Intercesiones. Ciclo de performance X Tara For Women. Programa Paralelo. Art Madrid'24

INTERCESIONES. CICLO DE PERFORMANCE X TARA FOR WOMEN

En su Poética del Espacio, Gastón Bachelard afirma que: “Hay que estar en el presente, en el presente de la imagen, en el minuto de la imagen: si hay una filosofía de la poesía, esta filosofía debe nacer y renacer con el motivo de un verso dominante, en la adhesión total a una imagen aislada, y precisamente en el éxtasis mismo de la novedad de la imagen.”

En nuestro presente, uno de imágenes homogeneizadas, encontramos una problemática que se expresa en la necesidad de escuchar las voces que se pronuncian desde la otredad. En esos otros lugares todavía es posible encontrar la novedad de la imagen y la poesía de la imagen que anuncia la diversidad. Todo pareciera conocido o familiar si investigamos en las maneras de representar una idea concisa del tiempo presente, del momento que nos compromete a actuar. Desde aquí, el arte contemporáneo sirve de pretexto para transformar la sociedad, haciendo uso de sus bondades como instrumento sanador y dador de voz a quienes convierten su vocación, en verso dominante para irrumpir en el escenario en el que todo ocurre y concurre; para así, formar parte de lo que acontece.

¿Somos capaces de ponernos en el lugar del otro? ¿Utilizamos nuestro lugar privilegiado para interceder por los demás? ¿Cuántas veces dejamos caer nuestro Yo para sostener el Nosotros? ¿Qué significa trabajar para el bien común?

Todas estas interrogantes tienen su respuesta en el ejercicio de la intercesión. Cómo las personas interceden unas por las otras cambiando el curso de los acontecimientos, cómo la intermediación tiene el propósito de encontrar una mejoría para los semejantes, de colocar en un lugar común el trabajo y el compromiso de aquellos por los que intercedemos.

Así nace Intercesiones, un Ciclo de Performance X Tara For Women que forma parte del Programa paralelo de Art Madrid’24, en el que se presenta a las artistas Estel Boada (Mataró, Barcelona, 1991), Teresa Búa (Muxía, A Coruña, 1991), Sara Domínguez (Málaga, 1993) y Mónica Egido (Salamanca, 1994). El propósito fundamental del ciclo es apostar por proyectos que reflexionen sobre nuestro tiempo. La performance en sus múltiples expresiones dramatúrgicas, sobre todo aquellas que utilizan el cuerpo como vehículo para deconstruir y observar desde una perspectiva crítica, la relación del ser humano con su entorno natural, son propicias para relatar la verdad de nuestro tiempo.

Mónica Egido. Fotograma del Proyecto FOMO. 2024.

Como las manos al cuerpo, los ojos al alma, la tierra a la vida y el arte a la sociedad, la poderosa metáfora que representa el ejercicio de interceder por el otro, convierte el escenario de la feria en un dispositivo capaz de activar y comunicar las preocupaciones de las artistas invitadas y hacerlas extensivas al público en un gesto de empatía.

El tratamiento de las relaciones humanas hace del habitáculo carnal un reservorio de afectos para con la realidad circundante. Interceder por los otros; propiciar una intercesión con el objetivo de lograr un beneficio para un ente o sujeto que dinamita nuestra acción, es el hilo conductor de este ciclo de performance, que se apropia de uno de los momentos artísticos más importantes del año y lo transforma en catapulta de proyección para las cuatro artistas participantes.

Estel Boada. Performance de Pfff Historia d’una Fitball. Documentación. 2024.

Intercesiones propone una mirada aguda sobre la relación simbólica entre el ser humano y su contexto, convirtiendo el cuerpo en un reservorio de afectos que posibilita la intercesión y el acto de interceder por otros entes o sujetos. En esencia, esta iniciativa busca propiciar reflexiones que trascienden la superficie de la experiencia cotidiana, desafiando prejuicios y adentrándose en la construcción de un legado artístico que se forja desde la vivencia despojada de convencionalismos.

La selección de las artistas, responde a la necesidad de poner de manifiesto la relevancia de obras que, a través de la performance, inciden de manera contundente en la conciencia colectiva respecto a los desafíos y peligros que amenazan nuestra sociedad y la manera en la que nos relacionamos con los otros. El cuerpo humano, asumido como motor y vínculo con la esencia artística y natural, se convierte en el epicentro de la exploración conceptual que propone este programa, trascendiendo lo común-cotidiano para desentrañar las complejidades de la intercesión entre el individuo y su entorno.

Durante los días de feria, Intercesiones transformará el espacio expositivo en un dispositivo activador, comunicando con potencia la urgencia con la que la humanidad debe abordar la construcción de su legado futuro. Así como las manos son al cuerpo, los ojos al alma y la tierra a la vida, este ciclo de performance afirma que el arte, en su máxima expresión, intercede por nosotros y representa la noción fundamental que guiará a las participantes en su búsqueda por la trascendencia y el significado de sus obras. Intercesiones se instaura así como un manifiesto de la performance, instrumento crítico y transformador, forjando un diálogo provocador y necesario en el contexto de Art Madrid’ 24.

SOBRE LAS ARTISTAS

Mónica Egido (Salamanca, 1994) es una artista visual con formación en fisioterapia y especialización en neurociencia del dolor crónico y obstetricia. Se ha destacado en el ámbito de la fotografía, siendo seleccionada para Futures Photography 2023 y becada por PhotoEspaña. Su obra, expuesta en diversos espacios de Europa, aborda diversas cuestiones de neurociencia en relación a la salud utilizando el arte como un mecanismo de divulgación, como en su último proyecto FOMO, donde habla sobre el impacto que tiene la ansiedad permanente sobre la salud física y mental. Su pieza «Vacío» reflexiona sobre la sensación de insatisfacción e infelicidad que sufren muchas personas de la generación millennial.

Mónica Egido. Artista invitada al Ciclo de performance: Intercesiones X Tara For Women.

Mónica Egido presenta en Art Madrid’24 su performance: VACÍO. De la serie FOMO

Vacío reflexiona sobre la sensación de insatisfacción e infelicidad constante que sufren muchas personas de la generación millennial.

Mónica Egido. Fotograma de Vacío de la serie FOMO. 2024.

Sara Gema Domínguez (Málaga, 1993) es una artista con formación en Bellas Artes y un máster en Producción e Investigación Artística Interdisciplinar. Su enfoque está en las artes de acción, explorando la relación entre arte y vida. La performance «Bingo de Artista» satiriza y critica los procesos de profesionalización artística, invitando al público a participar como creadores potenciales en un juego que cuestiona el azar y el reconocimiento artístico.

Sara Gema Domínguez. Artista invitada al Ciclo de performance: Intercesiones X Tara For Women.

Sara Gema Domínguez presenta en Art Madrid’24 su performance: BINGO DE ARTISTA.

El azar es una constante en nuestras vidas y el contexto en el que nace o se desarrolla un artista es esencial para determinar su posición en el mercado o su mero reconocimiento.

Sara Gema Domínguez. Bingo de artista. Documentación. 2024.

Teresa Búa (Muxía, A Coruña, 1991) combina Bellas Artes, diseño de moda y artesanía en sus proyectos artísticos. Su obra, presente en exposiciones nacionales e internacionales, se centra en el autoconocimiento, el patrimonio cultural de Galicia y la moda digital.

Teresa Búa. Artista invitada al Ciclo de performance: Intercesiones X Tara For Women.

Teresa Búa presenta en Art Madrid’24 su performance: MATERNIDAD 4. AMAMANTAR.

Esta obra nos invita a presenciar la belleza de la experiencia materna como una fuente de creatividad en la intercesión de la vida y la producción como fuerzas interconectadas en la experiencia humana.

Teresa Búa. Maternidad 4. Amamantar. Documentación. 2024.

Estel Boada (Mataró, Barcelona, 1991) es una artista multifacética que aborda temas pasados, presentes y futuros de manera irónica y burlesca. Con formación en Bellas Artes, su obra incluye diseño, dibujo, performance entre otras…

Estel Boada. Artista invitada al Ciclo de performance: Intercesiones X Tara For Women.

Estel Boada presenta en Art Madrid’24 su performance: STAND, BY ME.

Stand, By Me es una performance que quiere abordar de forma irónica y burlesca la responsabilidad y posición de un stand de feria de arte.

Estel Boada. Stand, By Me. Documentación. 2024.

PERFORMANCES

Miércoles, 6 marzo / 19:00 h - Mónica Egido - VACÍO

Jueves, 7 marzo / 19:00 h - Sara Gema Domínguez - BINGO DE ARTISTA

Viernes, 8 marzo / 17:00 h - Teresa Búa - MATERNIDAD 4. AMAMANTAR

Sábado, 9 marzo / 19:00 h - Estel Boada - STAND, BY ME

El ciclo de performances Intercesiones X Tara For Women, cuenta con el apoyo de la Fundación homónima, cuya misión es la de fortalecer y empoderar a mujeres con talento en todo el mundo, promoviendo un desarrollo económico y social sostenible. Su visión es construir una comunidad global sin fronteras, donde las mujeres talentosas encuentren el empoderamiento necesario y accedan a las herramientas esenciales para alcanzar el éxito en sus emprendimientos y expresiones artísticas. Fiel a sus valores, se une en esta edición a Art Madrid para contribuir a la tan necesaria labor de representar el talento de las artistas en el circuito expositivo del arte contemporáneo nacional.

El círculo como dispositivo crítico y el marcador como catalizador contemporáneo

POSCA, marca japonesa de marcadores de pintura a base de agua, se ha consolidado desde los años 80 como un instrumento central en las prácticas artísticas contemporáneas vinculadas al arte urbano, la ilustración, el diseño gráfico y la experimentación interdisciplinar. Su fórmula opaca, cromáticamente intensa y de secado rápido, compatible con soportes tan diversos como el papel, la madera, el metal, el vidrio o el textil, ha favorecido una expansión técnica que trasciende el estudio tradicional y dialoga con el espacio público, el objeto y la instalación.

En este contexto, POSCA más allá de ser una herramienta de trabajo, opera como infraestructura material de la creación contemporánea; un dispositivo técnico que facilita la inmediatez del gesto sin renunciar a la densidad cromática ni a la precisión formal. Su versatilidad ha contribuido a democratizar el acceso a lenguajes tradicionalmente asociados a la pintura, posibilitando una circulación más horizontal entre prácticas profesionales y amateur.

Esta dimensión expandida del medio encuentra un marco conceptual particularmente pertinente en The Rolling Collection, exposición itinerante comisariada por ADDA Gallery. El proyecto propone una investigación colectiva en torno al formato circular entendido no sólo como contenedor formal, sino como estructura simbólica y campo de tensión espacial.

Históricamente, el círculo ha operado como figura de totalidad, continuidad y retorno. En el contexto de The Rolling Collection, el formato circular se desplaza de su carga simbólica clásica hacia una dimensión experimental y se convierte en un soporte que cuestiona la frontalidad rectangular hegemónica en la tradición pictórica occidental. La ausencia de ángulos obliga a replantear la composición, el equilibrio y la direccionalidad del trazo.

Lejos de ser una mera restricción formal, esta condición genera una economía específica de decisiones plásticas. El borde curvo tensiona la relación entre centro y periferia, diluye jerarquías internas y promueve dinámicas visuales centrífugas y centrípetas. El resultado es un conjunto de obras que interroga los modos de construcción de la imagen.

Tras su recorrido en 2025 por Barcelona, Ibiza, París, Londres y Tokio, una selección de la muestra se presenta en Art Madrid, reforzando su vocación internacional y su capacidad de adaptación a distintos contextos culturales. La propuesta para Art Madrid’26 reúne a artistas cuyas trayectorias se sitúan en la intersección entre arte urbano, ilustración contemporánea y prácticas híbridas: Honet, Yu Maeda, Nicolas Villamizar, Fafi, Yoshi y Cachetejack.

Aunque sus lenguajes son heterogéneos, desde aproximaciones más gráficas y narrativas hasta exploraciones cromáticas de fuerte carga gestual, la curaduría establece un eje común. Una actitud libre, experimental y marcadamente colorista. En este sentido, el color actúa como estructura conceptual que articula las obras y las conecta con la materialidad específica de POSCA.

La intensidad cromática propia del marcador dialoga con la contundencia formal del círculo, generando superficies donde la saturación y el contraste adquieren protagonismo. La herramienta se integra así en el discurso expositivo, siendo un elemento coherente con las estéticas de los artistas participantes

Uno de los aspectos más importantes del proyecto es la incorporación activa del público. En el espacio expositivo, que ocupará la acción de POSCA durante Art Madrid’26, los visitantes podrán intervenir círculos dispuestos en la pared, utilizando marcadores POSCA, integrándose de esta manera simbólica a The Rolling Collection durante su paso por Madrid.

Esta estrategia introduce una dimensión relacional que desestabiliza la noción de obra cerrada. De esta manera la autoría se descentraliza y el espacio expositivo se transforma en superficie dinámica de acumulación de gestos. Desde una perspectiva teórica, podría leerse como una aproximación a prácticas participativas que, sin renunciar a la calidad formal del conjunto, abren el dispositivo artístico a la contingencia y a la multiplicidad de voces.

La elección de POSCA como herramienta para esta intervención colectiva no es casual. Su facilidad de uso, control del trazo y compatibilidad con múltiples superficies garantizan una experiencia accesible sin comprometer la potencia visual del resultado. El marcador funciona de esta forma, como mediador entre el ámbito profesional y la experimentación espontánea, borrando las jerarquías técnicas.

El propio título, The Rolling Collection, sugiere una colección en movimiento, no fijada a un único espacio ni a una configuración definitiva. El carácter itinerante, sumado a la incorporación de intervenciones locales, convierte la acción en un organismo en constante transformación. En este marco, POSCA se posiciona como catalizador material de una comunidad creativa transnacional. La marca, históricamente vinculada a escenas urbanas y prácticas emergentes, refuerza su identidad como aliada de procesos abiertos, experimentales y colaborativos.

POSCA x The Rolling Collection no debe leerse únicamente como una colaboración entre empresa y proyecto curatorial, es sobre todo, una convergencia estratégica entre herramienta, discurso y comunidad. La acción propone una reflexión sobre el formato, la circulación global del arte contemporáneo y la expansión de la autoría; POSCA aporta la infraestructura técnica que hace posible tanto la obra individual como la experiencia colectiva.