LA QUEDADA. VISITAS A ESTUDIOS. ART MADRID'25

¡Art Madrid te invita a #LaQuedada!

Para celebrar nuestros veinte años de arte contemporáneo hemos organizado un Programa paralelo de actividades bajo el concepto "Territorio Ciudad", que se enfoca en el espacio público, la ciudad y el territorio como ejes de las prácticas artísticas. Este programa incluirá actividades durante el mes de febrero y durante la Semana del Arte de Madrid en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles.

Junto a CRU hemos organizado el 1 y 2 de marzo la segunda edición de #LaQuedada, un circuito de recorridos por los estudios de artistas.

¿Te has preguntado cómo es el espacio de trabajo de un artista? ¿Has pensado dónde produce un artista su obra cuando, por ejemplo, se está preparando para participar en una feria de arte? Las jornadas están destinadas tanto a profesionales, como a público general. Durante las mismas descubriremos 5 espacios dedicados a la creación artística y la creación de proyectos arquitectónicos hilvanados por la utopía como concepto que unifica las arquitecturas utópicas y los espacios territoriales de cuidado y las acciones descentralizadas que se pueden construir entre centros y periferias.

Boa Mistura. La Quedada. Art Madrid'25.

VISITA AL ESTUDIO DE BOA MISTURA

Cuándo: Sábado, 1 de marzo. 16:30h

SOBRE BOA MISTURA

Boa Mistura es un colectivo artístico con raíces en el grafiti, nacido en Madrid a finales de 2001. Está formado por los licenciados en Bellas Artes Pablo Ferreiro y Juan Jaume, el artista plástico Rubén Martín de Lucas, el ilustrador Pablo Purón y el arquitecto Javier Serrano. En la actualidad, continúan en activo Pablo Ferreiro, Pablo Purón y Javier Serrano. El término “buena mezcla” alude a la simbiosis entre sus integrantes.

Su trabajo se desarrolla principalmente en el espacio público. Conciben su obra como un elemento transformador, capaz de crear o modificar las relaciones de las personas con el lugar en el que viven, así como los lazos que existen entre ellas.

Han llevado a cabo proyectos en más de 40 países del mundo, colaborando con organizaciones como la ONU, Amnistía Internacional, PNUD, Greenpeace, Acción contra el Hambre o Cruz Roja, entre muchas otras.

Su obra ha formado parte de la Bienal Iberoamericana de Diseño – BID 2024 y 2020, la Bienal de Dakar 2022, la Bienal Urbana de Shen Zhen 2017, la Bienal de Pintura Mural de Cali 2016, la Bienal de Arte de La Habana 2015, la Trienal de Diseño de Milán 2015, la Bienal de Arquitectura y Urbanismo – BIAU 2015 y la Bienal de Arquitectura de Venecia 2012 en el Pabellón de España.

Han participado en exposiciones y muestras en importantes centros de arte, como el Museo Reina Sofía de Madrid, el Museo MAXXI de Roma, el Hyundai Museum ALT1 de Seúl, el CAC de Málaga, el Palacio de las Bellas Artes de Santo Domingo, el CENTREQUATRE de París, la Casa Encendida en Madrid, el Centro de Cultura Contemporánea CONDEDUQUE, el Centro de Arte de Alcobendas, el Welt Museum de Viena y el Bauhaus-Archiv de Berlín.

Su metodología de trabajo ha sido reconocida con la medalla de bronce en los World Habitat Awards de ONU-Hábitat + World Habitat 2018.

TODO POR LA PRAXIS. La Quedada. Art Madrid'25.

VISITA AL ESTUDIO DE TODO POR LA PRAXIS

Cuándo: Sábado, 1 de marzo. 18:30h

SOBRE TODO POR LA PRAXIS

Colectivo de arte y arquitectura crítica fundado el 2008, cuyo enfoque principal es la función social del arte y la acción directa. Su objetivo es activar la práctica artística como aporte a la transformación, creando espacios y dispositivos para la reflexión crítica. Los imaginarios que construyen abordan diversas disidencias y resistencias políticas a través de prácticas colaborativas, en base a la amplificación de relatos que intervienen el espacio público. Está integrado actualmente por el artista y arquitecto Diego Peris López, y la artista visual e investigadora Jo Muñoz.

Las diversas obras que componen su práctica, buscan construir otros imaginarios posibles, analizando los contextos actuales desde el desafío de crear, abordar y acoger discursos radicales, antagonistas a las imposiciones culturales hegemónicas. Buscan instalar conocimientos y espacios de pensamiento crítico, activando nuevas subjetividades transculturales como descolonización del pensamiento dominante. Realizan procesos de investigación, producción y acción en territorios tanto geográficos como simbólicos, utilizando el agit prop, la contra-publicidad y la visibilización o guerrilla de la comunicación, en dispositivos críticos que interpelan relatos estéticos y políticos.

Sus obras han sido exhibidas en más de 35 exposiciones con diversos comisariados, en España e internacionalmente. Además, han sido publicados en varias revistas y entrevistas, recibido premios y realizado residencias artísticas. Durante el 2024 se adjudican la beca VEGAP, y han sido seleccionades para el premio Ciudad de Palma Antoni Gelabert de artes visuales.

Inland Campo Adentro. C.A.R. La Quedada. Art Madrid'25.

VISITA EL ESPACIO DE CAMPO ADENTRO - INLAND

Cuándo: Domingo, 2 de marzo. 13:00h

SOBRE C.A.R.

El Centro de Acercamiento a lo Rural (CAR) es un proyecto de Campo Adentro iniciado en octubre de 2018. La casa es sede de Campo Adentro en la ciudad y funciona como un espacio dinámico e inclusivo donde buscamos el encuentro entre campo-ciudad haciendo visibles y catalizando procesos creativos y sociales. En el CAR combinamos investigación, la formación y la producción cultural a través de diferentes líneas de acción, desde un Centro de Documentación a una Cantina o un Taller de Autoedición. Quiere ser una ventana para la comunidad artística urbana a lo que está sucediendo en el campo, una casa de acogida de agentes rurales, artistas, investigadorxs y diferentes personas que se vinculan temporalmente al CAR desarrollando sus líneas de trabajo.

Mateo Maté. La Quedada. Art Madrid'25.

VISITA AL ESTUDIO DE MATEO MATÉ

Cuándo: Domingo, 2 de marzo. 17:00h

SOBRE MATEO MATÉ

Mateo Maté (1964) ha realizado exposiciones individuales en el Ulsan Art Museum (Korea del Sur, 2023), en el Museo Weserburg (Bremen, 2021), en la Galleria Nazionale de Arte Moderno (Roma, 2020), en la Galería Isabel Aninat (Santiago de Chile, 2018), en la Sala Alcalá 31 (Madrid, 2017), en la Galería Max Weber Six Friedrich (Munich, 2014), en el Museo Lázaro Galdiano, el Museo Cerralbo, la Biblioteca Nacional de España y el Museo del Romanticismo (Madrid, 2013), en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2012), en el Museo Siqueiros (México DF, 2011), en el Matadero (Madrid, 2010), en el Museo Patio Herreriano (Valladolid, 2008), en la Galería Grita Insam (Viena, 2005-08), etc.

Su obra ha sido igualmente mostrada en los siguientes museos y centros de arte internacionales y nacionales: Centro Botín (Santander, 2020), Centro de Arte 2 de Mayo (Madrid, 2020), Artium (Vitoria, 2018), Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, 2017), Fundación Miró (Barcelona, 2015), MART (Trento, 2014), La Nuit Blanche (Paris, 2014), Hirshhorn Museum (Washington, 2014), Fundación Tàpies (Barcelona, 2013), The Herzliya Museum (Tel Aviv, 2012), Museo de Arte Contemporáneo (Santiago de Chile, 2012), Museo Berardo (Lisboa, 2011), BOZAR (Bruselas, 2010), Jeu de Paume (Paris, 2007), PS1 MoMA (Nueva York, 2003), entre muchos otros.

Laura Lío. La Quedada. Art Madrid'25.

VISITA AL ESTUDIO DE LAURA LÍO

Cuándo: Domingo, 2 de marzo. 19:30h

SOBRE LAURA LÍO

Laura Lío se dedica a la investigación y a la creación en artes plásticas. Nació en Buenos Aires, Argentina, en 1967 y desde 1990 reside en Madrid. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova” en Buenos Aires, y en la Facultad de Bellas Artes de la UCM. Es doctora en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha (año 2012). En 2022 se publica su libro Esporas (Ed. DOSPAREDESY1PUENTE, Madrid) y en el 2023 su ensayo Refugios del cuerpo y la imaginación. Biomímesis en arte y arquitectura desde las construcciones de los animales (Ed. Asimétricas, Madrid). Ha realizado esculturas, instalaciones, proyectos para espacios específicos y trabajado abundantemente sobre papel en dibujo, artes gráficas y libros de artista. En el año 2015 crea PEZPLATA Ediciones, sello de libros de artista y material impreso con sede en su NavEstudio de Madrid.

Sus obras han sido publicadas en numerosos catálogos y libros. En 1997 fue premiada con la Beca de la Academia de España en Roma; en 1998 con la Beca para la Creación en Artes Plásticas del Colegio de España en París. También la Fundación Rockefeller de Nueva York le otorgó una beca en el año 2005 para residir en el Bellagio Study and Conference Center. En el año 2006 recibió la Beca Endesa para Artes Plásticas de la Diputación de Teruel y en el 2013 una beca de residencia en la Fundación Bogliasco, en Italia, así como una beca del Gobierno de México. En el 2016 realizó una estancia de creación en China, proyecto organizado por la Calcografía Nacional y el Instituto Cervantes de Pekín. En el 2018 participó en el proyecto Art meets Science en Harlösa, Suecia, con la organización ARNA. En el 2024 representando al sector artístico español en el Parlamento Europeo, participó en el encuentro Involving cultural Actors en Bruselas.

Hasta la fecha ha realizado 22 exposiciones individuales en España, Argentina, Francia, Italia y otros países, las últimas en el Palacio Quintanar de Segovia, en el CAB de Burgos y en la galería Artur Ramón de Barcelona. Su obra se ha incluido también en importantes exposiciones colectivas, como, por ejemplo, El retorno de lo imaginario. Realismos entre el XIX y el XXI, celebrada en el Museo Reina Sofía en 2010, y Printed Matter, que tuvo lugar en 2018 en el MoMA. Varias de sus esculturas están en espacios públicos, como en O Grove (Pontevedra, España), el Odenwald (Darmstadt, Alemania), el Centro Franco Basaglia (Livorno, Italia) y en Strömsfors, Suecia.

Sus esculturas y dibujos se encuentran en colecciones públicas y privadas tales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo del Patio Herreriano, Ministerio de Asuntos Exteriores, Congreso de Diputados, Colección de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, Biblioteca Nacional de España, Ministerio de Cultura, Colegio de España en París, Caja Madrid-Obra Cultural, Fundación Endesa, Museo de Teruel, Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes de Roma, el Archivo Lafuente y la Colección Circa XX, entre otras.

Durante la visita, proyectaremos su pieza Hacer la calle. Lo digo con un cartel (7")

La práctica del colectivo DIMASLA (Diana + Álvaro), (Valencia, 2018), se sitúa en un cruce fértil entre arte contemporáneo, pensamiento ecológico y una filosofía de la experiencia que desplaza el énfasis de la producción hacia la atención. Frente a la aceleración visual y material del presente, su trabajo no propone una oposición frontal, sino una reconciliación sensible con el tiempo, entendido como duración vivida más que como medida. La obra emerge así como un ejercicio de detenimiento, una pedagogía de la percepción donde contemplar y escuchar devienen modos de conocimiento.

En sus trabajos, el territorio no funciona como marco, sino como agente. El paisaje participa activamente en el proceso, estableciendo una relación dialógica que recuerda a ciertas corrientes eco-críticas, en las que la subjetividad se descentra y se reconoce como parte de un entramado más amplio. Esta apertura implica una ética de la exposición: exponerse al clima, a la intemperie y a lo imprevisible supone aceptar la vulnerabilidad como condición epistemológica.

Los materiales -telas, pigmentos, huellas- operan como superficies de inscripción temporal, memorias donde el tiempo deja rastro. La planificación inicial se concibe como hipótesis abierta, permitiendo que el azar y el error actúen como fuerzas productivas. De este modo, la práctica artística de DIMASLA (Diana + Álvaro) articula una poética del cuidado y del estar-con, donde crear es, ante todo, una forma profunda de sentir y comprender la naturaleza.

En un momento histórico marcado por la velocidad y la sobreproducción de imágenes, vuestro trabajo parece reivindicar la lentitud y la escucha como formas de resistencia. ¿Podría decirse que vuestra práctica propone un modo de reaprender el tiempo desde la experiencia estética?

Diana: Sí, pero más que resistencia o reivindicación, es conciliación, es amor. Parece lentitud, pero es detenimiento, es reflexión. Ocupar el tiempo desde la contemplación o la escucha es una manera de sentir. La experiencia estética nos lleva a un camino de reflexión sobre lo que hay fuera y lo que hay dentro.

El territorio no aparece en vuestra obra como un fondo o un escenario, sino como un interlocutor. ¿Cómo se negocia esa conversación entre la voluntad del artista y la voz del lugar, cuando el paisaje mismo participa del proceso creativo?

Álvaro: Para nosotros el paisaje es como un compañero de vida o un amigo cómplice, y lógicamente es una relación íntima que se extiende a nuestra práctica. Vamos a visitarlo, a estar con él, a co-crear juntos. Entablamos una conversación que va más allá de la estética; son conversaciones llenas de acción, contemplación, comprensión y respeto.

Al final, de algún modo, él se expresa a través del material y nosotros respetamos todas sus cuestiones, valorando al mismo tiempo aquello que nos inquieta, nos produce y nos estimula en torno a esta relación.

La conquista de los conejos I & II. 2021. Proceso.

En vuestro modo de hacer se intuye una ética de la exposición: exponerse al entorno, al clima, al otro, a lo impredecible. ¿Hasta qué punto esa vulnerabilidad es también una forma de conocimiento?

Diana: Para nosotros esa vulnerabilidad nos enseña mucho, sobre todo humildad. Cuando estamos ahí fuera y sentimos el frío, la lluvia o el sol, nos damos cuenta de lo pequeños e insignificantes que somos en comparación a la grandeza y la fuerza de la naturaleza.

Entonces, sí; consideramos esa vulnerabilidad como una fuente profunda de conocimiento que nos ayuda, entre otras muchas cosas, a despojarnos del ego y a entender que solo somos una pequeña parte de un entramado mucho más complejo.

A veces las montañas también lloran. 2021. Desprendimiento de rocas caliza, sol, lluvia, viento, resina de pino sobre acrílico en tela de algodón natural, expuesta en manto de esparto y caliza durante dos meses. 195 cm x 130 cm x 3 cm.

Vuestras obras a menudo emergen de procesos prolongados de exposición al medio. ¿Podría pensarse que la materia -las telas, los pigmentos, los rastros del entorno- actúa como una memoria que el tiempo escribe sobre vosotros tanto como vosotros sobre ella?

Álvaro: Esto da para una conversación larga sentados en una piedra; sería bastante estimulante. A ver, si las experiencias moldean el interior de las personas y esto nos hace ser quienes somos en un momento presente, diría que sí, sobre todo a lo primero. Salir de nuestra zona de confort nos ha llevado a aprender de la perseverancia de las plantas, la calma geológica de las montañas, y con ello a reconciliarnos con el tiempo, el entorno, la naturaleza, con nosotros mismos e incluso con nuestra propia práctica. Igual que las telas guardan la memoria del lugar, nosotros reaprendimos a poner detenimiento y comprensión. Al final, es una manera de profundizar en el sentir.

El zorro y sus camelos.2022. Detalle.

¿Hasta qué punto planificáis vuestras obras y cuánto espacio dejáis para que ocurra lo inesperado o, incluso, al error?

Diana: Nuestra planificación se reduce a la hipótesis inicial. Elegimos los materiales, los colores, los lugares e incluso a veces la ubicación, pero dejamos todo el espacio posible para que ocurra lo inesperado. Al final se trata de eso, de que la naturaleza hable y que la vida suceda. Para nosotros, tanto lo inesperado como el error forman parte de la complejidad del mundo, y en ello encontramos una belleza natural.