ONE PROJECT: UN DIÁLOGO, UNA PAUSA, UNA REFLEXIÓN

El programa One Project de Art Madrid, comisariado por quinto año consecutivo por Carlos Delgado Mayordomo, se ha convertido en un verdadero escaparate para nuevos talentos. Estos son los 8 proyectos de la 13ª edición de la feria.

Alejandro Monge

Mickey L. Mouse (Age from 2 to 99), 2015

Resina de poliuretano

19 x 10cm

Alejandro Monge

The European Dream 2, 2017

Acero galvanizado policromado

42 x 52cm

Alejandro Monge, Candela Muniozguren, Antonyo Marest, Carlos Nicanor, Bernardo Medina, Jugo Kurihara, Aina Albo Puigserver y Vânia Medeiros son los 8 artistas seleccionados por el comisario independiente Carlos Delgado Mayordomo para conformar el Programa One Project en Art Madrid’18, programa diseñado para artistas jóvenes y de media carrera con proyectos específicos pensados para su exposición en la feria.

En One Project, 8 artistas desarrollan una propuesta concreta para un stand individual, lo que se traduce en 8 proyectos con una entidad rotunda y coherente que dialogan entre ellos guiados por la mano del comisario. El objetivo es cautivar al público, permitirle una pausa dentro del contexto comercial de la feria de arte. “One Project ha servido para establecer una relación dinámica, polivocal y abierta con aquellos visitantes interesados en establecer una mirada más pausada y reflexiva dentro de un contexto tan abrumador y sobresaturado de información como es una feria de arte contemporáneo”, explica Carlos Delgado Mayordomo.

Candela Muniozguren

Pink Up 01, 2016

Acero lacado

55 x 28cm

Candela Muniozguren

Shenbazuru 01, 2017

Latón

42 x 52cm

En la edición de Art Madrid’18, One Project lo conforman los proyectos de:

Alejandro Monge (Zaragoza, 1988) con 3 Punts Galeria (Barcelona). Dotado de una sólida formación plástica e interesado por los complejos cauces de la figuración en la creación actual, la investigación reciente de Alejandro Monge busca indagar en las contradicciones económicas de nuestro presente. Conformada como serie y agrupada bajo el título “European Dream”, su última propuesta se organiza en torno a la conceptualización del dinero como índice que modula nuestra comprensión del mundo en un contexto mediado por la crisis financiera de 2008.

Candela Muniozguren (Madrid, 1986) con Bea Villamarín (Gijón). La obra escultórica de esta artista plantea una comunicación íntima entre sus desarrollos creativos, donde dominan las formas minimalistas, y la multiplicidad de efectos cromáticos.

Antonyo Marest

Euclid, 2018

Esmalte en spray sobre madera

60 x 60cm

Antonyo Marest

Hugonnard, 2018

Esmalte en spray sobre madera

60 x 60cm

Antonyo Marest (Alicante, 1987) con Diwap Gallery (Sevilla). Los saltos de escala, la salida del interior de un museo a la claridad de las calles, el estilo urbano compartido con el público en forma de pintura, escultura y fotografía. Marest tiene la geometría como símbolo de crecimiento personal y positivismo sobre la arquitectura, la línea, el plano y el color. Desde Sevilla, DIWAP Gallery trabaja inmersa en el arte contemporáneo más actual, con el objetivo de acercarse a un público exigente y siempre en continua búsqueda de nuevas aportaciones al panorama artístico local y nacional. Con una especial inclinación hacia el arte joven y urbano, DIWAP Gallery se ha ido definiendo mediante la representación de sus artistas y sus trabajos. En definitiva, en DIWAP se invierte en la investigación de nuevas líneas de trabajos contemporáneos y nuevas formas de proyectos curatoriales, preferentemente ligados al arte mural y la instalación.

Carlos Nicanor

Marina mimética, 2017

Bronce

67 x 35cm

Carlos Nicanor (Las Palmas de Gran Canaria, 1974) con galería Artizar (La Laguna, Tenerife). Escultor brossaniano, su creatividad aspira a crear obras que sean al tiempo alteración cáustica del objeto y su sentido. La intensidad escultórica de Nicanor es de naturaleza poética.

En el año 1989, en pleno centro de la ciudad de San Cristóbal de La Laguna, en la isla de Tenerife, comienza su andadura la galería de arte Artizar, con el principal objetivo de dar a conocer e instaurar un punto de encuentro para el arte en Canarias y de Canarias. Por sus paredes ha pasado un extenso abanico de artistas de las islas, desde pintura de los siglos XVIII, XIX y XX, pintores contemporáneos de reconocido prestigio nacional e internacional y como no, jóvenes artistas que han crecido con la galería.

Bernardo Medina

Isla de Todos, 2017

Fibra de vidrio

182 x 76cm

Bernardo Medina (San Juan, Puerto Rico, 1965) con Nuno Sacramento (Ílhavo, Portugal). Distinguido por su habilidad para integrar objetos encontrados en sus viajes, para crear hermosas y fuertes piezas abstractas, el desarrollo artístico de Bernardo Medina ha sido resultado de un largo proceso de estudio y experimentación desde lo cotidiano hasta proyectarse en pinturas y esculturas dotadas de una fuerte poética visual.

La Galería Nuno Sacramento, desarrolla su actividad desde el año 2003 con la apertura de su primera galería en la ciudad de Aveiro, Portugal. En 2009 se trasladó a la cercana ciudad de Ilhavo, a un espacio especialmente diseñado para una galería de arte contemporáneo, donde se mantiene de forma continua hasta esta fecha. Desarrolla anualmente alrededor de seis exposiciones individuales y tres colectivas, en las disciplinas de pintura, escultura, fotografía, instalación y vídeo.

Jugo Kurihara

Sin título 3, 2017

Tinta japonesa sobre papel satinado

24 x 18cm

Jugo Kurihara (Japón, 1977) con Pantocrator Gallery (Suzhou, China). En sus obras, combina los lenguajes artísticos asiáticos y europeos y lo convierte con éxito en su propia expresión: imágenes de una inquietante belleza, capaces de referir mundos inéditos, de trazar escrituras complejas y, sobre todo, de movilizar al espectador ante una pintura fluyente que siempre parecen estar a punto de estabilizarse en una iconografía concreta.

Pantocrator Gallery es un proyecto para la difusión y producción de arte contemporáneo de artistas emergentes internacionales en cualquiera de sus disciplinas. Actualmente Pantocrator Gallery, como proyecto nómada que es, tiene su sede física en la ciudad china de Suzhou, dejando en el camino ciudades como Barcelona, Berlín o Shanghai en las que siguen trabajando puntualmente. Pantocrator Gallery trabaja como puente cultural entre Asia y Occidente.

Aina Albo Puigserver

Desolació, 2016

Técnica mixta

53 x 39cm

Aina Albo Puigserver

Dubte, 2016

Madera, contrachapado y laca

109 x 109cm

Aina Albo Puigserver (Palma de Mallorca, 1982) con Pep Llabrés Art Contemporani (Palma de Mallorca). Experiencias que van más allá de los sentidos, Aina Albo indaga y se acerca a sus emociones y sensaciones para entenderlas mejor, dándoles forma y color en un intento de convertir lo abstracto en concreto.

Pep Llabrés, después de un largo recorrido en el sector, abrió las puertas de su propio espacio en abril de 2015, y desde entonces centra su actividad en el ámbito del arte contemporáneo, dando visibilidad a jóvenes valores con nuevos lenguajes de expresión, sin olvidar la aportación al mundo del arte de artistas con más trayectoria, tanto nacionales como internacionales.

Vânia Medeiros (Salvador de Bahía, Brasil, 1984) con la galería RV Cultura e Arte (Salvador de Bahía, Brasil). Artista visual y editora cuyo trabajo versa sobre los mapas humanos y emocionales y crea cartografías subjetivas y formas de expresar gráficamente las experiencias de un cuerpo (de)ambulante en la ciudad.

Vânia Medeiros

Intuição, 2016

Pigmentos sobre papel

42 x 60cm

Vânia Medeiros

Intuição, 2016

Pigmentos sobre papel

42 x 60cm

RV Cultura e Arte es una galería de arte contemporáneo con sede en Salvador de Bahía centrada en obra sobre papel (dibujo, pintura, collage y procesos de impresión) y artistas brasileños emergentes. Inaugurada en 2008 por Larissa Martina y Ilan Iglesias, RV Cultura e Arte lleva a cabo un programa anual diverso ofreciendo al menos cuatro exposiciones además de talleres, charlas, visitas guiadas y visionados que fomentan una relación más próxima con la comunidad local, coleccionistas y comisarios. Desde 2011, RV Cultura e Arte también desarrolla un proyecto editorial con libros de artista y novelas gráficas.

Una selección mixta e internacional, distintas perspectivas y puntos de partida que encuentran, en One Project, frecuencias comunes en las que dialogar y compartir un puñado de conceptos. Sin embargo, como explica Delgado Mayordomo, “estas líneas funcionan sólo como una caja de herramientas para pensar acerca del trabajo de los artistas sin negar la pertinencia de otras construcciones”.

El arte es un lenguaje expresivo que no se conforma con seguir las pautas preestablecidas y se atreve a explorar nuevas opciones creativas. Sí, estamos ante algo intrínseco y consustancial al arte, porque una de sus finalidades es cuestionarse la razón de ser de nuestra realidad, ir un paso más allá de la ortodoxia instaurada, romper con el clasicismo y plantear un reto tanto para los artistas como para los espectadores. Y en este magma creativo, la incursión de nuevas técnicas y la combinación de disciplinas es el caldo de cultivo ideal para originar nuevos movimientos y tendencias.

Yoshi Sodeoka, “Utopia”

El arte experimental no empezó a designarse como tal hasta bien avanzado el s. XX. Hasta entonces, la eclosión y sucesión de movimientos artísticos dieron paso a manifestaciones cada vez más abstractas, más alejadas de la estética clásica, arquetípica e impostada, que había vivido pequeños episodios de evolución sobre la aparición de nuevas técnicas, pero con una producción muy basada en las exigencias del mecenas de turno. Era la dominación de los motivos religiosos, las reconstrucciones de relatos mitológicos, la tiranía de los retratos regios y nobiliarios, la expansión de los paisajes pomposos. Sin embargo, el siglo pasado fue la cuna del concepto de artista moderno, un autor autónomo, independiente, irreverente y difícil de dominar que quiso refugiarse también en un nuevo lenguaje para vivir al margen de los cánones.

Nacho Criado

Casi siempre, en sus inicios, las nuevas propuestas expresivas que se alejan del academicismo suelen recibir una dura crítica por parte del grupo más conservador y consolidado de las bellas artes. No olvidemos que esto mismo les había pasado a los impresionistas, abiertamente rechazados por los autores más tradicionalistas, que veían en su estilo una suerte de subversión (y hasta perversión) de la pintura. Hoy, en cambio, este movimiento de finales del s. XIX se ha consolidado como un referente ineludible de la historia del arte.

Cristopher Cichocki, “Fish With Enamel Illuminated by Ultra Violet Radiation”

Igualmente, toda forma experimental tiende a tratar temáticas menos amables y más arriesgadas que den cauce a las grandes inquietudes del momento. Por eso mismo, estas formas de expresión suelen asociarse con la crítica abierta al sistema establecido y el status quo de poder. Nada mejor que enturbiar la crudeza de un replanteamiento social con un golpe de efecto novedoso, como el que el arte experimental propone. Una ruptura de las reglas que exige una doble lectura para llegar al fondo del asunto. Porque, en esta corriente, pocas veces las cosas son lo que parecen.

Jim Drain

Así, el arte experimental se alimenta de recursos contemporáneos y construye su mensaje sobre el valor del propio discurso: importa más lo que se quiere decir que cómo se dice. La imagen, los elementos “extra-artísticos”, la influencia de otras profesiones y el impacto mediático juegan un papel fundamental en esta corriente aún hoy difícil de definir y concretar. El propio desarrollo del tejido artístico en cada momento y lugar determinan la expansión y acogida de estos modelos. La vieja y veterana Europa, tan apegada a su historia y herencia cultural, siempre ha ido a la zaga de otros focos pioneros, como los venidos del otro lado del charco. Quizás la ausencia de un peso histórico milenario y la inconsciencia de vivir una realidad con un pasado apenas bicentenario sirvan de impulso para marcar tendencia y erigirse en el campo de experimentación por excelencia. Perdamos el miedo a equivocarnos y probar.