Intercesiones. Ciclo de performance X Tara For Women. Programa Paralelo. Art Madrid'24

INTERCESIONES. CICLO DE PERFORMANCE X TARA FOR WOMEN

En su Poética del Espacio, Gastón Bachelard afirma que: “Hay que estar en el presente, en el presente de la imagen, en el minuto de la imagen: si hay una filosofía de la poesía, esta filosofía debe nacer y renacer con el motivo de un verso dominante, en la adhesión total a una imagen aislada, y precisamente en el éxtasis mismo de la novedad de la imagen.”

En nuestro presente, uno de imágenes homogeneizadas, encontramos una problemática que se expresa en la necesidad de escuchar las voces que se pronuncian desde la otredad. En esos otros lugares todavía es posible encontrar la novedad de la imagen y la poesía de la imagen que anuncia la diversidad. Todo pareciera conocido o familiar si investigamos en las maneras de representar una idea concisa del tiempo presente, del momento que nos compromete a actuar. Desde aquí, el arte contemporáneo sirve de pretexto para transformar la sociedad, haciendo uso de sus bondades como instrumento sanador y dador de voz a quienes convierten su vocación, en verso dominante para irrumpir en el escenario en el que todo ocurre y concurre; para así, formar parte de lo que acontece.

¿Somos capaces de ponernos en el lugar del otro? ¿Utilizamos nuestro lugar privilegiado para interceder por los demás? ¿Cuántas veces dejamos caer nuestro Yo para sostener el Nosotros? ¿Qué significa trabajar para el bien común?

Todas estas interrogantes tienen su respuesta en el ejercicio de la intercesión. Cómo las personas interceden unas por las otras cambiando el curso de los acontecimientos, cómo la intermediación tiene el propósito de encontrar una mejoría para los semejantes, de colocar en un lugar común el trabajo y el compromiso de aquellos por los que intercedemos.

Así nace Intercesiones, un Ciclo de Performance X Tara For Women que forma parte del Programa paralelo de Art Madrid’24, en el que se presenta a las artistas Estel Boada (Mataró, Barcelona, 1991), Teresa Búa (Muxía, A Coruña, 1991), Sara Domínguez (Málaga, 1993) y Mónica Egido (Salamanca, 1994). El propósito fundamental del ciclo es apostar por proyectos que reflexionen sobre nuestro tiempo. La performance en sus múltiples expresiones dramatúrgicas, sobre todo aquellas que utilizan el cuerpo como vehículo para deconstruir y observar desde una perspectiva crítica, la relación del ser humano con su entorno natural, son propicias para relatar la verdad de nuestro tiempo.

Mónica Egido. Fotograma del Proyecto FOMO. 2024.

Como las manos al cuerpo, los ojos al alma, la tierra a la vida y el arte a la sociedad, la poderosa metáfora que representa el ejercicio de interceder por el otro, convierte el escenario de la feria en un dispositivo capaz de activar y comunicar las preocupaciones de las artistas invitadas y hacerlas extensivas al público en un gesto de empatía.

El tratamiento de las relaciones humanas hace del habitáculo carnal un reservorio de afectos para con la realidad circundante. Interceder por los otros; propiciar una intercesión con el objetivo de lograr un beneficio para un ente o sujeto que dinamita nuestra acción, es el hilo conductor de este ciclo de performance, que se apropia de uno de los momentos artísticos más importantes del año y lo transforma en catapulta de proyección para las cuatro artistas participantes.

Estel Boada. Performance de Pfff Historia d’una Fitball. Documentación. 2024.

Intercesiones propone una mirada aguda sobre la relación simbólica entre el ser humano y su contexto, convirtiendo el cuerpo en un reservorio de afectos que posibilita la intercesión y el acto de interceder por otros entes o sujetos. En esencia, esta iniciativa busca propiciar reflexiones que trascienden la superficie de la experiencia cotidiana, desafiando prejuicios y adentrándose en la construcción de un legado artístico que se forja desde la vivencia despojada de convencionalismos.

La selección de las artistas, responde a la necesidad de poner de manifiesto la relevancia de obras que, a través de la performance, inciden de manera contundente en la conciencia colectiva respecto a los desafíos y peligros que amenazan nuestra sociedad y la manera en la que nos relacionamos con los otros. El cuerpo humano, asumido como motor y vínculo con la esencia artística y natural, se convierte en el epicentro de la exploración conceptual que propone este programa, trascendiendo lo común-cotidiano para desentrañar las complejidades de la intercesión entre el individuo y su entorno.

Durante los días de feria, Intercesiones transformará el espacio expositivo en un dispositivo activador, comunicando con potencia la urgencia con la que la humanidad debe abordar la construcción de su legado futuro. Así como las manos son al cuerpo, los ojos al alma y la tierra a la vida, este ciclo de performance afirma que el arte, en su máxima expresión, intercede por nosotros y representa la noción fundamental que guiará a las participantes en su búsqueda por la trascendencia y el significado de sus obras. Intercesiones se instaura así como un manifiesto de la performance, instrumento crítico y transformador, forjando un diálogo provocador y necesario en el contexto de Art Madrid’ 24.

SOBRE LAS ARTISTAS

Mónica Egido (Salamanca, 1994) es una artista visual con formación en fisioterapia y especialización en neurociencia del dolor crónico y obstetricia. Se ha destacado en el ámbito de la fotografía, siendo seleccionada para Futures Photography 2023 y becada por PhotoEspaña. Su obra, expuesta en diversos espacios de Europa, aborda diversas cuestiones de neurociencia en relación a la salud utilizando el arte como un mecanismo de divulgación, como en su último proyecto FOMO, donde habla sobre el impacto que tiene la ansiedad permanente sobre la salud física y mental. Su pieza «Vacío» reflexiona sobre la sensación de insatisfacción e infelicidad que sufren muchas personas de la generación millennial.

Mónica Egido. Artista invitada al Ciclo de performance: Intercesiones X Tara For Women.

Mónica Egido presenta en Art Madrid’24 su performance: VACÍO. De la serie FOMO

Vacío reflexiona sobre la sensación de insatisfacción e infelicidad constante que sufren muchas personas de la generación millennial.

Mónica Egido. Fotograma de Vacío de la serie FOMO. 2024.

Sara Gema Domínguez (Málaga, 1993) es una artista con formación en Bellas Artes y un máster en Producción e Investigación Artística Interdisciplinar. Su enfoque está en las artes de acción, explorando la relación entre arte y vida. La performance «Bingo de Artista» satiriza y critica los procesos de profesionalización artística, invitando al público a participar como creadores potenciales en un juego que cuestiona el azar y el reconocimiento artístico.

Sara Gema Domínguez. Artista invitada al Ciclo de performance: Intercesiones X Tara For Women.

Sara Gema Domínguez presenta en Art Madrid’24 su performance: BINGO DE ARTISTA.

El azar es una constante en nuestras vidas y el contexto en el que nace o se desarrolla un artista es esencial para determinar su posición en el mercado o su mero reconocimiento.

Sara Gema Domínguez. Bingo de artista. Documentación. 2024.

Teresa Búa (Muxía, A Coruña, 1991) combina Bellas Artes, diseño de moda y artesanía en sus proyectos artísticos. Su obra, presente en exposiciones nacionales e internacionales, se centra en el autoconocimiento, el patrimonio cultural de Galicia y la moda digital.

Teresa Búa. Artista invitada al Ciclo de performance: Intercesiones X Tara For Women.

Teresa Búa presenta en Art Madrid’24 su performance: MATERNIDAD 4. AMAMANTAR.

Esta obra nos invita a presenciar la belleza de la experiencia materna como una fuente de creatividad en la intercesión de la vida y la producción como fuerzas interconectadas en la experiencia humana.

Teresa Búa. Maternidad 4. Amamantar. Documentación. 2024.

Estel Boada (Mataró, Barcelona, 1991) es una artista multifacética que aborda temas pasados, presentes y futuros de manera irónica y burlesca. Con formación en Bellas Artes, su obra incluye diseño, dibujo, performance entre otras…

Estel Boada. Artista invitada al Ciclo de performance: Intercesiones X Tara For Women.

Estel Boada presenta en Art Madrid’24 su performance: STAND, BY ME.

Stand, By Me es una performance que quiere abordar de forma irónica y burlesca la responsabilidad y posición de un stand de feria de arte.

Estel Boada. Stand, By Me. Documentación. 2024.

PERFORMANCES

Miércoles, 6 marzo / 19:00 h - Mónica Egido - VACÍO

Jueves, 7 marzo / 19:00 h - Sara Gema Domínguez - BINGO DE ARTISTA

Viernes, 8 marzo / 17:00 h - Teresa Búa - MATERNIDAD 4. AMAMANTAR

Sábado, 9 marzo / 19:00 h - Estel Boada - STAND, BY ME

El ciclo de performances Intercesiones X Tara For Women, cuenta con el apoyo de la Fundación homónima, cuya misión es la de fortalecer y empoderar a mujeres con talento en todo el mundo, promoviendo un desarrollo económico y social sostenible. Su visión es construir una comunidad global sin fronteras, donde las mujeres talentosas encuentren el empoderamiento necesario y accedan a las herramientas esenciales para alcanzar el éxito en sus emprendimientos y expresiones artísticas. Fiel a sus valores, se une en esta edición a Art Madrid para contribuir a la tan necesaria labor de representar el talento de las artistas en el circuito expositivo del arte contemporáneo nacional.

El Programa Paralelo de la 21.ª edición de Art Madrid configura un ecosistema conceptual donde convergen teoría, práctica artística y experiencia compartida, transformando el espacio expositivo en un territorio de reflexión crítica y producción simbólica. Esta iniciativa consolida la feria como un organismo efímero capaz de albergar múltiples capas de significado, donde cada elemento arquitectónico, cada obra y cada tránsito del público participan en la construcción colectiva de sentido.

El fundamento teórico de esta edición descansa sobre dos pilares conceptuales complementarios: la atención a lo infraordinario propuesta por Georges Perec en Especies de Espacios y la Poética de la relación de Édouard Glissant. Por un lado la reflexión va encaminada a lo que propone Perec cuando nos invita a detenernos en aquello que habitualmente pasa desapercibido, en los detalles cotidianos que conforman la textura profunda de nuestra experiencia. Aplicada al contexto ferial, esta mirada fragmentaria revela cada muro, pasillo y stand como un microespacio de sentido, una unidad narrativa dentro de un relato coral en constante construcción. La feria emerge así como un archivo temporal que sólo adquiere plenitud en la interacción de quienes lo habitan, transformando lo ordinario en extraordinario mediante el acto mismo de la atención.

Francisco Pereira Coutinho. Prism. 2024. Fotografía. Galeria Sâo Mamede.

Por su parte, Glissant aporta una ética de la diversidad y la interdependencia que resulta especialmente pertinente en el contexto contemporáneo. Su Poética de la relación propone que cada elemento mantiene su singularidad irreductible sin exigir completa comprensión o reducción a categorías conocidas, mientras simultáneamente se transforma en su relación con los demás. Esta concepción relacional sustenta la estructura curatorial del programa, propiciando encuentros, fricciones y diálogos que amplían la comprensión del arte contemporáneo como experiencia compartida y no lineal. La feria deja de ser un conjunto homogéneo para convertirse en un espacio de coexistencia donde la opacidad del otro se respeta y valora como condición de posibilidad del encuentro genuino.

El concepto articulador de distancias imaginarias, - que se produce entre obra y espectador al transitar la feria-, sintetiza ambos marcos teóricos, refiriéndose no solo a la distancia física sino también a los intervalos de atención, los recorridos subjetivos y las microcartografías afectivas que los visitantes trazan al desplazarse por el espacio. Estas distancias invisibles, ausentes de los planos arquitectónicos, conforman una cartografía emocional y sensorial que la feria registra y reconfigura constantemente. Cada visitante genera su propio mapa, su propia narrativa, su particular forma de habitar temporalmente esta especie de espacio.

Desde esta perspectiva, la feria se comprende como una superficie de escritura múltiple donde cada edición deja huellas, borraduras y nuevas inscripciones. Cada fragmento, cada gesto, cada tránsito configura una capa de memoria que transforma la experiencia en un acto de relación y conocimiento. Habitar la feria supone entonces, aprender a mirar lo evidente, reconocer en lo mínimo la posibilidad de lo extraordinario y aceptar que toda experiencia cultural es, simultáneamente, archivo y relación. El espectador asume así una postura activa, transformando la contemplación en un acto de interrogación y cohabitación, donde la obra y el público conviven en una misma poética de la atención.

El Programa Paralelo de Art Madrid'26 se articula a través de una serie de iniciativas que se desarrollarán tanto en la fase previa a la feria como durante los días de celebración del evento, del 4 al 8 de marzo en su sede en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles:

Yoon Weedong. The Sacred 62. Acrílico sobre lienzo. 2025. Banditrazos Gallery.

El programa de entrevistas comisariadas regresa por quinta edición consecutiva, confirmándose como una de las señas de identidad del Programa Paralelo de Art Madrid. En esta ocasión, el comisario y crítico de arte independiente Adonay Bermúdez (Lanzarote, España. 1985) asume la dirección del programa, aportando su amplia trayectoria internacional y su sensibilidad hacia las prácticas artísticas contemporáneas de Iberoamérica.

Conversaciones con Adonay Bermúdez abre un espacio para profundizar en la experiencia y los procesos creativos de los artistas, destacando la diversidad de miradas que conforman el panorama contemporáneo. A través del diálogo, se exploran las motivaciones, inquietudes y dinámicas que atraviesan el trabajo de cada creador, poniendo en valor la importancia de los lugares de encuentro como las galerías y ferias de arte en la difusión y comprensión del arte actual. Esta iniciativa refuerza el compromiso de Art Madrid con la creación contemporánea, ofreciendo al público una oportunidad para acercarse de manera directa y humana a algunas de las voces que dan forma a la propuesta expositiva de la edición.

Los artistas participantes en esta edición representan un amplio espectro de prácticas, lenguajes y sensibilidades dentro del arte contemporáneo. Entre ellos se encuentran: Carmen Baena, representada por la Galería BAT alberto cornejo; Sergio Rocafort, representado por Shiras Galería; Chamo San, representado por Inéditad Gallery; Cedric Le Corf, representado por Loo & Lou Gallery; Daniel Bum, representado por CLC ARTE; Iyán Castaño, representado por la Galería Arancha Osoro; Julian Manzelli (Chu), representado por g•gallery; y el dúo DIMASLA (Diana + Álvaro), representado por la Galería La Mercería. Cada propuesta aporta una mirada singular sobre materiales, formatos y conceptos, conformando una polifonía de voces que enriquece la experiencia del público, invitándolo a explorar nuevas formas de aproximarse a los universos creativos de quienes protagonizan la feria.

Alex Voinea. AVP 1377, Acrílico sobre papel. 2025. Galería Rodrigo Juarranz.

Open Booth: Un espacio para la creación emergente

La tercera edición del Open Booth confirma el compromiso de Art Madrid con la creación emergente, destinando un espacio físico de veintidós metros cuadrados para ser intervenido por un artista en los inicios de su trayectoria profesional. En esta ocasión, el artista invitado es Daniel Barrio (Cuba, 1988), quien desarrollará un proyecto site-specific titulado “Despiece”.

El proyecto Open Booth funciona como una plataforma de visibilización y experimentación, permitiendo que artistas emergentes dialoguen en igualdad de condiciones con las galerías participantes. Este espacio se concibe como una plataforma de exposición donde las ideas pueden materializarse sin las restricciones habituales del mercado, favoreciendo propuestas arriesgadas y procesos creativos en desarrollo. Así, la iniciativa ejemplifica la voluntad de Art Madrid de apoyar nuevas voces, reconociendo que el ecosistema del arte contemporáneo requiere espacios de transición donde los artistas puedan profesionalizarse y ganar visibilidad ante coleccionistas, instituciones y otros agentes del sector. El Open Booth se inscribe, por tanto, dentro de la lógica relacional que sustenta toda la programación de la feria, entendida como un territorio de encuentros posibles donde lo emergente y lo consolidado cohabitan y se enriquecen mutuamente.

La propuesta de Daniel Barrio, es un proyecto site-specific que pone en tensión la historia, la memoria urbana y la materialidad del espacio. La obra se despliega como un archivo reconstruido, donde cada elemento —desde el torso icónico del Belvedere hasta la mesa de cera y los lienzos pigmentados— articula un diálogo entre lo clásico y lo contemporáneo, lo sagrado y lo cotidiano. En esta obra el artista explora la fragilidad de los materiales, la percepción del espectador y la experiencia sensorial: a través de los pigmentos hechos a mano, el mortero, la cal y la cera, elemenos que activan la corporalidad del público, situándolo en un punto de vulnerabilidad y atención profunda. Los lienzos, intervenidos sobre soportes impresos con fragmentos de la ciudad, funcionan como un registro poético de la cultura y el consumo que se transforma en ruina, evocando un espacio simultáneamente interior y exterior.

Marcos Juncal. After Party II. 2025. Instalación. Galería La Mercería.

Espacio Nebrija: NotanIA SipedagogIE

La Universidad Nebrija y Art Madrid se unen por segunda ocasión para presentar un proyecto curatorial resultado del trabajo de los alumnos del Grado de Bellas Artes. El Espacio Nebrija se ha concebido para apoyar a artistas visuales en formación, en su primera incursión en el circuito del arte contemporáneo madrileño. Con el patrocinio de Liquitex, marca referente mundial en acrílico profesional, esta iniciativa representa una oportunidad única para que los artistas en formación puedan integrarse y participar activamente en un evento de relevancia nacional e internacional.

La propuesta curatorial se articula bajo el título "NotanIA SipedagogIE", un neologismo que condensa una reflexión crítica sobre la relación entre pedagogía artística, mercado y tecnología. Frente a la lógica algorítmica de la Inteligencia Artificial, este proyecto propone la noción de Inteligencia Estética: una forma de conocimiento que integra lo sensorial, lo afectivo, lo intuitivo y lo cultural. Se plantea así una pedagogía crítica y empática que se opone a la automatización del pensamiento creativo y promueve una experiencia estética situada pero trashumante.

La metodología se basa en la apropiación poética de versos como punto de partida para la creación de obras sin título, acompañadas de un mood board que documenta el proceso sensible. El stand se concibe como una obra coral y transitoria, inspirada en las Zonas SER de Madrid, donde el arte se convierte en un espacio de tránsito simbólico, resistencia y reflexión sobre el ser, el deseo, la presencia ajena y la ocupación temporal del espacio artístico. Esta propuesta conecta directamente con los fundamentos teóricos de la feria, entendiendo el espacio expositivo como un lugar de negociación constante entre lo individual y lo colectivo.

Fabian Treiber. Strayed. Acrílico, tinta, pastel al óleo, pastel y papel sobre lienzo. 2025. KANT Gallery.

El Ciclo de Performance presenta su cuarta edición bajo el título "Abierto Infinito: Lo que el cuerpo recuerda", una iniciativa orientada a fortalecer la presencia de artistas mujeres dentro del Programa Paralelo. Esta convocatoria se dirige a creadoras con un trabajo performativo que explora las tensiones entre cuerpo, memoria, espacio y tiempo, transformando la feria en un espacio de acogida para experiencias efímeras, fragmentarias y relacionales que expanden los límites perceptivos y simbólicos del espectador.

El proyecto se fundamenta en la teoría de Erving Goffman sobre la vida cotidiana como escenario de actuaciones moduladas, proponiendo que los cuerpos de las artistas funcionen como "fachadas" performativas que configuran el marco de interpretación del público. Las performances dramatizan lo cotidiano, exponiendo tensiones entre lo visible y lo oculto, lo idealizado y el esfuerzo real, mientras articulan estrategias de presencia que revelan o disimulan poder, vulnerabilidad e intimidad.

A partir de estas nociones, el ciclo amplía su horizonte hacia perspectivas posthumanas, decoloniales, queer, rituales y ecológicas, concibiendo la performance como un acto capaz de visibilizar vínculos invisibles y tensiones que atraviesan cuerpos, objetos y contextos. Las artistas invitadas son: Jimena Tercero (Madrid, 1998), Amanda Gatti (Porto Alegre, Brasil,1996), Colectivo La Burra Negra (Conformado por: Sara Gema, Sasha Falcke, Ascen Soto, Gaby Feldman, Regina Carolina y Sofía Barco) y Rocío Valdivieso (Tucumán, Argentina, 1994), cuyas propuestas transformarán la feria en un espacio de acogida para experiencias efímeras, fragmentarias y relacionales que expanden los límites perceptivos y simbólicos del espectador.

"Abierto Infinito..." plantea al cuerpo como un lugar de negociación constante entre lo individual y lo colectivo, donde la efimeridad adquiere densidad simbólica y se manifiesta simultáneamente la fragilidad de la identidad y la potencia del encuentro con los otros. El ciclo propone una investigación sobre las conexiones entre cuerpo, memoria, espacio y tiempo, entendiendo la performance como una práctica que activa lecturas críticas y sensibles sobre las capas simbólicas que nos constituyen. En este sentido, el cuerpo se revela como archivo vivo, como territorio donde se inscriben las marcas de la historia personal y colectiva, donde se negocian pertenencias y resistencias.

Eli Craven. Soap Opera 1. 2023. Impresión de inyección de tinta y marco pintado a mano. KANT Gallery.

Lecturas: Recorridos comisariados

El proyecto "Lecturas. Recorridos comisariados" es una actividad de mediación cultural diseñada para acercar al público visitante a las obras expuestas en el Programa General de Galerías. Las historiadoras del arte y divulgadoras culturales Marisol Salanova y Zuriñe Lafón nos invitan a descubrir nuevas miradas sobre el arte contemporáneo en itinerarios diseñados para acercarnos a las propuestas expositivas de la edición.

Los recorridos temáticos funcionan como dispositivos de apertura, como herramientas que facilitan la comprensión sin imponer lecturas cerradas. Las comisarias trazarán cuatro itinerarios que revelan diálogos inesperados entre obras de diferentes galerías, proponiendo claves interpretativas que enriquecen la mirada sin agotarla.

Esta iniciativa se inscribe dentro de la concepción de la feria como espacio de aprendizaje colectivo, propiciando el acceso al arte contemporáneo, generando condiciones de posibilidad para que un público amplio y diverso pueda disfrutar plenamente de la experiencia. Al mismo tiempo, los recorridos materializan las "distancias imaginarias" que articulan conceptualmente la edición, mostrando que cada discurso curatorial construye una narrativa particular, una forma específica de habitar el espacio expositivo.

Dave Cooper. Arriving at Frederic's. Óleo sobre lienzo. 2024. Est_ArtSpace.

La Quedada. Visita al estudio de Daniel Barrio. Artista invitado al Open Booth de Art Madrid’26

Como antesala a los días de feria, Art Madrid’26 organiza diversas actividades diseñadas para acercar al público al proceso creativo y a los artistas participantes. Una de ellas será la visita al estudio de Daniel Barrio, invitado al proyecto Open Booth. Esta acción permitirá conocer de primera mano el contexto, la metodología y la investigación detrás de su obra, ofreciendo una experiencia cercana y directa que enriquece la relación entre público y creación contemporánea. Los asistentes podrán disfrutar de esta visita en primicia, antes de la participación del artista en la feria.

“Despiece” es la propuesta de Daniel Barrio para Open Booth en Art Madrid’26. La obra funciona como un archivo reconstruido, donde cada elemento —desde el icónico Torso del Belvedere hasta la mesa de cera y los lienzos pigmentados— articula un diálogo entre tradición y contemporaneidad, historia y presente.

Daniel Barrio (Cienfuegos, Cuba, 1988) reside y trabaja en Madrid desde 2014. Formado en pintura en la Academia de Artes Visuales de Cienfuegos y en Dirección de Arte en la Escuela de Cinematografía de Madrid, desarrolla una práctica donde la imagen y el espacio se conciben como constructos de sentido.Su trabajo utiliza técnicas propias que recuerdan al fresco, con pigmentos y soportes elaborados artesanalmente, vinculando cada obra al tiempo y al entorno en que se crea. Explora la memoria urbana, la migración y la construcción de identidad a partir de lo abandonado, resignificando imágenes de prensa y medios para resistir la mercantilización y la vigilancia contemporánea. Su práctica es un gesto pausado y reflexivo, un acto de preservación y diálogo con lo efímero y lo íntimo.

Jordi Larroch. Pide un deseo. 2025. Fotografía. CLC ARTE.

El Programa Paralelo de Art Madrid'26 es una propuesta extensa dentro de un modelo de feria que entiende el arte contemporáneo como experiencia compartida en la que confluyen múltiples agentes, perspectivas y temporalidades. Desde las entrevistas comisariadas hasta el ciclo de performances, desde el Open Booth hasta el Espacio Nebrija, cada iniciativa contribuye a construir una experiencia donde el público se convierte en un participante activo de una comunidad temporal. La feria se revela así como un organismo vivo, otra especie de espacio en constante reconfiguración.

Art Madrid, consciente de su responsabilidad cultural más allá de su dimensión comercial, se propone generar espacios de reflexión, aprendizaje y encuentro, sin renunciar al mercado del arte. El reto consiste en sostener un equilibrio sutil entre la naturaleza efímera de la feria y la densidad de la experiencia estética, consolidando un contexto en el que el arte se percibe como objeto de apreciación, debate y conocimiento.