Art Madrid'26 – LOS ESPERADOS ONE PROJECT DE ART MADRID 17

LOS ESPERADOS ONE PROJECT DE ART MADRID 17

26 ene. 2017

art madrid

 

Comisariado por Carlos Delgado Mayordomo, el conjunto ONE PROJECT reflexiona sobre los conceptos de territorio, desplazamiento e identidad. Los integrantes de esta selección en la 12ª edición de Art Madrid son: Rubén Martín de Lucas, Mariajosé Gallardo, Irene Cruz, Renato Costa, Acaymo S. Cuesta, Keke Vilabelda, Eloy Arribas y Ernesto Rancaño. 

 

El conjunto que configura ONE PROJECT AM17 “reflexiona sobre la conexión entre creación, lugar, desplazamiento, identidad y memoria. Los artistas seleccionados colocan su acento en la metrópoli, la arquitectura y el cuerpo como escenarios en permanente estado de cambio latente”, explica Carlos Delgado Mayordomo.

 

A partir de cánones ideológicos y discursivos muy heterogéneos, los 8 artistas plantean obras que no están ligadas a un escenario de significación territorial fuerte, sino vinculadas a un mundo global cada vez más marcado por sus diásporas y readaptaciones”, añade el comisario.

 

 

Rubén Martín de Lucas. Génesis 1.28. Creced y Multiplicados. Círculos Acción en el paisaje. Fotografía. Tintas pigmentadas sobre papel microporoso siliconado sobre metacrilato de 3mm montado sobre dibond. 120 x 150 cm. Ed.5 + PA. 2017

 

 

Rubén Martín de Lucas (Madrid, 1977) con la Galería BAT alberto cornejo (Madrid), Ingeniero de caminos CC. y PP. por la Universidad Politécnica de Madrid, en 2002 decide dedicarse por completo al arte. Miembro del colectivo multidisciplinar Boa Mistura. Grupo de artistas con raíces en el graffiti que ha intervenido entre otros en el el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Casa Encendida, Festival Internacional de las Artes de Castilla León.

 

Mariajosé Gallardo. Painting cost time and money - Óleo, esmalte y pan de oro sobre lienzo - 100 x 81 cm - 2016

 

 

Mariajosé Gallardo (Villaf. de los Barros, Badajoz, 1978), participa con Espacio Olvera (Sevilla). Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Diseño y Grabado, por la Universidad de Sevilla. Podemos destacar del c.v. de la artista premios como el Focus Abengoa, la presencia de su obra en numerosas fundaciones o su exposición individual en el CAAC (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo).

 

 Irene Cruz. The Muses - Fotografía - 40 x 60 cm - 2016

 

 

Irene cruz (Madrid, 1987) participa con Fifty Dots Gallery (Barcelona) Licenciada por la Universidad Complutense de Madrid en Publicidad y Relaciones Públicas y Comunicación audiovisual. Obtuvo el Máster Internacional EFTI, especializándose en Fotografía conceptual y creación artística. Actualmente vive y trabaja en Berlín, y ha realizado más de 250 exposiciones de fotografía, videoarte y videoinstalaciones en todo el mundo, destacando lugares como el Palais de Tokyo de París, el Círculo de BB.AA en Madrid o el Project Art Space de Nueva York.

 

 

Renato Costa. Tan-Gentes - Óleo sobre lienzo - 140 x 140 cm - 2016

   

 

Renato Costa (Río de Janeiro, Brasil, 1974) participa con la Galería Javier Silva (Valladolid). Inició su profesión en el taller de su padre el pintor Manuel Costa. Estudió BB.AA. en la Facultad Complutense de Madrid, ya en 2005 se trasladó a dicha ciudad hasta la actualidad. Su obra se define por expresar intensamente las emociones a través de sus características técnicas y temáticas. Los temas claves son la relación entre el pasado y la actualidad, no solo las personales sino también las colectivas. 

 

 

Acaymo S.Cuesta. Preámbulo - Fotograbado sobre plancha de fotopolimero. Tinta negra offset. Papel super alfa. Políptico compuesto por 7 grabados
   

 

Acaymo S.Cuesta (Las Palmas de Gran Canaria, 1983) con la Galería La Isla (Madrid). Licenciado en BB.AA. en la Facultad de la U.L.L, cursó el Máster de Producción artística en la misma facultad. Ha expuesto individualmente en la Galería No Lugar de Quito, Ecuador, la Galería de Arte U.L.P.G.C de Las Palmas de Gran Canaria y en la Fundación Mapfre de Tenerife. Ha participado en exposiciones colectivas en T.E.A. (Tenerife Espacios de las Artes), en Camino Largo 31, La Laguna, Tenerife, en Estudio Andrés Delgado, Madrid, en San Miguel de Tucumán, Argentina y en la Escuela Superior de Diseño de la Universidad Politécnica de Valencia, entre otras.

 

 

Keke Vilabelda. Hueso y hormigón 4 - - 100 x 70 cm - 2016

 

 

Keke Vilabelda (Valencia, 1986) participante con Kir Royal Gallery (Madrid). Se graduó en la facultad de BB.AA. en la Universidad Politécnica de San Carlos, Valencia. Ha expuesto de forma individual en galerías como la Kir Royal Gallery de Valencia, en la Rodríguez Gallery en Polonia, Plecto Galería and Lokus Contemporánea en Medellín, o la Coldharbour London Gallery en Londres. También ha participado en muestras colectivas como, “Ayudas Injuve a la creación joven” en la Sala Amadis, Madrid. “Lenguajes en Papel” en la Galería Fernando Pradilla o la Beautiful New World, International Contemporary Art Exhibition, Nanjin.

 

 

Eloy Arribas. Sin título - Óleo y collage sobre lienzo - 100 x 81 cm - 2016    

 

 

Eloy Arribas (Valladolid, 1991) con Silves Arte Contemporáneo (Huércal-Overa, Almería). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, Matrícula de Honor en la especialidad de Pintura, terminó su formación cursando un Máster MUPES de formación de profesorado. Ha expuesto individualmente en Salamanca en el Espacio 3K Art y DA2, en Almería en la Galería Mojácar Factory y en Valladolid en la Galería Javier Silva. En la actualidad está programando otras dos exposiciones, una de ellas en Madrid. Ha participado en un gran número de exposiciones colectivas como “Flashes” en el Centro de Cultura de La Carolina, Jaén y en “Open Studio” junto a Mabel Esteban y Brin Magenta, en espacio Producciones Escorpión, Salamanca, entre otras.

 

 

 Ernesto Rancaño. Sombras del ayer - Técnica mixta (Cajas de luz) - 35ø x 6 cm - 2016

 

 

Ernesto Rancaño (La Habana, Cuba, 1968) participa con South Border Gallery (Beirut, Líbano). Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas desde el año 1987 hasta 1991, donde se graduó en la especialidad de Pintura y Dibujo. Obtuvo el Primer Premio en el Concurso de Carteles auspiciado y convocado por el CETSS, La Habana, Cuba. Sus obras se encuentran en colecciones permanentes en Panamá, México, Jamaica y España. También, ha participado en numerosas exposiciones colectivas y ha realizado ambientaciones. Desde 1995 es miembro de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC). Algunas de sus exposiciones individuales son “Karma” en el Pabellón de Cuba de La Habana o “La mitad de mi vida” en 2012.

 

 

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CONVERSACIONES CON ADONAY BERMÚDEZ. PROGRAMA DE ENTREVISTAS. ART MADRID’26


La obra de Cedric Le Corf (Bühl, Alemania, 1985) se sitúa en un territorio de fricción donde el impulso arcaico de lo sagrado convive con una actitud crítica propia de la contemporaneidad. Su práctica parte de una comprensión antropológica del origen del arte como gesto fundacional: la huella, la marca, la necesidad de inscribir la vida frente a la conciencia de la muerte.

Le Corf establece un diálogo complejo con la tradición barroca española, no desde la mímesis estilística, sino desde la intensidad afectiva y material que atraviesa aquella estética. La teatralidad de la luz, la encarnación de la tragedia y la hibridez entre lo espiritual y lo carnal se traducen en su obra en una exploración formal donde la geometría subyacente y la materia incrustada tensionan la percepción.

En el trabajo de Le Corf, el umbral entre abstracción y figuración no es una oposición, sino un campo de desplazamiento. La construcción espacial y el color funcionan como dispositivos emocionales que desestabilizan lo reconocible. Este proceso se ve atravesado por una metodología abierta, donde la planificación convive con la pérdida deliberada de control, permitiendo que la obra emerja como un espacio de silencio, retirada y retorno, en el que el artista se confronta con su propia interioridad.


La caída. 2025. Óleo sobre lienzo. 195 × 150 cm.


En tu trabajo se percibe una tensión entre la devoción y la disidencia. ¿Cómo negocias el límite entre lo sagrado y lo profano?

En mi trabajo siento la necesidad de remitirme al arte rupestre, a las imágenes que llevo presentes. Desde que el hombre prehistórico tomó conciencia de la muerte, sintió la necesidad de dejar una huella, marcando con una plantilla en la pared una mano roja, símbolo de la sangre vital. El hombre paleolítico, cazador-recolector, experimenta un sentimiento místico frente al animal, una forma de magia espiritual y de ritos vinculados a la creación. De este modo, sacraliza la caverna mediante la representación abstracta de la muerte y la vida, la procreación, las Venus… Así, nace el arte. En mi interpretación, el arte es sagrado por esencia, porque revela al hombre como creador.


Entre perro y lobo II. 2025. Óleo sobre lienzo. 97 × 70 cm.


Se observan trazos de la tradición barroca española en tu trabajo. ¿Qué encuentras en ella que siga siendo contemporáneo?

Sí, se observan rasgos de la tradición barroca española en mi trabajo. En la historia del arte, por ejemplo, pienso en los mosaicos árabe-andalusíes, en los que para mí se encuentra una geometría de diseños profundamente contemporánea. Y en la pintura y la escultura barroca española, el tema que aparece con mucha frecuencia es la tragedia: la muerte y lo sagrado están intensamente encarnados, ya sea en temas religiosos o profanos, en Zurbarán, Ribera, El Greco, pero también en Velázquez. Pienso, por ejemplo, en la notable pintura ecuestre de Isabel de Francia, por su geometría y por un retrato cuya luz recuerda a la de un Matisse.

Cuando pienso en la escultura, vienen a mi mente las maravillosas esculturas policromadas de Alonso Cano, Juan de Juni o Pedro de Mena, donde los ojos verdes están incrustados, junto con dientes de marfil, uñas de cuerno y pestañas de cabello. Todo ello ha influido sin duda en mi trabajo escultórico, tanto morfológico como ecuestre. Personalmente, en mi obra incrusto elementos de porcelana en madera tallada o pintada.


Entre perro y lobo I. 2025. Óleo sobre lienzo. 97 × 70 cm.


¿Qué te interesa de ese umbral entre lo reconocible y lo abstracto?

Por mi parte, toda representación en pintura o en escultura es abstracta. Lo que la impone es la construcción arquitectónica del espacio, su geometría secreta, y la emoción que provoca el color. Es, en cierto modo, un desplazamiento de lo real para alcanzar esa sensación.


El ángel anatómico. 2013. Madera de fresno y porcelana. 90 × 15 × 160 cm.


Tu obra parece moverse entre el silencio, el abandono y el retorno. ¿Qué te llama hacia esos espacios intermedios?

Creo que es al renunciar a imitar la verdad exterior, a copiarla, como alcanzo la verdad, ya sea en la pintura o en la escultura. Es como si me mirara en mi propio sujeto para descubrir mejor mi secreto, quizá.


Justa. 2019. Madera de roble policromada. 240 × 190 × 140 cm.


¿Hasta qué punto planificas tus obras y cuánto espacio dejas para que ocurra lo inesperado?

Es cierto que, en ocasiones, olvido por completo la idea principal en mi pintura y en mi escultura. Aunque comienzo una obra con ideas muy claras —dibujos y bocetos previos, grabados preparatorios y una intención bien definida—, me doy cuenta de que, a veces, esa idea inicial se pierde. Y no se trata de un accidente. En algunos casos tiene que ver con dificultades técnicas, pero hoy en día también acepto partir de una idea muy concreta y, al enfrentarme a la escultura, a la madera o a la cerámica, tener que trabajar de otra manera. Y eso lo acepto.







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