Art Madrid'25 – Las poéticas invisibles entre el arte y el diseño

La creación de formas y expresiones estéticas tiende un puente común entre el arte y el diseño. Si por un lado el arte hace preguntas, nos interpela y nos incita a cuestionarnos todo conocimiento; el diseño se esfuerza en ofrecernos soluciones para mejorar nuestra vida diaria, apelando a la funcionalidad y a la utilidad de los objetos y materiales que hacen confortable nuestra cotidianidad. Los límites que separan al arte del diseño suelen ser muy delgados pero realmente no nos interesa hablar sobre límites, todo lo contrario. La funcionalidad y la subjetividad pueden darse la mano para construir objetos bellos, delicados y punzantes en su expresión reflexiva. No cabe duda, cuando el arte y el diseño se encuentran, generan un fuerte vínculo entre creatividad y materia, convirtiéndose en herramienta útil para diseccionar los sentidos.

Quizás la creación artística vea en el diseño su referente, si incluimos en este beber de ambas fuentes un tercer elemento: La sostenibilidad. Las artistas que os presentamos a continuación, trabajan recuperando materiales y convirtiéndolos en objetos estéticos. La conciencia que opera en los trabajos de Idoia Cuesta (Galería Arancha Osoro); Luz Moreno Pinart (Galería CLC ARTE); Lúcia David (Galería Trema arte contemporânea) y Cova Orgaz (Galería Bea Villamarín), es el resultado de la síntesis entre oficio e innovación. Tienen en común - entre otras cosas- la producción intuitiva y artesanal, el respeto por los recursos y los tiempos de creación. Sus obras son fruto de una preocupación por desacelerar el ritmo de vida a través de procedimientos tradicionales que hablan de sus orígenes. Y mediante estos procedimientos, cada una, a su manera, nos invita a preguntarnos: ¿Cómo entendemos el tiempo, la materia y el espacio que habitamos?

Idoia Cuesta. Abisal. Tanza de pesca. Dimensiones variables, 2023.

Idoia Cuesta (Donostia, 1969), es una artista que combina los procesos de confección de la cestería y el arte textil. Utiliza técnicas artesanales y materiales orgánicos para crear piezas que reflejan la identidad de la materia prima; y su metodología de trabajo bebe principalmente de los entornos rurales y el respeto por el medioambiente. Las fibras que otorgan corporalidad a sus piezas está insuflada de una vocación sanadora y un deseo por construir un relato personal sobre la utilidad de la obra de arte en cualquier contexto. En sus esculturas son apreciables la personalidad minimalista y la sensorialidad acogedora, características resultantes de la alquimia que genera la relación entre la cestería y el textil, y que que rebasa lo meramente contemplativo para cuestionar cuánto de humanidad habita en los entresijos de la materialidad.

Luz Moreno Pinart. Momo hajimete saku. Papier, platre, 11 x 7 x 7 cm. 2023.

Luz Moreno Pinart (Madrid, 1989), se ha especializado en diseño, escenografía y fibras textiles. Sus trabajos tienen una impronta escultórica muy marcada. El volumen que generan las finas hebras de papel anudado, convierte cada pieza en una suerte de red que interconecta lo emocional con la vivacidad de los elementos. Es la impresión que provocan sus entramados de trenzas cuando frente a ellas, podemos rememorar la curiosa metáfora de que todo en la vida pasa... Nuestra existencia se sucede en momentos que atesoramos y la fragilidad de los recuerdos se posa en cada nudo tejido. El color rojo - en sus valores variables- es en sus piezas instalativas, metáfora de la intensidad con la que la artista ha vivido cada instante. Sus trabajos son experimentaciones que han ido evolucionando, -cual premeditada arqueología de los elementos domésticos más arraigados-, proyectándose hacia el futuro de una producción visual que hibrida los códigos del diseño, el arte y la artesanía en búsqueda de una obra sostenible por naturaleza propia.

Lúcia David. Babel Tower. Tablero mdf, cola, periódicos, tela, plástico, alambre, 15x15 x18 cm, 2023.

Lúcia David (Portugal, 1966), trabaja la performance, la instalación y la escultura, con especial interés en los libros de artista y la textualidad de la obra de arte. Integra en sus creaciones, técnicas del collage y el bordado. En sus trabajos, la artista relata la suerte que han corrido las mujeres -por su condición- y en ese viaje, rememora la historia colectiva del estatus femenino en su país natal. El papel, la pulpa efervescente de letras y los segundos planos, van perfilando los costados de una aguja punzante a la vez que sanadora, con la que la artista crea, escribe, borda y perfora. Todas estas acciones en ese orden y con el ímpetu de rescatar las tradiciones que legaron las matriarcas de cada familia a generaciones y generaciones de hijas. En general, su obra enaltece la imperfección, la rudeza y la simplicidad de las acciones que ocurren en los espacios domésticos y que con el devenir de los años, se han ido trasladando a la vida pública. El silencio pone bajo su mano los objetos que atañen a las labores domésticas, sin embargo, en un intento por subir el tono de esos susurros silenciosos, la artista vuelca en el papel todo el valor contenido que una vez, también le dejaron en herencia sus antecesoras.

Cova Orgaz. Pichón azul. Cartón policromado nº 3, 29 x 33 x 20 cm, 2023.

Cova Orgaz (Bilbao, 1983), ha redefinido la creación de una manera arriesgada y valiente al utilizar el cartón como material principal de sus esculturas. Desafiando su carácter volátil y de difícil preservación, la artista ha ido rompiendo los esquemas para demostrar que el cartón puede ser tan apreciado en la producción escultórica como cualquier otro elemento. Su habilidad para dominar y dejarse llevar por el cartón, la ha conseguido a base de prueba y error pero sin darse por vencida. Como resultado a su fértil empeño, hoy nos sorprende con un repertorio de entrañables esculturas figurativas de un realismo impactante. Existen algunas manos en el mundo que corrigen, otras que censuran y algunas que modelan en deseos lo que -luego de tanto trabajo-, llega a convertirse en realidad. Así, como si fueran a cobrar vida en cualquier momento, las esculturas de cartón de Cova Orgaz elevan el material a una categoría tan apreciable como pudiera ser la del bronce, mármol o madera. Su persistencia ha demostrado que la auténtica destreza artística va más allá de los materiales convencionales, redefiniendo nuevas posibilidades que puede llegar a definir un camino para la creación sostenible.

Idoia Cuesta. Abisal. Tanza de pesca. Dimensiones variables, 2023.

En conjunto, estas artistas no solo fusionan tradición y contemporaneidad, sino que también resaltan la utilidad de la virtud en la creación de obras que se posicionan ante determinados planteamientos de género, preservación de las labores domésticas, cuestionamiento de lo establecido y plantean el valor que tiene advertir la creación como una práctica consciente y comprometida con la sociedad. Ellas han ido más allá de lo estético, creando experiencias sensoriales, historias entretejidas, reencuentros con la memoria colectiva y una evidente conexión con la esencia misma de la vida y la naturaleza. Y el resultado está aquí: Obras que, además de bellas en forma, son contundentes en los contenidos que traducen; instauran - con sus propias poéticas invisibles - un equilibrio necesario para cumplir la tarea de caminar sobre un fino filo, donde la estética y la utilidad del objeto coexisten en perfecta armonía.



Del 7 al 9 de julio de 2025, el Palacio Balsera (Avilés, Asturias) acogerá el I Curso de Coleccionismo y Arte Contemporáneo, un programa intensivo de 15 horas que abordará la compleja y fundamental cuestión del gusto en el arte contemporáneo. Organizado por el Instituto Nebrija de Artes y Humanidades de la Universidad Nebrija y el Ayuntamiento de Avilés, con la colaboración de 9915 Asociación de Coleccionistas Privados de Arte Contemporáneo y el Instituto de Arte Contemporáneo; una oportunidad para el análisis y el debate en torno a las dinámicas que configuran el valor estético y simbólico en el panorama artístico actual.


I Curso de Coleccionismo y Arte Contemporáneo. Avilés, Asturias. Del 7 al 9 de julio de 2025.


La noción de gusto, intrínsecamente ligada a juicios estéticos y relaciones de poder, ha sido determinante en la trascendencia de artistas y obras a lo largo del tiempo. Sin embargo, el arte contemporáneo, caracterizado por la ruptura de normas, la diversidad de soportes y técnicas, y la crítica a los cánones tradicionales, plantea un cuestionamiento fundamental sobre la vigencia de esta noción. El curso explorará cómo las decisiones de agentes clave del sistema del arte: instituciones, colecciones privadas, galerías, curadores y artistas, redefinen continuamente un campo del gusto influenciado por lógicas estéticas, simbólicas, culturales, sociales y políticas.


"¿Pero existe, y cuál es el gusto predominante de este tiempo nuestro, tan aparentemente confuso, fragmentado, indescifrable?" - Omar Calabrese, La era neobarroca.


El programa académico, dirigido por José Luis Guijarro Alonso, director del Máster en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas de la Universidad Nebrija, y Pablo Álvarez de Toledo, director del Departamento de Artes de la Universidad Nebrija y del Instituto Nebrija de Artes y Humanidades, contará con la participación de un destacado grupo de expertos nacionales, incluyendo coleccionistas, críticos, comisarios, galeristas y artistas, cuyas intervenciones abordarán temas clave en la configuración del valor estético, simbólico y de mercado en el contexto actual.


PROGRAMA

LUNES 7 DE JULIO

9:30 h Acreditaciones.

10:00 h Apertura del curso Universidad Nebrija Ayuntamiento de Avilés A cargo de Rosario López Meras – Presidenta de la Asociación de Coleccionistas de Arte Contemporáneo, 9915 y Adrián Piera – Presidente IAC, Instituto de Arte Contemporáneo.

10:30 h Presentación del curso A cargo de José Luis Guijarro Alonso – Historiador del Arte y Antropólogo, Investigador y Director del Máster en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas de la Universidad Nebrija.

11:00 h Pausa para café.

11:30 h Conversación El gusto del coleccionismo privado como antesala de la historia. Ponentes: Candela Álvarez Soldevilla – Empresaria y coleccionista; Javier Quilis – Colección INELCOM; José Miguel Vegas Valle – Coleccionista. Modera: Luis Feás – Crítico y comisario.

13:00 h Pausa para comida.

15:30 h Ponencia individual Sobre el buen gusto en el arte contemporáneo. Ponente: Marisol Salanova – Comisaria y crítica de arte, Directora de Arteinformado.

16:45 h Conversación La influencia de las galerías en la construcción del gusto contemporáneo. Ponentes: Elba Benítez – Galerista; Ricardo Pernas – Galerista (Arniches 26) y Aurora Vigil-Escalera – Galerista. Modera: Rafael Martín – Coleccion@casamer

18:00 h Cierre de la jornada.

18:30 h Actividad y cocktail. Visita Exposición Artistas asturianos en la Colección Pérez Simón – Avilés.


MARTES 8 DE JULIO

10:00 h Ponencia individual El (mal) gusto contemporáneo: kitsch, camp, cursi. Ponente: Julio Pérez Manzanares – Universidad Autónoma de Madrid.

11:00 h Pausa para café.

11:30 h Conversación Instituciones y la formación del gusto contemporáneo. Ponentes: Virginia López – Artista, fundadora PACA_Proyectos Artísticos Casa Antonino; Julieta de Haro – Directora artística de CentroCentro; Carlos Urroz – Director de Relaciones Institucionales Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía modera: Laura Gutiérrez – Directora Escuela de Arte de Oviedo

13:00 h Pausa para comida.

15:30 h Conversación Más allá del ojo: el gusto por lo ético, ecológico, social o político en el arte contemporáneo. Ponentes: Semíramis González – Comisaria independiente; Eugenio Ampudia – Artista y Claudia Rodríguez-Ponga – Comisaria Independiente. Modera: Barbara Mur Borrás – Doctora en Bellas Artes.

17:00 h Cierre de la jornada.

17:30 h Actividad Visita Exposición Studiolo – Colección Candela Álvarez Soldevilla.


MIÉRCOLES 9 DE JULIO

9:30 h Encuentro de artistas asturianos Ponentes: Maria Castellanos – Artista, Avelino Sala – Artista y Consuelo Vallina – Artista. Modera: Pablo Álvarez de Toledo – Universidad Nebrija

11:00 h Actividad Visita Centro Niemeyer – Avilés.

Clausura del curso.





El curso está dirigido a profesionales del arte, coleccionistas, investigadores y estudiantes interesados en analizar en profundidad las dinámicas que configuran el gusto y el coleccionismo en el arte contemporáneo. Con un enfoque crítico y multidisciplinar, se ofrece una oportunidad única para examinar los factores estéticos, simbólicos y estructurales que inciden en la legitimación del arte contemporáneo.