En Art Madrid estamos encantados de presentar, por cuarto año consecutivo, nuestro programa de entrevistas comisariadas y gracias a la colaboración de Safe Creative. Esta vez, tenemos el honor de contar con Marisol Salanova, crítica de arte y comisaria, quien liderará esta serie bajo el título: "Conversaciones con Marisol Salanova". Durante estas charlas, nos adentraremos en el fascinante mundo creativo de ocho artistas destacados que forman parte de la 20ª edición de la feria. Será una oportunidad única para descubrir sus procesos, inspiraciones y perspectivas. Con este programa, reafirmamos nuestra pasión por acercar el arte contemporáneo a todas las personas, dándole voz a los artistas que nos acompañan durante la Semana de arte.

ARTISTAS INVITADOS

Alexander Grahovsky. Galería BAT; Lil Blanc. Galería Rodrigo Juarranz; Diego Vallejo García. Shiras Galería; Antonio Ovejero. CLC ARTE; Gastón Lisak. Inéditad Gallery; Paula Blanco. Galería Arancha Osoro; Aurelio San Pedro. Pigment Gallery; Tiffany Alfonseca. OOA Gallery.

La esencia que conecta a los artistas seleccionados para el Programa de Entrevistas de Art Madrid’25 es su espíritu de exploración constante. Esta búsqueda creativa trasciende los límites de los materiales y formatos, manifestándose también en la forma única en que entienden el proceso artístico. Cada uno de ellos se encuentra en un punto crucial de evolución, evidenciando que el arte es, por naturaleza, un viaje dinámico y en constante transformación. Con estilos definidos y una impronta personal inconfundible, estos creadores desafían las convenciones y se niegan a quedarse en la zona de confort, impulsados por una pasión inagotable por innovar y redefinir los límites del arte contemporáneo. Este carácter atrevido convierte su obra en una experiencia que interpela directamente al espectador, expandiendo las posibilidades artísticas y cuestionando las expectativas del público.

En el ámbito de la nueva figuración, resulta especialmente revelador cómo algunos artistas eligen apartarse de métodos tradicionales, como el uso de bocetos previos. En lugar de ello, abordan la pintura desde la espontaneidad, permitiendo que el trazo inicial sea parte esencial del desarrollo de la obra. Esta aproximación revela una actitud valiente que celebra el accidente y la intuición como herramientas fundamentales en el proceso creativo. En contraposición, quienes trabajan en el terreno de la abstracción demuestran una voluntad igualmente audaz, rechazando técnicas que garanticen un acabado previsible. No hay miedo al error, sino una aceptación profunda de lo incierto vista como un reflejo de la vida misma. Incluso las piezas más técnicas y elaboradas esconden procesos de creación en los que el gesto libre y la experimentación desempeñan un papel primordial.

Este espíritu innovador encuentra en Art Madrid’25 un marco perfecto para dialogar con el público general, la crítica y los coleccionistas. Con el objetivo de profundizar en las inquietudes y aspiraciones de estos creadores, hemos preparado una selección de entrevistas que permiten adentrarnos en sus universos personales. Desde una perspectiva crítica, pero siempre accesible, estas conversaciones brindan herramientas para interpretar las obras y comprender las intenciones detrás de cada propuesta artística.

Escuchar las voces de los artistas no únicamente contribuye a democratizar el acceso al arte, sino que aporta un valor añadido; una dimensión adicional a nuestra manera de interactuar con él. Cada entrevista nos invita a reflexionar sobre las motivaciones que impulsan a estos creadores, sus referentes, y las expectativas que depositan en su trabajo. Sus palabras permiten tender puentes entre la obra y el espectador, haciendo que lo que podría parecer inalcanzable se torne cercano y profundamente humano.

En este sentido, las entrevistas que presentamos aquí no son simples descripciones, sino una oportunidad para entender el contexto y las ideas que dan forma a cada proyecto. A través de ellas, el lector podrá descubrir tanto el talento técnico como también la complejidad emocional y conceptual que define, a grandes rasgos, Art Madrid’25. Este recorrido, cuidadosamente diseñado para complementar la experiencia de la feria, es una llamada a sumergirse en la mirada de aquellos profesionales creativos que transforman lo intangible en obra y lo personal en universal.

Marisol Salanova. Crítica de arte y comisaria del Programa de entrevistas de Art Madrid'25.

Artistas invitados. Conversaciones con Marisol Salanova.

SOBRE LOS ARTISTAS

Lil Blanc (Madrid, 1993) inició su trayectoria profesional explorando texturas, para evolucionar hacia el estudio de los degradados y la transición entre colores. Esta búsqueda culminó en una abstracción que transmite sentimientos intensos. Las gradaciones suaves en sus lienzos evocan cielos al atardecer, un intento de capturar la fugacidad de esos instantes inspirado en su experiencia personal de contemplación creativa. Su enfoque perfeccionista y su filosofía de "menos es más" reflejan su formación como arquitecta. Sin artificios, Blanc crea obras con historias sutiles y capas profundas de significado. Alexander Grahovsky (Alicante, 1980) emplea un enfoque caótico y espontáneo, coleccionando imágenes que transforma en collages narrativos. Su pintura destaca por su fuerte componente surrealista, con historias no lineales que despliegan escenas superpuestas en diferentes fases, permitiendo que la mirada vague por la composición. Influencias de la pintura clásica y el cine enriquecen sus obras, cuya interpretación depende del bagaje y estado de ánimo del espectador. Diego Vallejo García (Ávila, 1991) combina una estética clásica con temáticas contemporáneas. Su formación en Historia del Arte y Restauración le permite integrar un enfoque teórico y práctico en sus proyectos. A través del óleo y técnicas de veladura, crea retratos generacionales que representan la personalidad colectiva de su época, cuidando meticulosamente la conservación y durabilidad de cada pieza. Antonio Ovejero (Valencia, 1999) investiga la memoria y las escenas del imaginario colectivo, explorando la belleza en la cotidianidad sublime. Su fascinación por las figuras con joyas, vestidos de estampados geométricos y peinados extravagantes conecta distintas épocas. A través de una estética kitsch, mezcla lo costumbrista con lo ostentoso, creando imágenes que unen vejez, elegancia y cotidianeidad. Ovejero define su estilo como neo pop costumbrista. Gastón Lisak (Barcelona, 1989) transita hacia el arte conceptual desde su experiencia como docente y facilitador de talleres. Su obra se basa en la "arqueología mundana", explorando la transformación de objetos anacrónicos. Influenciado por el diseño industrial, cuestiona la hiperproducción y encuentra belleza en lo desechado, deteniendo la mirada en aquello que suele pasar inadvertido. Paula Blanco (Oviedo, 1996) fusiona arte y ciencia para explorar la relación entre la naturaleza, el territorio y el medioambiente. Su inspiración surge del paisaje, empleando arcilla, pigmentos, barnices y fibra de vidrio para crear estructuras que evocan organismos naturales. Su enfoque abstracto y etéreo sublima la materia, separando la idea del objeto y expresándose a través de los orígenes de las materias primas. Tiffany Alfonseca (República Dominicana, 1994) explora su identidad afrolatina-estadounidense, representando escenas cotidianas de personas empoderadas y cuerpos no normativos. Mezcla pintura, dibujo, serigrafía y bordado, inspirada por los vibrantes colores de su infancia en la República Dominicana. Su obra combina tonos vivos y texturas ricas para plasmar narrativas personales y colectivas que resuenan universalmente. Aurelio San Pedro (Barcelona, 1983) destaca por su delicado dibujo en blanco y negro, centrado en escenarios naturales. La memoria es el eje de su proceso creativo, utilizando el recuerdo como herramienta de expresión plástica. El papel adquiere un papel fundamental, con un equilibrio entre las zonas intervenidas y los espacios en blanco. Su estilo fluctúa entre abstracción y figuración, manteniendo una identidad artística inconfundible.

MARISOL SALANOVA.

SOBRE MARISOL SALANOVA

Crítica de arte, comisaria y gestora cultural, Marisol Salanova (Valencia, 1982) es una comunicadora nata. Licenciada en Filosofía por la Universidad de Valencia, se especializó en Arte y Tecnología a través del máster en Producción Artística. Autora de Plataforma Editorial y Akal, entre otras, ha publicado varios ensayos, numerosos catálogos y libros de artista. Dirigió la editorial Micromegas, enfocada en textos sobre arte contemporáneo, durante casi una década. Trabajo que compaginó con la docencia. Regularmente escribe para ABC Cultural y participa en el programa Hoy por Hoy de Cadena Ser. También asesora a coleccionistas y ha desarrollado un comisariado pionero de criptoarte desde la plataforma Arteinformado. Comisaría a artistas de talla internacional en exposiciones individuales y colectivas, además de haber comisariado secciones editoriales de ferias de arte como la extinta SUMMA Madrid y MARTE Castellón. Investiga en profundidad cada proyecto, actualmente inmersa en su tesis doctoral sobre la obra del escultor Apel·les Fenosa.
Se caracteriza por ser una de las voces críticas más visibles en el panorama del arte español, con un perfil muy mediático y habilidades divulgativas que despliega en redes sociales. La escucha y el diálogo para comprender y amplificar el trabajo de los artistas son sus mejores herramientas.

SOBRE SAFE CREATIVE

Este programa de entrevistas de Art Madrid’25 cuenta con la colaboración de SAFE CREATIVE plataforma aliada con los artistas en Internet para proteger sus derechos. Hoy, con los nuevos avances tecnológicos, los desafíos se multiplican y damos respuesta a creadores y artistas de todo tipo. Safe Creative ofrece un sistema en línea, cómodo y económico que permite a cualquier creador obtener las pruebas necesarias que le ayuden a documentar su proceso creativo y demostrar sus derechos de autor. Todo desde su casa, usando su ordenador y pudiendo registrar todas sus obras, y proceso creativo, de forma instantánea.

Cuando en septiembre de 2012 el gobierno español decidió elevar el IVA cultural del tipo reducido del 8% al tipo general del 21% (entrada en vigor 1 de septiembre de 2012) no sólo estaba aplicando una medida de ajuste fiscal en plena recesión económica. Estaba tomando una decisión estratégica que situaba a la cultura española en una posición de desventaja estructural respecto a sus homólogos europeos. La medida afectó a una industria que generaba 503.700 empleos y representaba el 4% del PIB español, convirtiendo al país en uno de los pocos de la zona euro donde no se aplicaba un IVA reducido a las actividades culturales.

Lo paradójico es que aquella subida draconiana de 13 puntos porcentuales -que afectó a cine, teatro, conciertos, etc.- no consiguió el objetivo recaudatorio esperado, más bien provocó lo contrario. Según datos de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), la industria cultural española generaba en ese momento 503.700 empleos y representaba el 4% del PIB. Cuando la Unión de Asociaciones Empresariales de la Industria Cultural advirtió que la medida supondría la pérdida de 43 millones de espectadores y 530 millones de euros en ingresos, nadie en el gobierno pareció escuchar.

Iván Quesada. Jugando al escondite. Acrílico sobre lienzo. 146 x 114 cm. 2025. Galería Aurora Vigil - Escalera.

La rectificación llegó tarde y fragmentada. En 2017, el teatro y los espectáculos en vivo recuperaron un IVA del 10%. En julio de 2018, el cine se unió a ese tipo reducido. Pero aquí comienza la verdadera anomalía: mientras el sector audiovisual y de artes escénicas respiraba, las artes visuales -entendiéndose el trabajo comercial que realizan las galerías- permanecían en el 21%. Y ahí continúan hoy, en enero de 2026.

España mantiene actualmente un sistema de IVA cultural profundamente fragmentado y contradictorio. Los artistas que venden directamente sus obras tributan al 10 %. Las galerías que comercializan esas mismas obras pueden tributar al 21 % bajo el Régimen Especial de Bienes Usados (REBU), aunque en este régimen el IVA se calcula sobre el margen de la operación y no sobre el precio total, y no todas las operaciones de una galería están necesariamente acogidas a él. El resultado es kafkiano: el principal canal de comercialización del arte contemporáneo soporta, en muchos casos, la carga fiscal más alta de toda la industria cultural española.

Isabel Ruiz. Sin título 4. 2025. Fotografía impresa en dibond. 100 x 160 cm. Nuno Sacramento Arte Contemporânea.

Los datos desmontan cualquier argumento de equidad. Según el informe Art Basel (The Art Basel and UBS Survey of Global Collecting 2025), el 95% de los compradores de arte adquiere obras a través de galerías mediante su espacio físico, web, redes sociales o ferias. En España específicamente, las ventas de galerías representan alrededor del 76% del valor total del mercado. Penalizar fiscalmente al canal mayoritario de comercialización no es neutralidad impositiva: es ceguera estructural.

La comparación con Europa es demoledora. Francia aplica un 5,5% a las ventas de arte, Alemania un 7%, Italia un 5%, y recientemente Portugal se ha sumado con un 6%. Tras el Brexit, Francia representa más del 50% de las ventas de arte en la Unión Europea y entre el 6% y el 9% aproximadamente de las subastas globales, consolidando una posición dominante que no es casual, es el resultado directo y esperado de una política fiscal que entiende el arte como palanca económica y cultural, no como un tipo de lujo prescindible.

Las consecuencias para España son tangibles y documentadas. Un museo español que quiera adquirir una obra de un artista español en una galería española puede tributar al 21 %; si compra la misma obra a través de una galería francesa, en muchos casos paga solo un 5,5 %. La paradoja es tan grotesca que roza lo kafkiano. Y es que el Estado español penaliza fiscalmente a sus propias instituciones culturales por apoyar a su mercado nacional.

En ferias que tienen lugar dentro del territorio español, las galerías nacionales compiten con stands franceses, alemanes o italianos que pueden ofrecer los mismos artistas con una ventaja fiscal de hasta 16 puntos porcentuales. Hay que matizar, sin embargo, que en compras transfronterizas dentro de la UE el tratamiento fiscal depende de factores como si el museo actúa como sujeto pasivo con NIF-IVA y del régimen de la operación (entrega interior frente a intracomunitaria, etc.), por lo que la comparación funciona como ejemplo divulgativo, pero no como afirmación fiscal. No se trata solo de competencia: es, en realidad, un dumping estructural.

Daniel Bum. Autorretrato II. 2025. Óleo y acrílico sobre lino. 27 x 35 cm. CLC ARTE.

El 5 de abril de 2022, la Unión Europea aprobó la Directiva 2022/542, que modificaba las directivas 2006/112/CE y 2020/285 relativas al sistema común del IVA. Esta normativa permite explícitamente a los Estados miembros aplicar tipos reducidos hasta un mínimo del 5% a "las entregas de obras de arte, objetos de colección y antigüedades". El plazo para su transposición a la legislación nacional era el 31 de diciembre de 2024, con aplicación desde el 1 de enero de 2025. España no ha transpuesto esta directiva en lo que respecta al mercado del arte.

Mientras Francia, Alemania, Italia, Luxemburgo y Bélgica ya han adoptado tipos reducidos para el arte contemporáneo, España mantiene el silencio administrativo. Más de mil artistas, galeristas y profesionales del sector —incluyendo a representantes de España en la Bienal de Venecia o premios nacionales de artes plásticas, han firmado el manifiesto "Artistas Visuales España firman IVA Cultural YA".

Es así como la falta de acción del gobierno trasciende el plano legal y se convierte en un serio problema de visión económica. El Comité Profesional de Galerías de Arte de Francia señaló que una tasa del 5,5% para todas las transacciones generaría entre 40 y 650 millones de dólares adicionales en ingresos fiscales a través del empleo y la venta de arte, mientras que un impuesto del 20% podría generar pérdidas de entre 320 y 610 millones de dólares en ingresos fiscales. La experiencia de países como Holanda y Portugal, que subieron sus tipos de IVA cultural y luego rectificaron al constatar el efecto devastador, debería servirnos de lección.

Kim Han Ki. Don't forget me. 2024. Óleo sobre lienzo. 33.4 x 24.4 cm. Banditrazos Gallery.

Francia y el efecto de una política fiscal inteligente

El caso francés desmonta el argumento de que la cultura no genera retornos fiscales. Tras implementar el IVA del 5,5% para el arte, Francia representa actualmente más del 50% de las ventas de arte en la Unión Europea y entre el 6% y el 9% de las subastas globales. Esta posición dominante es, sin dudas, el resultado directo de una política fiscal que entiende el arte como palanca económica.

El Comité Profesional de Galerías de Arte de Francia (CPGA) documentó que un IVA del 5,5% genera entre 40 y 650 millones de dólares adicionales en ingresos fiscales a través del empleo y la actividad comercial del sector, mientras que mantener tasas del 20% produce pérdidas de entre 320 y 610 millones en ingresos fiscales por la caída de actividad. Los datos son contundentes: bajar el IVA no reduce la recaudación, la aumenta.

Alemania vivió una experiencia similar. La Asociación Federal Alemana de Galerías y Comerciantes de Arte (BVDG) documentó que el IVA del 19% había frenado el mercado y provocado el cierre de galerías. La reducción al 7% en enero de 2025 se justificó precisamente como medida de reactivación económica. Italia, tras años de debate, bajó del 22% al 5% en 2025, con el objetivo, que en palabras del ministro de cultura Alessandro Giuli, era la única forma de "acabar con una anomalía que nos hacía menos atractivos en comparación con otros países europeos".

Beatriz Castela. Spectrum IX. 2025. Acrílico sobre tabla. 80 x 60 x 3.5 cm. Galería Beatriz Pereira.

Uno de los argumentos más reiterados para mantener el IVA del arte al 21% es su percepción como bien de lujo. Es un razonamiento que revela una incomprensión profunda del funcionamiento del mercado artístico contemporáneo. El informe Art Basel 2024 documentó un cambio significativo en el comportamiento de los coleccionistas: las transacciones menores de 5.000 dólares crecieron un 7%, mientras que las galerías con ventas inferiores a 250.000 dólares aumentaron un 17%. El mercado del arte no es patrimonio exclusivo de millonarios, ese es un estigma con el que las nuevas generaciones tenemos que romper. El mercado del arte es, de hecho, un ecosistema al que la clase media accede cada vez más, mediante la adquisición de obras.

La clasificación fiscal española trata las obras de arte con el mismo tipo que el tabaco, las bebidas alcohólicas o los gimnasios de lujo (21%), mientras que los libros tributan al 4% superreducido, y el cine y el teatro al 10%. ¿Qué lógica cultural justifica que un libro de fotografías de un artista tribute al 4%, pero una fotografía original del mismo artista tribute al 21%? La respuesta , por my irónica que nos parezca, no está en la coherencia cultural está allí, en la inercia administrativa.

Onay Rosquet. Érase una vez un mundo. 2022. Óleo sobre tela. 100 x 100 cm. Collage Habana,

Las consecuencias: del talento a la fuga

Las cifras son tercas. España no ha logrado aumentar su participación más allá del 1% en el mercado mundial del arte desde 2009. Mientras tanto, el país cuenta con más de 24.000 artistas y alrededor de 11.000 empleos vinculados directamente al ecosistema de las artes visuales. Esta masa crítica de talento y profesionales está sometida a una presión fiscal que no existe en ningún otro sector cultural español ni en ningún otro mercado artístico europeo relevante.

El resultado es predecible y lo vemos con más frecuencia de la que nos gustaría, la fuga de talento, el cierre de galerías, la deslocalización de las operaciones... y la lista podría ser infinita. Algunos galeristas asumen parte del IVA para igualar precios con competidores extranjeros, otros facturan a través de empresas en otros países para transacciones intraeuropeas. Son estrategias de supervivencia pero no de competitividad. El mercado español del arte se está convirtiendo en un mercado de segunda división, no por falta de calidad artística, que la tiene de sobra, sino por la perenne incompetencia administrativa. La cuestión, en el fondo, no es técnica sino ideológica: ¿considera España que las artes visuales forman parte de su patrimonio cultural estratégico o las trata como un capricho elitista?

La respuesta está en el BOE: mientras el IVA permanezca al 21%, la respuesta es clara.

Alejandro Monge. See you in the streets. 2025. Fibra de vidrio, cemento y pigmentos. 170 x 85 x 50 cm. 3 Punts Galeria.

Epílogo: una oportunidad desaprovechada

España tuvo hasta el 31 de diciembre de 2024 para transponer la Directiva (UE) 2022/542 y equiparar fiscalmente su mercado del arte con el europeo. No lo hizo. Las reuniones con el Ministerio de Cultura y el Ministerio de Hacienda se suceden desde hace dos años. Las promesas se repiten. El BOE permanece inmutable. Mientras tanto las transacciones que se reslizan, las ferias que se suceden dentro y fuera, los artistas que encuentran (por suerte) una galería extranjera que les represente es un recordatorio poco amigable de lo que cuesta a la cultura la inacción institucional.

El sector no está pidiendo privilegios, solamente reclama equidad; pide que el arte contemporáneo tenga el mismo tratamiento fiscal que el cine, el teatro o la música. Pide que España deje de penalizar a quienes construyen su patrimonio cultural contemporáneo.

La pregunta no es si España puede permitirse bajar el IVA cultural. Los datos franceses, alemanes e italianos demuestran que la reducción del IVA genera más actividad económica y, por tanto, más recaudación fiscal indirecta. La pregunta es si España puede permitirse seguir ignorándolo. Porque en este momento, cada punto porcentual de diferencia con Francia, Alemania o Italia, más allá de ser una fría cuestión fiscal, es una decisión sobre qué tipo de país cultural queremos ser.

Y el silencio administrativo también es una decisión.

Bibliografía para consulta 🙂

Agencia Tributaria (2022). Directiva (UE) 2022/542 del Consejo de 5 de abril de 2022 por la que se modifican las Directivas 2006/112/CE y (UE) 2020/285 en lo que respecta a los tipos del impuesto sobre el valor añadido. Disponible en: https://sede.agenciatributaria.gob.es/ BOE (2022). Directiva (UE) 2022/542 del Consejo de 5 de abril de 2022. Diario Oficial de la Unión Europea, L 107, 6 de abril de 2022. Disponible en: https://www.boe.es/buscar/doc.php?id=DOUE-L-2022-80541 EUR-Lex (2022). Directiva (UE) 2022/542 del Consejo de 5 de abril de 2022. Disponible en: https://eur-lex.europa.eu/eli/dir/2022/542/oj?locale=es Ley 37/1992, de 28 de diciembre, del Impuesto sobre el Valor Añadido. Boletín Oficial del Estado. Ministerio de Cultura y Deporte (2024). Cuenta Satélite de la Cultura 2022. Madrid: Ministerio de Cultura y Deporte. ARTEINFORMADO (2025). "La Directiva 2022/542: Nuevas reglas para el mercado del arte en Europa". Enero 2025. Disponible en: https://www.arteinformado.com/magazine/n/la-directiva-2022542-nuevas-reglas-para-el-mercado-del-arte-en-europa-7402 AVA Castilla y León (2024). "IVA del Arte en 16 países de la Unión Europea: ¿cuáles son sus tipos reducidos actuales y futuros?". Disponible en: https://www.avacastillayleon.es/ AVA Castilla y León (2025). "¿Un IVA del 5% en Italia? El agravio comparativo de España con el 21% al mercado del arte". Disponible en: https://www.avacastillayleon.es/ Finestre sull'Arte (2025). "La revolución del IVA en el mercado italiano del arte: nuevas perspectivas para el sector". Julio 2025. Disponible en: https://www.finestresullarte.info/es/ elDiario.es (2025). "Las galerías españolas apagan ARCO para reclamar la bajada del IVA cultural prometida por Urtasun". 5 de marzo de 2025. Disponible en: https://www.eldiario.es/cultura/arte/ EXIBART.es (2025). "El arte español ante el reto fiscal: las galerías reclaman un IVA reducido para competir en Europa". Octubre 2025. Disponible en: https://www.exibart.es/mercado/ FACUA (2017). "FACUA exige al Gobierno que aplique al IVA del cine la misma rebaja que a los espectáculos en vivo". Disponible en: https://www.facua.org/ Infobae (2025). "Cultura reitera que está 'totalmente a favor' de bajar el 21% de IVA en las compras de arte contemporáneo". 7 de marzo de 2025. Disponible en: https://www.infobae.com/ ARES - Aragón Escena (2023). "Por un IVA reducido en Cultura". Septiembre 2023. Disponible en: https://www.aresaragonescena.com/ Bonet, Lluís (2014). "Causas y efectos de la subida del IVA a la cultura: un análisis comparado". The Economy Journal, 10 de febrero de 2014. Disponible en: https://www.theeconomyjournal.com/ FUNCAS Blog (2016). "¿Es progresivo reducir el IVA del cine, del teatro o de los conciertos?". 4 de octubre de 2016. Disponible en: https://blog.funcas.es/ INEAF Tribuna (2018). "Repercusión de la subida del 'IVA cultural'". 27 de agosto de 2018. Disponible en: https://www.ineaf.es/tribuna/ Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo. Comunicados institucionales y Manifiesto "Artistas Visuales España firman IVA Cultural YA" (2024-2025). Instituto de Arte Contemporáneo (IAC). Mateu de Ros, Rafael. "El controvertido IVA del arte". Disponible en: https://www.iac.org.es/ "The Art Basel and UBS Survey of Global Collecting 2025". Disponible en: https://www.ubs.com/global/en/our-firm/art/art-market-research.html/ "El mercado español del arte se contrae a niveles de 2014 a causa de la pandemia". Disponible en: https://www.elindependiente.com/wp-content/uploads/2022/10/NdP-Informe-Mercado-Arte-Espan%CC%83a-2021-OS-la-Caixa-CAST.pdf

Las fuentes citadas son verificables y accesibles públicamente. Las cifras sobre tipos de IVA en países europeos han sido verificadas con fuentes oficiales de la UE y agencias tributarias nacionales. Los porcentajes y datos económicos provienen de estudios sectoriales publicados o de declaraciones institucionales documentadas en medios de comunicación.