Marina Tellme. Artista invitada a OPEN BOOTH X LIQUITEX. Cortesía de la artista.

OPEN BOOTH X LIQUITEX

REUNIÓN DE GENTE IMPORTANTÍSIMA

BY MARINA TELLME

Art Madrid'24 regresa a la Semana del Arte celebrando su decimonovena edición. Del 6 al 10 de marzo de 2024, la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles se convertirá en el epicentro en el que se darán cita las tendencias artísticas más innovadoras y actuales del panorama nacional e internacional. Para celebrar su 19ª edición, Art Madrid presenta un Programa General de Galerías y un renovado Programa Paralelo. Ambas propuestas están dirigidas a enriquecer la presencia de un evento que ya ha superado su temporada satélite y se afianza en cada edición como cita de referencia en las agendas del público general y especializado.

En esta edición Art Madrid presenta en exclusiva el OPEN BOOTH X LIQUITEX. Una sección que se inaugura con la instalación: Reunión de gente importantísima de la artista Marina Tellme.

OPEN BOOTH X LIQUITEX se convierte así, en una suerte de hogar fugaz que distingue y hace de nuestro evento ese lugar en el que hospedarse por unos pocos días. Reunión de gente importantísima es una obra que indudablemente generará sinergias con el público; expandiendo su sentido como obra inteligentemente crítica y sirviendo como espacio de reflexión, en una cita cercana y polivalente como Art Madrid.

Las prácticas artísticas que nacen de la colaboración, que impulsan la generación de espacios de trabajo y de diálogo entre los diferentes agentes del sector, son esenciales para propiciar un giro de tuerca en la transformación y renovación del tejido cultural. La evolución constante del arte exige un diálogo continuo entre artistas, galerías y espectadores. En nuestra 19ª Edición, nos proponemos ser catalizadores de este diálogo, trascendiendo las fronteras tradicionales y abrazando nuevas expresiones artísticas. Creemos firmemente en la capacidad del arte para influir en la sociedad y queremos ser agentes de cambio al facilitar la convergencia de diversos lenguajes artísticos en esta nueva edición.

Reunión de dente importantísima. Marina Tellme. Proyecto para Art Madrid. 2024.

El site specific Reunión de gente importantísima, concebido especialmente para Art Madrid, propone una mirada subversiva al contexto de las relaciones sociales que se establecen en el mundillo del arte. Con un toque de humor, una estética naif y una intencionalidad que podría parecer cándida, la obra representa a modo de sátira o tira cómica una reunión de personas en una zona VIP.

Reunión de dente importantísima. Marina Tellme. Proyecto para Art Madrid. 2024.

Rodeados por un cordón de terciopelo rojo, donde cualquier espectador puede entrar y vivir esta experiencia, los personajes disfrutan de su hedonista postureo, diferenciándose del resto por el mero hecho de pertenecer a un selecto club de elegidos. Sin embargo, -para sorpresa de los privilegiados- a esta reunión de muy importantísimas personas hemos sido invitados todos. Cuando usted pase, sentirá como si se adentrara en un bosque, irá descubriendo a una peculiar multitud de personajes sobredimensionados, fashionistas, gente cool, chic, sabiondos del arte que hablan hasta el cansancio de temas aparentemente cruciales -para la salvación del planeta- pero nosotros, no entendemos ni una sola palabra.

Reunión de dente importantísima. Marina Tellme. Proyecto para Art Madrid. Las Chin Chin Bitches. 2024.

Una edición más Art Madrid se une a Liquitex para afianzar su apuesta conjunta por la creación contemporánea. La marca referente mundial en acrílico profesional patrocina el nuevo espacio Open Booth X Liquitex (Stand D2) que contará con la artista Marina Tellme como invitada.

Marina Tellme en su estudio. Cortesía de la artista. 2024.

SOBRE LA ARTISTA

MARINA TELLME, 1995, Almería.

Graduada en Bellas Artes en la Facultad Alonso Cano (Granada), Máster de Dirección Cinematográfica en TAI y titulada como actriz de doblaje en EDM (Madrid). Su trabajo ha sido expuesto en La Universidad de Humboldt (Berlín), el Centro de Arte García Lorca (Granada), el Bless Hotel (Madrid), el Instituto de la Mujer de Almería, seleccionada en el festival Art Sur de arte en acción (Córdoba) o el Femujer de Santo Domingo (República Dominicana), entre otros. Su obra es el resultado de su pasión por contar historias. Sus cuadros, esculturas e instalaciones representan (como si de un fotograma de una película de animación se tratara) una escenografía con personajes y circunstancias en su mayoría cómicas y de estilo naíf pero con sitio para la crítica social; mostrando preocupaciones generacionales como las dificultades del acceso al trabajo digno o la vivienda, la figura de la mujer en el mundo del arte y numerosas cargas que aparecen en nuestra vida cuando crecemos: como la ansiedad, el síndrome del impostor o la fobia social.

La pintura de Daniel Bum (Villena, Alicante, 1994) se configura como un espacio de elaboración subjetiva donde la figura emerge no tanto como motivo representacional, sino como necesidad vital. La reiteración de ese personaje frontal y silencioso responde a un proceso íntimo: pintar deviene una estrategia para atravesar experiencias emocionales difíciles, un gesto insistente que acompaña y atenúa la sensación de soledad. En este sentido, la figura funciona como mediadora entre el artista y un estado afectivo complejo, vinculando la práctica pictórica con una reconexión con la infancia y con una dimensión vulnerable del yo.

La fuerte carga autobiográfica de su obra convive con una distancia formal que no obedece a una planificación consciente, sino que opera como mecanismo de protección. La contención visual, la aparente frialdad compositiva y la economía de recursos no neutralizan la emoción, sino que la encapsulan, evitando una exposición directa de lo traumático. De este modo, la tensión entre afecto y contención se instala como rasgo estructural de su lenguaje. Asimismo, lo ingenuo y lo inquietante coexisten en su pintura como polos inseparables, reflejo de una subjetividad atravesada por el misterio y por procesos inconscientes. Muchas imágenes surgen sin un significado claro previo y solo se revelan con el tiempo, cuando la distancia temporal permite reconocer los estados emocionales que las originaron.

La larga noche. Óleo, acrílico y carbón sobre lienzo. 160 x 200 cm. 2024

La figura humana aparece con frecuencia en tus obras: frontal, silenciosa, suspendida. ¿Qué te interesa de esa presencia que parece a la vez afirmativa y ausente?

No diría que me interesa nada en especial. Empecé a pintar esta figura porque había emociones que no lograba comprender y había un sentimiento que me era muy difícil de digerir. Este personaje surgió en un momento bastante complicado para mí, y el hecho de hacerlo y volver a hacerlo, repetirlo una y otra vez, hizo que durante el proceso no me sintiera tan solo. Al mismo tiempo me mantenía fresco y me conectaba con el niño interior que en ese momento estaba roto, y me hizo pasar el trago un poquito menos amargo.

Santito. Acrílico y óleo sobre lienzo. 81 x 65 cm. 2025

Hay en tu trabajo una dimensión afectiva muy fuerte, pero también una distancia calculada, una especie de frialdad formal. ¿Qué papel juega esa tensión entre emoción y contención?

No sabría decir exactamente qué papel juega esa tensión. Mi pintura parte de lo autobiográfico, de la memoria y de situaciones que he vivido y que han sido bastante traumáticas para mí. Quizá, como mecanismo de protección —para que no se pueda acceder directamente a esa vulnerabilidad o para que no resulte dañina— aparece esa distancia de manera inconsciente. No es algo planificado ni controlado; simplemente surge y está ahí.

Pintor de noche. Acrílico sobre lienzo. 35 x 27 cm. 2025

Tu lenguaje plástico oscila entre lo ingenuo y lo inquietante, lo próximo y lo extraño. ¿Cómo conviven para ti esas tensiones, y qué función cumplen dentro de tu búsqueda visual?

Pues creo que tal cual soy yo. No podría convivir lo uno sin lo otro. No podría existir lo ingenuo sin lo inquietante; para mí van necesariamente de la mano. Me atrae mucho lo misterioso y el acto de pintar cosas que ni yo mismo comprendo del todo. Muchas de las expresiones o de los retratos que realizo surgen del inconsciente, no están planificados. Es a posteriori cuando empiezo a entenderlos, y casi nunca de manera inmediata. Siempre pasa un tiempo considerable hasta que puedo reconocer cómo estaba yo en ese momento en el que los hice.

Qi. Acrílico sobre lienzo. 81 x 65 cm.2025

La sencillez formal de tus imágenes no parece una cuestión de economía, sino de concentración. ¿Qué tipo de verdad estética crees que puede alcanzar la pintura cuando se despoja de todo lo accesorio?

No sabría decir qué verdad estética hay detrás de esa sencillez. Lo que sí sé es que es algo que necesito para estar en calma. Me abruma cuando hay demasiadas cosas en el cuadro, y desde siempre me ha llamado la atención lo mínimo, cuando hay poco, cuando casi no hay nada. Creo que ese despojamiento me permite acercarme a la pintura desde otro estado, más concentrado, más silencioso. No sabría explicarlo del todo, pero es ahí donde siento que puedo trabajar con mayor claridad.

Crucifixión. Acrílico sobre lienzo. 41 x 33 cm. 2025

¿Hasta qué punto planificas tus obras y cuánto espacio dejas para que ocurra lo inesperado?

Normalmente me siento más cómodo dejando espacio a lo inesperado. Me interesa la incertidumbre; tenerlo todo bajo control me resulta bastante aburrido. Lo he intentado en algunas ocasiones, sobre todo cuando me he propuesto trabajar en series muy planificadas, con bocetos cerrados que luego quería trasladar a la pintura, pero no era algo con lo que me identificara. Sentía que desaparecía una parte fundamental del proceso: el juego, ese espacio en el que la pintura puede sorprenderme a mí mismo. Por eso no suelo planificar demasiado y, cuando lo hago, es de una manera muy sencilla: algunas líneas, algún plano de color. Prefiero que sea en el propio cuadro donde suceda todo.