LA FAUNA EXISTENCIALISTA DE DANIEL SUEIRAS

Daniel Sueiras siente una innegable inquietud por entender al ser humano como un todo, por comprender de una forma esencial el porqué de nosotros mismos, la razón de nuestra sociedad y el sentido del más allá, del cuándo y el dónde de nuestra (aparentemente) azarosa existencia. La transformación de este universo de pensamientos en su obra adopta diversas formas. Su versatilidad como pintor y escultor se traduce en un catálogo de personajes que juegan con el humor y la ironía para ofrecer una lectura de la vida diferente. Se trata de un permanente cuestionamiento del status quo que Daniel domina con maestría y que encuentra salida en uno de sus proyectos más ambiciosos “Selección natural”. Un compendio de ideas plasmadas en retratos señoriales, poses clásicas y ropas de época que interpelan al espectador. Hoy tenemos la suerte de entrevistar a este artista y conocer de cerca su propuesta creativa.

En tu obra parece que los animales salen mejor parados que las personas. El uso de la ironía es innegable. ¿Cómo das ese salto en tu obra a la fauna pictórica del proyecto “Selección natural”?

El proyecto de Selección Natural surge principalmente por dos motivos. Uno es puramente práctico y el otro teórico en cuanto a contenido y significado.

Desde que comencé a pintar, todas las series en que he trabajado han tenido un carácter marcadamente existencialista, donde todo ha girado en torno a las preguntas universales de quiénes somos, a dónde vamos y de dónde venimos (algo no demasiado original a día de hoy he de admitir). En mis series anteriores pretendía representar al hombre como a un animal que se debate entre sus instintos y su raciocinio, el cual se proyecta en el mundo natural en forma de creaciones físicas. De ahí que a veces hiciera “retratos” de lavadoras, bombonas de butano, armarios…para mí no son solo objetos sino materializaciones de procesos mentales…una suerte de entidades humanas.

Con los años, y a base de ahondar en lo que somos, la conclusión se iba haciendo cada vez más evidente: somos animales que nos hemos adaptado muy bien al medio gracias a nuestro intelecto, pero del mismo modo que otros seres se han adaptado al medio. Descubrí que este pensamiento no tiene tantos seguidores y a la mayoría de humanos nos cuesta asumir que somos animales, y a menudo vemos el mundo natural y resto de especies vivas como algo tremendamente ajeno y, lo que es peor, a menudo como algo inferior.

Esa es parte de la idea que mueve Selección Natural, que a su vez es un homenaje y una ironía a y sobre los descubrimientos revolucionarios de Darwin. Ironía ya que ha sido el ser humano el único capaz de desentrañar los mecanismos de la vida y también es él mismo quien se niega a creer dichos descubrimientos. E ironía también ya que de los descubrimientos de Darwin se deduce que la evolución ocurre porque son las especies mejor adaptadas al medio las que sobreviven y tienen descendencia, mientras que nuestra especie, la humana, lleva ya mucho tiempo pretendiendo que sea el medio el que se adapte a nuestras necesidades.

Daniel Sueiras

Smouq Mouse, 2014

Óleo sobre tabla

12.5 x 10cm

Daniel Sueiras

Retrato Ilustre LI, 2014

Óleo sobre tabla

23.5 x 17.5cm

Lo que siempre me ha interesado es retratar a personas en modos que se hiciera visible su naturaleza animal, pero sobre todo me fascina el retrato y la psicología que trasciende de él. Algunas personas compran un retrato de un animal porque es gracioso o tierno, otros son conscientes de que detrás de la envoltura tierna o irónica hay un trasfondo mayor… para mí lo importante es que el trabajo está ahí, con múltiples lecturas quizá, pero con una clara intencionalidad también. He de reconocer que a día de hoy esta serie tiene algo de tragicomedia no ya solo en su estética y contenido, sino también en su propio proceso de gestación.

 

  Tus retratos elevan a tus modelos a la categoría humana. Suelen ser imágenes sobrias y señoriales. ¿Cuál es la psicología de estos personajes? ¿Es la humanización del animal o la deshumanización del individuo?

La pregunta es tan acertada que es en sí la respuesta. En efecto, elevo al resto de animales a la categoría humana (ya que tal cosa no existe, es como casi todo, una invención nuestra). Y lo hago como ironía a esa supuesta diferenciación de rango. Del mismo modo humanizo al resto de animales, para mostrar que nuestros estándares y conceptos son todos, como digo, invenciones nuestras: unos seres que se definen a sí mismos como superiores y especiales. Además intento, a diferencia de algunos pintores del pasado, no hacer híbridos de humanos y animales: cabezas de animales sobre cuerpos humanos… No me interesa eso, si pinto un gran retrato de un ratón, quizá vaya vestido, pero el traje cubre su cuerpo de ratón. Es un ratón.

 

  En el proceso de creación de una obra nueva, ¿qué te lleva a decantarte por la pintura o la escultura? ¿Qué influencias tienes en la elección de la composición y el estilo?

El desarrollo de una idea artística siempre me resulta difícil de explicar, ya que creo que influyen innumerables factores. En cuanto a la elección del medio, pintura o escultura… diría que es como cuando te pones unos pantalones; ya tienes los pantalones, ahora hay que buscar que combina mejor con ellos. A menudo, la propia idea o concepto ya pide un medio, se trata de adecuar la idea a la forma y dar con cuál expresa mejor el contenido de la misma.

Daniel Sueiras

Retrato Ilustre LXXII, 2014

Óleo sobre tabla

13.5 x 13.5cm

La pregunta es francamente interesante y si tuviera que elegir un rasgo de mi trabajo característico sería ese, la composición, incluso más allá del estilo. Lamentablemente, a menudo uno no cae en la relevancia que tiene la composición en el efecto producido en el espectador al observar la obra.

A mí siempre me ha interesado la psicología en el arte y el efecto que este produce en el espectador. Me interesa que un cuadro no tenga escapatoria, que te mire antes casi de que uno lo mire a él. Ahí entra en juego la composición. Mis imágenes suelen ser muy rotundas, poses frontales, perfiles, escorzos a lo sumo…siempre muy rígidas. La mirada de todo lo representado siempre se dirige hacia afuera, busca al espectador. Casi nunca represento acción, si hay acción ya sabe uno lo que está ocurriendo, si no la hay se vuelve más psicológico, más inquietante…

También influye el fondo, suelen ser vacíos o con estampados que forman patrones para que toda la atención resida sobre el retrato, así como entiendo que el marco ha de funcionar como un potenciador de lo pintado. De hecho en esta serie los marcos los considero parte de la obra final, con una importancia igual a lo pintado, ya que refuerzan el conjunto de la idea e ironía.

Entonces sí, las influencias anteriores o posteriores a mi trabajo serían sobre todo, el arte egipcio, sumerio, asirio, el arte primitivo africano… todo arte rígido en cuanto a forma, en cuanto a expresividad, pero profundamente psicológico e inquietante, precisamente por esa carencia de movimiento.

Mi pensamiento sobre el estilo es relativamente básico, en estas obras soy bastante realista. Me interesa que el primer impacto de la obra lo produzca lo que representa, no el cómo está ejecutada… en ese sentido lo más parecido a la realidad es lo que menos condiciona o más ayuda al efecto que busco en las obras de Selección Natural.

 

  Esta línea de trabajo es un proyecto abierto que compaginas con otras obras, como los retratos personales, ¿tienes en mente algún otro reto artístico?

Sí, hace ya algunos años que vengo trabajando en otra serie, África. En ella vuelven a aparecer seres humanos y aunque no he encontrado suficiente tiempo para trabajar en ella, ya tengo incluso pensamiento de series futuras a ella. Por suerte ideas no me faltan, el tiempo es lo que me resulta más difícil de encontrar para realizar tantos proyectos.

Daniel Sueiras

Retrato ilustre XXXIV, 2013

Óleo sobre tabla

47 x 47cm

Daniel Sueiras

Retrato Ilustre LXX, 2015

Óleo sobre tabla

22.5 x 26.5cm

Daniel Sueiras

Retrato Ilustre Mus Musculus head, 2014

Yeso dental y madera policromada

23.5 x 23.5cm

 

  Tienes una larga trayectoria artística que se ha desarrollado tanto dentro como fuera de nuestro país. En tu experiencia como creador, ¿sientes que hay diferencias en la forma de acercarse al arte en otros países con respecto a España?

Mentiría si negase que existe algo de eso. Yo vivo en el sur de España, y en nuestro propio país existen diferencias a medida que uno viaja hacia arriba a través de nuestra geografía. Del mismo modo me atrevería a decir que ocurre algo similar a medida que uno abandona España hacia otros países.

Creo que tiene que ver con la cultura, con el clima (que a su vez tiene que ver con la cultura). Donde yo vivo, vivir de algún modo se considera un arte, así que el que hace arte se considera de algún modo un vividor. Aquí existe una creatividad increíble y quizá por eso se valora poco, de algún modo la gracia, la ironía, lo original, creativo y diferente están a la orden del día y que alguien además pueda ganarse la vida gracias a eso puede suponer hasta motivo de asombro.

Quizás deberíamos cambiar aspectos de nuestra cultura… pero también me da miedo que lo hagamos. Es difícil cambiar unos aspectos sin que cambien otros. Creo que tengo una vocación frustrada de antropólogo y a menudo intento entender los mecanismos de los procesos culturales y ambientales, y muchas veces comprender realidades hace que sea muy difícil juzgarlas.

Aquí muchísima gente tiene que emigrar aunque querrían quedarse ya que hay poco trabajo y muchas veces sus aptitudes no son valoradas y/o requeridas. Yo me siento un privilegiado por poder vivir aquí, aunque sea gracias a exponer en otros lugares.

 

 

La agenda cultural se recupera poco a poco tras el parón motivado por las circunstancias sanitarias y los amantes del arte están deseosos de disfrutar de la rica oferta cultural que los distintos espacios y museos repartidos por nuestra geografía tienen que ofrecer. Además, conviene recordar que estos centros han hecho un enorme esfuerzo por adaptarse a las exigencias que la nueva situación impone y se han volcado en generar abundante contenido accesible en línea para superar las limitaciones derivadas del confinamiento. Os traemos una selección de contenidos que se pueden visitarse tanto presencialmente como a través de la web. No hay excusa para no disfrutar nuevamente del arte contemporáneo.

Olafur Eliasson, “En la vida real (In real life)”, 2019

El museo Guggenheim de Bilbao continúa con su exposición dedicada a Olafur Eliasson y ofrece numerosos recursos para entender no solo la exposición, sino también la labor del centro en el proceso de montaje e instalación. La web permite ampliar contenidos con entrevistas al artista, la descarga de la audioguía y la visión de la comisaria Lucía Aguirre, que nos ofrece distintas píldoras de vídeo sobre las piezas de la exposición.

“Olafur Eliasson: en la vida real” reúne parte del trabajo de este artista desde 1990 a través de esculturas, fotografías, pinturas e instalaciones que juegan con reflejos y colores. Asimismo, la integración de elementos como musgo, agua, hielo, niebla… ponen a visitante en una situación que confunde los sentidos y tratan de desafiar la manera en que percibimos nuestro entorno y nos movemos en él.

Regina de Miguel, “Isla Decepción”, 2017

El Centro Botín en Santander acoge la exposición “Coleccionando procesos: 25 años de Itinerarios” en la que se reúne el trabajo de 25 de los 210 becarios que, hasta la fecha, han disfrutado de la Beca de artes plásticas de la Fundación Botín, iniciada en 1993. Con los trabajos Lara Almárcegui, Basma Alsharif, Leonor Antunes, Javier Arce, Erick Beltrán, David Bestué, Bleda y Rosa, Nuno Cera, Patricia Dauder, Patricia Esquivias, Karlos Gil, Carlos Irijalba, Adrià Julià, Juan López, Rogelio López Cuenca, Renata Lucas, Mateo Maté, Jorge Méndez Blake, Regina de Miguel, Leticia Ramos, Fernando Sánchez Castillo, Teresa Solar Abboud, Leonor Serrano Rivas, Jorge Yeregui, David Zink-Yi, la exposición es un buen ejemplo del arte contemporáneo más joven y actual aportado por artistas de perfiles muy diversos.

Clemente Bernad. Serie “Ante el umbral”, Madrid, 2020

El Museo Reina Sofía ha querido elaborar una crónica visual de lo que el confinamiento impuesto y los trágicos números de contagiados y fallecidos ha supuesto para la vida de muchos de nosotros: un relato de dolor, nostalgia e incertidumbre realizado por el fotógrafo Clemente Bernad. Esta muestra, comisariada por Jorge Moreno Andrés, lleva por título “Ante el umbral”, frase con la que se quiere expresar la extraña sensación que se produce al estar ante algo nuevo y desconocido, algo que no podemos controlar, ni evitar, y por lo que hemos de pasar todos. La alteración impuesta en nuestras vidas de forma imprevista tiene su reflejo en las calles, transformadas en lugares de soledad y abandono donde la vida se ha paralizado.

Mario Merz / S/T. Triplo Igloo, 1984 Colección MAXXI

En el IVAM la exposición “¿Cuál es nuestro hogar?” pone en relación obras de la colección IVAM y del centro MAXXI de Roma para proponer una reflexión en torno al espacio que habitamos visto desde una perspectiva personal y social. Se trata de indagar en el valor que estos espacios tienen como hogar o refugio, así como parte de una ciudad o comunidad.

La exposición, comisariada por José Miguel G. Cortés, quiere también ahondar en la sensación que tienen aquellas personas que se sienten extranjeras en cualquier lugar, porque no se identifican con los hábitos ni costumbres del entorno, no encajan en esos patrones sociales, y el hogar se convierte en el único espacio de cobijo que pueden amoldar a sus necesidades de identidad.

Martha Rosler, fotograma de “Backyard Economy I-II”, 1974 © Cortesía de Martha Rosler, 2020

Es Baluard Museu apuesta por la videocreación y la performance y acoge la exposición monográfica “Martha Rosler. ¿Cómo llegamos allí desde aquí?” dedicada a esta artista neoyorquina que fue pionera en el uso del vídeo como mecanismo de análisis social y político. Esta muestra recoge varios trabajos, desde el vídeo a la fotografía y diversas publicaciones, en las que se sintetizan sus principales líneas discursivas. Su preocupación por las políticas públicas y por la igualdad social de las mujeres la ha llevado a participar activamente en numerosos movimientos sociales en La Habana, Nueva York, México DC o Barcelona, y estas experiencias están presentes de un modo u otro en su obra.

Con el comisariado de Inma Prieto, se ha hecho una selección dentro de la abundante producción de esta artista, que presenta una de las carreras más coherentes dentro del arte contemporáneo de transición hacia el nuevo milenio.

Imagen de archivo, vía meiac.es/turbulence/archive/acceso.html

El MEIAC - Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, alberga las obras del prestigioso archivo de arte internacional digital “Turbulence”, una plataforma dedicada al arte en red e híbrido. Ante el cierre inevitable de esta institución, el MEIAC se ha ofrecido a alojar todo este valioso contenido recopilado desde 1996. La carga del archivo también sirvió de oportunidad para restaurar numerosas piezas y hacer conversión de formatos para que los archivos que se habían quedado obsoletos, siguieran siendo legibles por los nuevos sistemas. Un inmenso trabajo de conservación y actualización que hoy se puede disfrutar en línea. El archivo se compone por cientos de obras digitales de todo el mundo que hoy se pueden visitar a distancia.