investigadora entre Francia y España. Doctoranda en Bellas Artes por la UPV/EHU y la Université de Pau et des Pays de l’Adour. Su trabajo se centra en la relación entre cuerpo y fronteras en los espacios cotidianos. Mediante el desplazamiento, la artista multidisciplinar dibuja el concepto de frontera como límites físicos o muros invisibles que se atraviesan a diario. Emplea su cuerpo como eje central de su trabajo y explora mediante acciones, el desplazamiento a través, al otro lado o adentro de espacios o de tiempos predeterminados.

Ha sido ganadora de múltiples residencias en España, México y Europa, incluyendo NauEstruch y el CECDA en Veracruz. Ha colaborado con artistas como Pilar Albarracín y es miembro de los equipos de investigación Gizartea y Alter, donde participa de manera activa en explorar formas de entender la precariedad y los desplazamientos en la era de lo global. Su obra ha sido exhibida en festivales y espacios internacionales como Matadero Madrid y, Cidade da Cultura de Galicia.. Además, ha publicado textos sobre arte y precariedad en editoriales como Dykinson y la Universidad del País Vasco.