Por segundo año consecutivo, Liquitex, marca referente mundial en acrílico profesional, se une a Art Madrid como patrocinador, y en su afán de empoderar al artista y apoyar la creación contemporánea, otorgará un premio en material de la marca valorado en 1.000€ que concederá a uno de los artistas participantes en la feria que trabaje con acrílico en sus piezas.

Para elegir al ganador en esta ocasión, se podrá votar por uno de los tres finalistas preseleccionados por la marca: Moisés Yagües, Lino Lago o Daniel Sueiras, a través de este formulario online. Participa y vota antes del 15 de febrero y entrarás en el sorteo de 10 entradas dobles para asistir a Art Madrid’23 y un obsequio por cortesía de Liquitex. El fallo del Premio tendrá lugar el 14 de febrero y se comunicará a través de nuestro canal de Instagram.

Conoce mejor la marca y sus acciones como parte de su compromiso con el medio ambiente y la comunidad artística:

En Liquitex, creen en el poder que atesora la expresión artística para crear un mundo mejor, en el que los artistas y las comunidades puedan prosperar: un mundo en el que se devuelva más de lo que se recibe y se genere valor social y medioambiental.

Son conscientes de que el cambio puede ser todo un reto, pero están tomando medidas inmediatas para hacer realidad su visión. Empoderando a la comunidad, innovando en todos sus productos y envases e integrando la sostenibilidad en cada una de sus prácticas, manteniendo la oferta de productos de alta calidad que esperan los artistas y, colectivamente, dejando una huella más positiva para el futuro de todos.

EMPOWERING ARTISTS

Desde Liquitex confían firmemente en la fórmula “empowering artists” como la mejor forma de conseguir sus objetivos, asegurando un mundo en el que las futuras generaciones puedan crear con garantías, dando prioridad a los espacios seguros para la expresión artística. Además, fundamentan este empoderamiento de talentos emergentes con sus programas de residencias y los diferentes premios que otorgan.

MATERIALES SEGUROS

Otro pilar fundamental para entender la marca Liquitex es su esfuerzo continuo por proporcionar materiales artísticos seguros, certificados por el Art and Creative Materials Institute, Inc. buscando salvaguardar la seguridad de los artistas, además de la innovación para lograr un impacto más positivo en el medio ambiente. Desde el envasado hasta la composición del producto, Liquitex está totalmente volcado en apostar por soluciones sostenibles e innovadoras que mantengan la calidad y el rendimiento del producto, sin dejar más huella que la de la pintura en nuestras manos.

Avances que no han dejado de sucederse desde 2017, con la presentación de los colores Heavy Body sin cadmio, la primera alternativa al cadmio con un rendimiento realmente equivalente a las pinturas que contienen dicho metal pesado, y todo ello gracias a la innovación en el laboratorio. Este año 2023, el progreso continúa gracias a la asociación con Waste2Wear, pioneros en soluciones para el reciclaje innovador de plástico, utilizan la tecnología blockchain para ofrecer textiles 100% trazables y sostenibles. Como parte del programa de sostenibilidad, “A Positive Mark”, la marca va a lanzar una nueva línea de lienzos hechos a partir de botellas de plástico 100% recicladas, identificados con la etiqueta SUSTAIN, siendo los primeros artículos de esta nueva categoría de Liquitex, en los próximos meses estarán disponibles en establecimientos de arte.

La marca continuará su previsión de lanzar más materiales sostenibles dentro de su gama “Professional” y seguir integrando las prácticas de sostenibilidad en toda su actividad, así como contribuyendo con su constante apoyo a la comunidad de artistas.

Alexander Grahovsky

CONVERSACIONES CON MARISOL SALANOVA. PROGRAMA DE ENTREVISTAS. ART MADRID’25

Alexander Grahovsky (Alicante, 1980) parte de un proceso caótico o aleatorio como quien colecciona imágenes y hace collages con escenas que le parecen interesantes y puede recrear a su gusto. En sus obras abarca temas de lo desconocido, la muerte o los animales, recurriendo al símil con los juguetes así como empleando personajes que se repiten y elementos como piedras flotantes. Es muy importante la narrativa en sus cuadros, la parte surrealista viene por cómo se construye una historia que no es lineal; hay escenas que se superponen, que se muestran en varias fases en zonas diferentes de cada cuadro y da pie a que la mirada deambule por la obra. Incluye referencias a pintura clásica o al cine, así que su interpretación depende del bagaje del espectador y de su estado de ánimo. El hilo conductor de su trabajo es transmitir que pese a las vicisitudes de la vida, todos seguimos celebrando de algún modo.

El faro al final del océano. 2024. Técnica mixta. 190 x 140 cm.

¿Qué rol juega la experimentación en tu proceso creativo?

La experimentación juega un papel básico en todo mi proceso creativo en dos niveles: a nivel técnico y a nivel narrativo. A nivel técnico porque me permito toda una serie de licencias o caprichos estéticos que convierten el acto de pintar en sí en un juego, en algo divertido y de alguna manera todo es posible. Y a nivel narrativo, por cómo construyo las historias, ya que no hay un guión o una idea principal que sujete todo sino que a partir de una serie de escenas aparentemente inconexas, intento construir una historia que se cruce, que obliga al espectador de alguna manera a poner de su parte para entender o crear su propia narrativa.

¿Cuáles son tus referentes?

Mis referentes van desde la pintura clásica, como El jardín de las delicias del Bosco o el Retablo del cordero místico, hasta artistas más actuales como Hurvin Anderson o Dominique Fung, pasando por Hopper, Hockney, Leonora Carrington y un sinfín de nombres más. Todas estas influencias del mundo del arte se combinan con otras que vienen del cine, como las películas de Parajanov o las del director de Midsommar. En concreto, Midsommar es bastante influyente en mi trabajo por esa estética. Luego, el mundo del cómic, sobre todo podría hablar de Moebius y en concreto de sus ilustraciones de ciencia ficción más surrealistas. También podemos encontrar influencias de los videojuegos, sobre todo a la hora de plasmar las escenas, ya que de alguna manera todo se aplana como si fuera una pantalla o el fondo de un escenario de un teatro, recordando a las aventuras gráficas de mediados de los 90 a finales.

Historia breve de un abrazo. 2024. Óleo, spray, lápices de colores y pasteles al óleo. 33 x 41 cm.

¿Cómo construyes los personajes tan dispares - y a veces recurrentes - de tus cuadros?

Los personajes se van construyendo conforme van pasando las obras, como si cada cuadro formara parte de una historia más grande que aún está por contar. Conforme empecé esta línea de trabajo, me di cuenta de que muchos de ellos se repetían y que, incluso al volver a utilizarlos o al hacer que formen parte de nuevas piezas, ya tengo en cuenta lo que he pintado de ellos, así como lo que les ha sucedido en otros cuadros. Por ejemplo, la muerte ha cambiado de ser un esqueleto que quizás parece que trae malas noticias, a un personaje algo burlón o gracioso que lleva un gorrito de fiesta. También encontramos el diablo, el mago, y la casa roja como refugio o zona de peregrinación donde de alguna manera muchas veces terminan, o pueden terminar los personajes de los cuadros. O el gato negro, que en principio aparecía sencillamente como un símbolo de advertencia, de querer decirle a los otros personajes que estuvieran atentos a lo que sucede a su alrededor, a convertirse en una especie como de medida del tiempo: sobre todo en las piezas grandes aparece normalmente tres veces. Como siempre me gusta jugar a que no sé si son tres gatos diferentes o es el mismo gato en tres puntos distintos de la historia. De esta manera también los personajes van ayudando a crear una narrativa y un compartir entre todas las piezas, un universo general del que todos forman parte.

El cuervo, el ciervo, las uvas y el vino que derramé. 2024. Óleo, spray, lápices de colores y pasteles al óleo. 60 x 74 cm.

¿Cuándo das el paso hacia la serie de los jardines y por qué?

Es en 2022 cuando decido reunir todas esas escenas surrealistas y bocetos que tenía dispersos por el estudio y me planteo qué sucede si conviven en un mismo espacio, qué sucede si todos esos elementos aparentemente inconexos se sitúan sobre el mismo plano. En este caso el plano es el lienzo y en concreto el escenario sería el jardín. Ahí es donde ese jardín, el jardín de las delicias y toda esa imaginería que tenemos en el inconsciente se hace visible. Y es a partir de ahí cuando decido seguir tirando del hilo de esta historia para ver a dónde me lleva. Y es cuando ya todos los personajes empiezan a aparecer y todo esto me permite, de alguna manera, tener un espacio donde jugar y encontrar una libertad creativa que no encontraba en mi anterior trabajo.

Deberías romperme el corazón en enero. 2024. Óleo, spray y lápices de colores sobre lienzo. 81 x 100 cm.

¿Qué vinculación tiene esta etapa de tu obra con tu pasado dentro del mundo del cómic?

Esta etapa de mi trabajo bebe mucho de todos los años que estuve leyendo cómics, desde que era un niño pequeño hasta intentando entrar en la industria del cómic americano. Estuve cerca, estuve cerca, pero no se vio. Es verdad que al final a mí me interesaban, más allá de lo que es el dibujo en sí, las narrativas un poco más experimentales, como pueden ser las de John Hankiewicz, Dave McKean o gente de este tipo. En ese sentido sí que me influye sobre todo la forma de construir las historias. No son viñetas secuenciales que primero pasa a, b, c, sino que el recorrido visual que se puede hacer por las piezas es como sería como una especie de página de cómic en la que puedes saltar de la primera viñeta a la séptima para tener que volver a la segunda, y dependiendo del orden que elijas, la historia se construirá de una manera o de otra. Sí que es verdad que, por ejemplo, muchas veces lo que hay a lo mejor son diferentes fragmentos de la misma escena, un antes, un principio, un nudo y un desenlace, pero se encuentran muchas veces rodeadas de otras escenas que bien influyen los sucesos que acontecen en cada una de estas otras escenas más pequeñas o sencillamente son escenas que conviven en el mismo universo. En ese sentido también me interesa mucho la idea de universo compartido, ¿no? De que todas estas piezas, toda esta línea de trabajo, forma parte de una historia más grande que en realidad parece que se quiere contar a sí misma, que aún no tiene claro hacia dónde va, pero parece que va encontrando su sitio y su camino. Como los personajes que empezaron sencillamente apareciendo y ahora ya cada uno va teniendo su propia historia detrás.

Con la colaboración de