Para esta nueva edición de Art Madrid’22 la plataforma de videoarte PROYECTOR, una vez más bajo el comisariado de Mario Gutiérrez Cru, propone un programa que gira alrededor del concepto de loop. Durante la feria el stand ARTMADRID-PROYECTOR’22 nos permitirá disfrutar de una propuesta del pionero del new media art Gary Hill junto con una performance el día 23 de febrero a las 20 h. El 25 de febrero, el pionero del arte sonoro español Llorenç Barber cerrará la jornada de la feria con una performance a las 20:00h.

Encuentro profesional “Pioneros”

Por otra parte, el sábado 19 de febrero en la Sala Auditorio El Águila a las 12h tendrá lugar una mesa profesional organizada por PROYECTOR en torno al concepto de “loop” en el videoarte, el new media, los festivales y el coleccionismo del media.

Contaremos con Gary Hill (eeuu), pionero del new media art; Tom Van Vliet (hol), coleccionista y director desde 1982 de WWVF uno de los primeros festivales de videoarte a nivel mundial; Sandra Lischi (ita) directora de Ondavideo e INVIDEO, festivales pioneros del videoarte desde 1985; así como con la presentación y la moderación de Tamara García (esp), especialista en el concepto de loop.

El encuentro se realizará en inglés, sin traducción, y se podrá ver tanto presencialmente como de manera virtual por streaming. A posteriori se colgará en vídeo con subtítulos en el canal de la feria.

El aforo está reducido a 100 plazas.

Performance, Llorenç Barber

Proyección de comisariados internacionales

Después del encuentro profesional de la mañana, varios de estos expertos nos presentarán una selección histórica del videoarte. Tom Van Vliet (hol), coleccionista y director desde 1982 de WWVF uno de los primeros festivales de videoarte a nivel mundial y Sandra Lischi (ita) directora de Ondavideo e INVIDEO, festivales pioneros del videoarte desde 1985 presentarán cada uno de ellos un comisariado de unos 40 minutos de duración con piezas desde 1978 a 2003.

Además contaremos con la presentación, esta vez online, de Irit Batsry también pionera del videoarte y directora de Loops.Lisboa y una de las componentes del proyecto internacional LOOPS.Expanded, que es una red internacional, dedicada a exhibir e investigar el concepto y la forma del Loop. Con el objetivo de experimentar con exhibiciones descentralizadas de videoarte / imágenes en movimiento, simposios, charlas y clases magistrales.

La red, fundada en 2019, expande la iniciativa original de Loops.Lisboa que comenzó en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo MNAC en Lisboa en 2015. Los fundadores de LOOPS.Expanded son comisarios y organizaciones del campo del videoarte de cinco países diferentes: António da Câmara (Duplacena / Festival Temps d’Images, Lisboa – Portugal), Mario Gutiérrez Cru y Araceli López (PROYECTOR, Madrid – España); Sandra Lischi (Ondavideo, Milano – Italia); Tom Van Vliet (WWVF, Amsterdam – Países Bajos); Jaqueline Beltrame y Alisson Avila (colectivo Cine Esquema Novo (Porto Alegre – Brasil) e Irit Batsry y Alisson Avila (Loops.Lisboa / Festival Temps d’Images, Lisboa – Portugal).

Performance, Gary Hill

Asimismo, para cerrar una jornada dedicada al videoarte, la artista Lina Jiménez Nampaque realizará una performance en directo a las 19:30h en la misma Sala El Águila.

La práctica del colectivo DIMASLA (Diana + Álvaro), (Valencia, 2018), se sitúa en un cruce fértil entre arte contemporáneo, pensamiento ecológico y una filosofía de la experiencia que desplaza el énfasis de la producción hacia la atención. Frente a la aceleración visual y material del presente, su trabajo no propone una oposición frontal, sino una reconciliación sensible con el tiempo, entendido como duración vivida más que como medida. La obra emerge así como un ejercicio de detenimiento, una pedagogía de la percepción donde contemplar y escuchar devienen modos de conocimiento.

En sus trabajos, el territorio no funciona como marco, sino como agente. El paisaje participa activamente en el proceso, estableciendo una relación dialógica que recuerda a ciertas corrientes eco-críticas, en las que la subjetividad se descentra y se reconoce como parte de un entramado más amplio. Esta apertura implica una ética de la exposición: exponerse al clima, a la intemperie y a lo imprevisible supone aceptar la vulnerabilidad como condición epistemológica.

Los materiales -telas, pigmentos, huellas- operan como superficies de inscripción temporal, memorias donde el tiempo deja rastro. La planificación inicial se concibe como hipótesis abierta, permitiendo que el azar y el error actúen como fuerzas productivas. De este modo, la práctica artística de DIMASLA (Diana + Álvaro) articula una poética del cuidado y del estar-con, donde crear es, ante todo, una forma profunda de sentir y comprender la naturaleza.

En un momento histórico marcado por la velocidad y la sobreproducción de imágenes, vuestro trabajo parece reivindicar la lentitud y la escucha como formas de resistencia. ¿Podría decirse que vuestra práctica propone un modo de reaprender el tiempo desde la experiencia estética?

Diana: Sí, pero más que resistencia o reivindicación, es conciliación, es amor. Parece lentitud, pero es detenimiento, es reflexión. Ocupar el tiempo desde la contemplación o la escucha es una manera de sentir. La experiencia estética nos lleva a un camino de reflexión sobre lo que hay fuera y lo que hay dentro.

El territorio no aparece en vuestra obra como un fondo o un escenario, sino como un interlocutor. ¿Cómo se negocia esa conversación entre la voluntad del artista y la voz del lugar, cuando el paisaje mismo participa del proceso creativo?

Álvaro: Para nosotros el paisaje es como un compañero de vida o un amigo cómplice, y lógicamente es una relación íntima que se extiende a nuestra práctica. Vamos a visitarlo, a estar con él, a co-crear juntos. Entablamos una conversación que va más allá de la estética; son conversaciones llenas de acción, contemplación, comprensión y respeto.

Al final, de algún modo, él se expresa a través del material y nosotros respetamos todas sus cuestiones, valorando al mismo tiempo aquello que nos inquieta, nos produce y nos estimula en torno a esta relación.

La conquista de los conejos I & II. 2021. Proceso.

En vuestro modo de hacer se intuye una ética de la exposición: exponerse al entorno, al clima, al otro, a lo impredecible. ¿Hasta qué punto esa vulnerabilidad es también una forma de conocimiento?

Diana: Para nosotros esa vulnerabilidad nos enseña mucho, sobre todo humildad. Cuando estamos ahí fuera y sentimos el frío, la lluvia o el sol, nos damos cuenta de lo pequeños e insignificantes que somos en comparación a la grandeza y la fuerza de la naturaleza.

Entonces, sí; consideramos esa vulnerabilidad como una fuente profunda de conocimiento que nos ayuda, entre otras muchas cosas, a despojarnos del ego y a entender que solo somos una pequeña parte de un entramado mucho más complejo.

A veces las montañas también lloran. 2021. Desprendimiento de rocas caliza, sol, lluvia, viento, resina de pino sobre acrílico en tela de algodón natural, expuesta en manto de esparto y caliza durante dos meses. 195 cm x 130 cm x 3 cm.

Vuestras obras a menudo emergen de procesos prolongados de exposición al medio. ¿Podría pensarse que la materia -las telas, los pigmentos, los rastros del entorno- actúa como una memoria que el tiempo escribe sobre vosotros tanto como vosotros sobre ella?

Álvaro: Esto da para una conversación larga sentados en una piedra; sería bastante estimulante. A ver, si las experiencias moldean el interior de las personas y esto nos hace ser quienes somos en un momento presente, diría que sí, sobre todo a lo primero. Salir de nuestra zona de confort nos ha llevado a aprender de la perseverancia de las plantas, la calma geológica de las montañas, y con ello a reconciliarnos con el tiempo, el entorno, la naturaleza, con nosotros mismos e incluso con nuestra propia práctica. Igual que las telas guardan la memoria del lugar, nosotros reaprendimos a poner detenimiento y comprensión. Al final, es una manera de profundizar en el sentir.

El zorro y sus camelos.2022. Detalle.

¿Hasta qué punto planificáis vuestras obras y cuánto espacio dejáis para que ocurra lo inesperado o, incluso, al error?

Diana: Nuestra planificación se reduce a la hipótesis inicial. Elegimos los materiales, los colores, los lugares e incluso a veces la ubicación, pero dejamos todo el espacio posible para que ocurra lo inesperado. Al final se trata de eso, de que la naturaleza hable y que la vida suceda. Para nosotros, tanto lo inesperado como el error forman parte de la complejidad del mundo, y en ello encontramos una belleza natural.