FESTIVALES DE VIDEOARTE EN LA CUENCA DEL MEDITERRÁNEO

La selección de videoarte que pudimos disfrutar en la pasada edición de Art Madrid contó con la colaboración de 13 festivales internacionales dedicados a la videocreación, el cine experimental y la imagen en movimiento. Mario Gutiérrez Cru, director de la plataforma de videoarte PROYECTOR, y comisario del programa de acciones “Art Madrid-Proyector’20”, llevó a cabo una ardua labor de selección y contacto con estos certámenes y muestras con el propósito de ofrecer una imagen variada y enriquecedora de la realidad de la videocreación mundial. Con los 13 festivales internacionales invitados, tuvimos la ocasión única de disfrutar del videoarte fuera de los circuitos habituales de exhibición que ocupa esta disciplina.

Además de una destacada presencia de muestras latinoamericanas, el ciclo de proyecciones también ofreció una visión interesante y distinta de iniciativas procedentes de países bañados por el mediterráneo. Nos referimos a la selección realizada desde PROYECTOR - Plataforma de videoarte (España), Le Cube - Independent Art Room (Marruecos), Oodaaq (Francia) y Video Art Miden (Grecia).

Fotograma de "Acción 07_09_07#1/Fuego en la cabeza" (2007), de Olga Diego

PROYECTOR - Plataforma de videoarte nos ofreció la posibilidad de conocer el trabajo de videocreación de los artistas que protagonizaron el programa “Art Madrid-Proyector’20” y que intervinieron a través de presentaciones, performances charlas o encuentros. Con este ciclo de proyecciones pudimos adentrarnos en otra de las facetas creadoras de estos autores y acercarnos a nuevas perspectivas sobre su obra.

En el stand D5 de la feria, pudimos disfrutar las piezas: "Terra Nullius" (2016) de Patxi Araújo; "Bildung (the growth of the I)" (2019), de Abelardo Gil-Fournier; "Na vibración" (2012), de Lois Patiño; "Acción 07_09_07#1/Fuego en la cabeza" (2007), de Olga Diego; "Nocturno" (2009), de Fernando Baena; "Música con pelos y señales" (2011), de Arturo Moya; "Panasonia" (2014), de Eduardo Balanza; "Partidura" (2016), de Eunice Artur; "Dividir por la línea dos libros" (2013), de Mario Santamaría; "Dystopia #1" (2018), de Iván Puñal, y "Procedimientos" (2014), de Maia Navas.

Fotograma de "Sisyphe" (2019), de Driss Aroussi

Le Cube - Independent Art Room (Marruecos) está diseñada como una exposición, residencia y espacio de investigación centrado en las prácticas artísticas contemporáneas. Su enfoque gira en torno a proyectos que plantean cuestiones sociales, culturales y políticas contextualizadas, y alienta propuestas que cuestionan la historia y las historias.

La selección hecha desde Le Cube contó con las siguientes obra: "Sisyphe" (2019), de Driss Aroussi; "Collective gestures/ performing with Strauss" (2019), de Maria Hanl; "People's park" (2017), de Camille Dumond; "How to remove writings from bills using nail polish remover" (2019), de Soukaina Joual, y "Achayet" (2018), de Abdessamad El Montassir.

Fotograma de "Panorama" (2014), de Giancula Abbate

El Festival Oodaaq (Francia) nació en 2011 y cada año ofrece un viaje artístico por la ciudad de Rennes. Reúne exposiciones, proyecciones de videoarte, performances, instalaciones en espacios públicos, conferencias y mesas redondas en torno a imágenes nómadas y poéticas. La programación del festival se divide entre una convocatoria internacional para proyectos y un espacio abierto a estructuras culturales locales e internacionales.

Oodaaq estuvo presente en Art Madrid con las obras: "Window" (2013), de Aibhe Ni Bhriain; "Hajar" (2016), de Karou Calamy; "Black hole son" (2018), de Pete Burkeet; "Je suis allée" (2011), de Maria Ornaf; "Le park" (2015), de Randa Maroufi; "Please step out of the frame" (2018), de Karissa Hahn; "Field of infinity" (2018), de Guli Silberstein; "Panorama" (2014), de Giancula Abbate; "Untitled" (2013), de Christian Niccoli, y "Towards The Hague" (2016), de Sylvia Winkler y Stephan Koeperl.

Completan este listado de festivales mediterráneos Video Art Miden, de Grecia. Miden es una organización independiente para la exploración y promoción del videoarte fundado por un grupo independiente de artistas griegos en 2005 como uno de los primeros festivales especializados de videoarte en Grecia. Desde 2015, Miden continúa su trabajo cambiando su forma a una programación de eventos más flexible y ampliada, estableciendo como objetivos básicos estimular la creación de videoarte original, para ayudar a difundirlo y desarrollar investigaciones relevantes, hoy bajo la dirección de Gioula Papadopoulou y Margarita Stavraki.

Este festival presentó dos ciclos de proyecciones en Art Madrid: “The way it looks back at you”, comisariado por Gioula Papadopoulou y Maria Bourika, y “Anatomy of silence”, seleccionado por Gioula Papadopoulou.

Fotograma de “Bestiari”, de Albert Merino

Ciclo “The way it looks back at you”. El presente es el futuro del pasado. ¿Qué sucede si estás atrapado en un futuro presente extraño y distópico? El programa presenta 8 videos que tratan sobre un reciclaje hipnótico del tiempo, creando imágenes poderosas que provienen del mundo de los sueños, o de un futuro presente.

  1. “Vortex”, Alexandre Alagôa (Portugal 2017)

  2. “Bestiari”, Albert Merino (España 2018)

  3. “Harvest”, Chaja Hertog & Nir Nadler (Países Bajos 2013)

  4. “Intolerance”, Tessa Ojala (Finlandia 2015)

  5. “The Caller”, Muhammad Taymour (Egipto 2017)

  6. “Travel Notebooks: Bilbo”, Silvia de Gennaro (España-Italia 2017)

  7. “Self-Portrait with Mother (Serve)”, Gray Swartzel (EE.UU. 2018)

  8. “Sunny Day”, Marius Krivičius & Andrej Polukord (Lituania 2017)

Fotograma de “Ship of Fools”, de Babis Venetopoulos

"Anatomía del silencio" es una selección de videoarte griego, que reúne obras visuales que desde el silencio, pero con determinación, abordan la existencia humana, a través de fuertes imágenes simbólicas y acciones minimalistas. La selección presenta 9 obras de video de artistas de video aclamados y emergentes de Grecia.

  1. “Ship of Fools”, Babis Venetopoulos (Grecia 2017)

  2. “Through the WasteLand”, For Cancel (Takis Zerdevas, Zoi Pirini, Makis Faros) (Grecia 2018)

  3. “The will”, Makis Faros (Grecia 2018)

  4. “Fall”, Gioula Papadopoulou (Grecia 2018)

  5. “Out my body”, Poly Kokkinia (Grecia 2005)

  6. “Skin Shedding”, Alexandros Kaklamanos (Grecia 2016)

  7. “Point”, Fotis Kolokithas (Grecia 2017)

  8. “Reflex”, Yiannis Pappas (Alemania 2017)

  9. “Popcorn Free Throws”, Anna Vasof (Austria 2018)

 

Uno de los propósitos del programa “Art Madrid-Proyector’20” fue ofrecer actividades en las que conocer la obra de algunos creadores invitados, y, a través de una charla interactiva, permitir al público abrir un diálogo directo con ellos. Por esta razón, del 12 al 14 de febrero, se organizaron en Medialab Prado tres clases magistrales con Patxi Araújo, Olga Diego y Lois Patiño, todos ellos autores que trabajan con la imagen en movimiento, pero que abordan sus proyectos desde una óptica diametralmente opuesta. Con esta agenda, pudimos tratar tres líneas esenciales de la videocreación actual: la fusión con la tecnología y la inteligencia artificial, la plasmación de performances con finalidades documentales y el videoarte con tintes fílmicos. Ya tuvimos ocasión de recordar la sesión con Patxi Araújo y su obra site specific “Sherezade” creada para la fachada de Medialab Prado. Hoy hablaremos del encuentro que tuvimos con Olga Diego y Lois Patiño.

Olga diego, foto de Javier Adiego

La clase magistral de Olga Diego se tituló “El vuelo como materia creativa”. Olga es una artista multidisciplinar que en los últimos años ha centrado su trabajo en la escultura y la performance o el arte de acción, que luego documenta con fotografía y vídeo. Este último aspecto es uno de los que más interés despierta para ella al reflexionar sobre cómo se produce la transformación de la pieza de un formato experiencial a uno grabado, y cómo los individuos nos hemos acostumbrado a consumir esta clase de productos finales, menos invasivos y desde un espacio de confort que nos proporcionan la intimidad de nuestros dispositivos.

Una de las principales líneas de investigación de Olga se relaciona con los sistemas de vuelo autónomo y la creación de artefactos capaces de elevarse sin apenas energía. ¿Se puede crear un material más ligero que el propio aire? Esta idea la ha llevado a experimentar con numerosas formas y conceptos científicos, a la vez que hacía un recorrido histórico por los inicios del vuelo y los progresos de la humanidad para inventar aparatos capaces de volar. No se trata solo de recuperar la historia de la aviación, algo que tiene una vertiente mucho más tecnológica y mercantilista, sino de indagar en las ideas, experimentos y pruebas que trataban de analizar el comportamiento del aire, las dinámicas de flujos y el diseño de estructuras aerodinámicas individuales, una inquietud que el ser humano puso de manifiesto desde el Renacimiento, con Leonardo Da Vinci.

Olga Diego, foto de Mario Gutiérrez Cru

Olga recupera muchos de estos conceptos y los aplica a sus proyectos recientes. En sus últimas propuestas ha trabajado también con figuras hinchables, como una alternativa al vuelo dirigido, empleando materiales plásticos para su construcción. Su última exposición “El jardín autómata”, que pudo disfrutarse en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante y la Sala de Exposiciones Lonja del Pescado, también en Alicante, es una gigantesca instalación formada por casi un centenar de esculturas inflable-electrónicas inspiradas en los hermosos, extravagantes y sugerentes personajes del Jardín de las Delicias, del Bosco. Esta nube de figuras humanoides y zoomorfas, que se mueven y laten gracias a los mecanismos electrónicos que los mantienen permanentemente inflados, retrata también los excesos del hombre, su falta de preocupación por la invasión del entorno, la sobreexposición al plástico y la explotación de los recursos naturales. Una composición que se fija en “el pecado”, como mensaje indirecto que se extraía, también, en la obra del Bosco.

Clase magistral de Lois Patiño. Foto de Marta Suárez-Mansilla

Por su parte, la trayectoria de Lois Patiño está íntimamente conectada al trabajo cinematográfico. Su clase magistral se tituló “Tiempo e imagen”. Sus piezas de vídeo, sean breves o largometrajes, encierran una preocupación muy ligada al lenguaje fílmico, pero en una senda que deja al margen las narrativas convencionales. Dentro de los motivos principales que ocupan su obra, Lois se decanta por estéticas más contemplativas, donde se prioriza el poder expresivo de la imagen en sí misma, sin buscar demasiados efectos añadidos en el cine convencional a través de efectos de sonido, diálogos u otros artificios.





Por eso, el trabajo de Lois resulta tan poético y lírico. Sus propuestas incorporan innovaciones tecnológicas para provocar efectos muy concretos en sus trabajos, pero todo ello ayuda a ahondar en los temas que preocupan a este creador y que, desde sus inicios, están presentes en su obra.

Lois Patiño, foto de Mario Gutiérrez Cru

Lois Patiño se ha interesado siempre por la relación del individuo con el paisaje y por cómo éste puede modular nuestra forma de comportarnos en sociedad y determinar nuestra idiosincrasia. ¿Hasta qué punto somos dependientes de nuestro entorno? ¿Cómo la cultura se define por la conexión con el paisaje? Estas y otras preguntas plagan la obra del autor en la que abundan muchas imágenes contemplativas.

Además, Lois nos presentó en primicia el trailer de su último largometraje “Lúa vermella” que a los pocos días de la clase magistral fue a presentar oficialmente a la Berlinale - International Film Festival de Berlín de 2020.