Intercesiones. Ciclo de performance X Tara For Women. Programa Paralelo. Art Madrid'24

INTERCESIONES. CICLO DE PERFORMANCE X TARA FOR WOMEN

En su Poética del Espacio, Gastón Bachelard afirma que: “Hay que estar en el presente, en el presente de la imagen, en el minuto de la imagen: si hay una filosofía de la poesía, esta filosofía debe nacer y renacer con el motivo de un verso dominante, en la adhesión total a una imagen aislada, y precisamente en el éxtasis mismo de la novedad de la imagen.”

En nuestro presente, uno de imágenes homogeneizadas, encontramos una problemática que se expresa en la necesidad de escuchar las voces que se pronuncian desde la otredad. En esos otros lugares todavía es posible encontrar la novedad de la imagen y la poesía de la imagen que anuncia la diversidad. Todo pareciera conocido o familiar si investigamos en las maneras de representar una idea concisa del tiempo presente, del momento que nos compromete a actuar. Desde aquí, el arte contemporáneo sirve de pretexto para transformar la sociedad, haciendo uso de sus bondades como instrumento sanador y dador de voz a quienes convierten su vocación, en verso dominante para irrumpir en el escenario en el que todo ocurre y concurre; para así, formar parte de lo que acontece.

¿Somos capaces de ponernos en el lugar del otro? ¿Utilizamos nuestro lugar privilegiado para interceder por los demás? ¿Cuántas veces dejamos caer nuestro Yo para sostener el Nosotros? ¿Qué significa trabajar para el bien común?

Todas estas interrogantes tienen su respuesta en el ejercicio de la intercesión. Cómo las personas interceden unas por las otras cambiando el curso de los acontecimientos, cómo la intermediación tiene el propósito de encontrar una mejoría para los semejantes, de colocar en un lugar común el trabajo y el compromiso de aquellos por los que intercedemos.

Así nace Intercesiones, un Ciclo de Performance X Tara For Women que forma parte del Programa paralelo de Art Madrid’24, en el que se presenta a las artistas Estel Boada (Mataró, Barcelona, 1991), Teresa Búa (Muxía, A Coruña, 1991), Sara Domínguez (Málaga, 1993) y Mónica Egido (Salamanca, 1994). El propósito fundamental del ciclo es apostar por proyectos que reflexionen sobre nuestro tiempo. La performance en sus múltiples expresiones dramatúrgicas, sobre todo aquellas que utilizan el cuerpo como vehículo para deconstruir y observar desde una perspectiva crítica, la relación del ser humano con su entorno natural, son propicias para relatar la verdad de nuestro tiempo.

Mónica Egido. Fotograma del Proyecto FOMO. 2024.

Como las manos al cuerpo, los ojos al alma, la tierra a la vida y el arte a la sociedad, la poderosa metáfora que representa el ejercicio de interceder por el otro, convierte el escenario de la feria en un dispositivo capaz de activar y comunicar las preocupaciones de las artistas invitadas y hacerlas extensivas al público en un gesto de empatía.

El tratamiento de las relaciones humanas hace del habitáculo carnal un reservorio de afectos para con la realidad circundante. Interceder por los otros; propiciar una intercesión con el objetivo de lograr un beneficio para un ente o sujeto que dinamita nuestra acción, es el hilo conductor de este ciclo de performance, que se apropia de uno de los momentos artísticos más importantes del año y lo transforma en catapulta de proyección para las cuatro artistas participantes.

Estel Boada. Performance de Pfff Historia d’una Fitball. Documentación. 2024.

Intercesiones propone una mirada aguda sobre la relación simbólica entre el ser humano y su contexto, convirtiendo el cuerpo en un reservorio de afectos que posibilita la intercesión y el acto de interceder por otros entes o sujetos. En esencia, esta iniciativa busca propiciar reflexiones que trascienden la superficie de la experiencia cotidiana, desafiando prejuicios y adentrándose en la construcción de un legado artístico que se forja desde la vivencia despojada de convencionalismos.

La selección de las artistas, responde a la necesidad de poner de manifiesto la relevancia de obras que, a través de la performance, inciden de manera contundente en la conciencia colectiva respecto a los desafíos y peligros que amenazan nuestra sociedad y la manera en la que nos relacionamos con los otros. El cuerpo humano, asumido como motor y vínculo con la esencia artística y natural, se convierte en el epicentro de la exploración conceptual que propone este programa, trascendiendo lo común-cotidiano para desentrañar las complejidades de la intercesión entre el individuo y su entorno.

Durante los días de feria, Intercesiones transformará el espacio expositivo en un dispositivo activador, comunicando con potencia la urgencia con la que la humanidad debe abordar la construcción de su legado futuro. Así como las manos son al cuerpo, los ojos al alma y la tierra a la vida, este ciclo de performance afirma que el arte, en su máxima expresión, intercede por nosotros y representa la noción fundamental que guiará a las participantes en su búsqueda por la trascendencia y el significado de sus obras. Intercesiones se instaura así como un manifiesto de la performance, instrumento crítico y transformador, forjando un diálogo provocador y necesario en el contexto de Art Madrid’ 24.

SOBRE LAS ARTISTAS

Mónica Egido (Salamanca, 1994) es una artista visual con formación en fisioterapia y especialización en neurociencia del dolor crónico y obstetricia. Se ha destacado en el ámbito de la fotografía, siendo seleccionada para Futures Photography 2023 y becada por PhotoEspaña. Su obra, expuesta en diversos espacios de Europa, aborda diversas cuestiones de neurociencia en relación a la salud utilizando el arte como un mecanismo de divulgación, como en su último proyecto FOMO, donde habla sobre el impacto que tiene la ansiedad permanente sobre la salud física y mental. Su pieza «Vacío» reflexiona sobre la sensación de insatisfacción e infelicidad que sufren muchas personas de la generación millennial.

Mónica Egido. Artista invitada al Ciclo de performance: Intercesiones X Tara For Women.

Mónica Egido presenta en Art Madrid’24 su performance: VACÍO. De la serie FOMO

Vacío reflexiona sobre la sensación de insatisfacción e infelicidad constante que sufren muchas personas de la generación millennial.

Mónica Egido. Fotograma de Vacío de la serie FOMO. 2024.

Sara Gema Domínguez (Málaga, 1993) es una artista con formación en Bellas Artes y un máster en Producción e Investigación Artística Interdisciplinar. Su enfoque está en las artes de acción, explorando la relación entre arte y vida. La performance «Bingo de Artista» satiriza y critica los procesos de profesionalización artística, invitando al público a participar como creadores potenciales en un juego que cuestiona el azar y el reconocimiento artístico.

Sara Gema Domínguez. Artista invitada al Ciclo de performance: Intercesiones X Tara For Women.

Sara Gema Domínguez presenta en Art Madrid’24 su performance: BINGO DE ARTISTA.

El azar es una constante en nuestras vidas y el contexto en el que nace o se desarrolla un artista es esencial para determinar su posición en el mercado o su mero reconocimiento.

Sara Gema Domínguez. Bingo de artista. Documentación. 2024.

Teresa Búa (Muxía, A Coruña, 1991) combina Bellas Artes, diseño de moda y artesanía en sus proyectos artísticos. Su obra, presente en exposiciones nacionales e internacionales, se centra en el autoconocimiento, el patrimonio cultural de Galicia y la moda digital.

Teresa Búa. Artista invitada al Ciclo de performance: Intercesiones X Tara For Women.

Teresa Búa presenta en Art Madrid’24 su performance: MATERNIDAD 4. AMAMANTAR.

Esta obra nos invita a presenciar la belleza de la experiencia materna como una fuente de creatividad en la intercesión de la vida y la producción como fuerzas interconectadas en la experiencia humana.

Teresa Búa. Maternidad 4. Amamantar. Documentación. 2024.

Estel Boada (Mataró, Barcelona, 1991) es una artista multifacética que aborda temas pasados, presentes y futuros de manera irónica y burlesca. Con formación en Bellas Artes, su obra incluye diseño, dibujo, performance entre otras…

Estel Boada. Artista invitada al Ciclo de performance: Intercesiones X Tara For Women.

Estel Boada presenta en Art Madrid’24 su performance: STAND, BY ME.

Stand, By Me es una performance que quiere abordar de forma irónica y burlesca la responsabilidad y posición de un stand de feria de arte.

Estel Boada. Stand, By Me. Documentación. 2024.

PERFORMANCES

Miércoles, 6 marzo / 19:00 h - Mónica Egido - VACÍO

Jueves, 7 marzo / 19:00 h - Sara Gema Domínguez - BINGO DE ARTISTA

Viernes, 8 marzo / 17:00 h - Teresa Búa - MATERNIDAD 4. AMAMANTAR

Sábado, 9 marzo / 19:00 h - Estel Boada - STAND, BY ME

El ciclo de performances Intercesiones X Tara For Women, cuenta con el apoyo de la Fundación homónima, cuya misión es la de fortalecer y empoderar a mujeres con talento en todo el mundo, promoviendo un desarrollo económico y social sostenible. Su visión es construir una comunidad global sin fronteras, donde las mujeres talentosas encuentren el empoderamiento necesario y accedan a las herramientas esenciales para alcanzar el éxito en sus emprendimientos y expresiones artísticas. Fiel a sus valores, se une en esta edición a Art Madrid para contribuir a la tan necesaria labor de representar el talento de las artistas en el circuito expositivo del arte contemporáneo nacional.

La obra de Julian Manzelli (Chu) (Buenos Aires, Argentina, 1974) se sitúa en un territorio de investigación donde el arte adopta metodologías próximas al pensamiento científico sin renunciar a su dimensión poética y especulativa. Su práctica se estructura como un proceso abierto de experimentación, en el que el taller funciona como laboratorio: un espacio de ensayo, error y verificación, más orientado a la producción de nuevas formas de percepción que a la obtención de certezas. En este sentido, su trabajo dialoga con una epistemología de la incertidumbre, afín a tradiciones filosóficas que entienden el conocimiento como devenir y no como cierre.

Manzelli explora zonas intersticiales, entendidas como espacios de tránsito y transformación. Estas áreas ambiguas no se presentan como indefinición, sino como potencia: lugares donde las categorías se disuelven y permiten la emergencia de configuraciones híbridas, casi alquímicas, que reprograman la mirada.

La geometría, lejos de operar como sistema normativo, aparece tensionada y desestabilizada. Sus construcciones precarias articulan un cruce entre intuición y razón, juego e ingeniería, evocando una gramática universal presente tanto en la naturaleza como en el pensamiento simbólico. Así, las obras de Manzelli no representan el mundo, sino que lo transfiguran, activando preguntas más que respuestas cerradas.

Avícola. Escultura magnética. Madera, imanes, laca automotriz y acero. 45 x 25 cm. 2022.

La ciencia y sus métodos inspiran tu proceso. ¿Qué tipo de paralelismos encuentras entre el pensamiento científico y la creación artística?

La ciencia y el arte son dos disciplinas que creo tienen mucho en común y sin duda están muy interrelacionadas. A mí me interesa ese cruce y a pesar de que muchas veces se ponen en lugares opuestos, creo que comparten y tienen un mismo origen. En ambos está esa búsqueda continua, esa necesidad de respuestas que viene desde la curiosidad, no tanto desde la certeza y que a veces, o en muchos casos, tanto a los artistas como a los científicos, los lleva a ponerse en lugares incómodos e inciertos y a salirse de su zona de confort. Creo que eso es algo en común y muy interesante de estas dos disciplinas que de alguna forma son las que nos definen como humanos.

En ese sentido, ambas comparten la experimentación como eje de su práctica. La prueba, el error, los ensayos y todo este proceso son los que van generando el desarrollo. En mi caso, esto se aplica al taller: lo vivo como un laboratorio donde se desarrollan distintos proyectos, donde voy testeando materiales. Es como si uno genera una hipótesis y luego la pusiera a prueba: los materiales, los procedimientos, las formas, los colores, y se obtienen resultados. Resultados que no buscan ser verificados, sino que en el arte tienen, creo yo, la función de generar nuevos modos de percepción, nuevas miradas y experiencias.

Receptor Lunar #01. Ensamble de Madera Reciclada torneada. 102 x 26 x 26 cm. De la serie Fuerza orgánica. 2023.

Trabajas desde los intersticios entre lo natural y lo artificial, lo figurativo y lo abstracto. ¿Qué te interesa de esas zonas ambiguas y qué tipo de conocimiento emergen de ellas?

Siempre fui bastante inquieto y eso me llevó a meterme y sumergirme en distintos ámbitos, distintas disciplinas. Creo que hay una riqueza especial en los lugares intersticiales, en el ida y vuelta, en la circulación entre medios. Siempre me llamaron la atención estos espacios, los lugares ambiguos, los lugares híbridos. Creo que hay algo de la lógica anfibia, los anfibios como entidades que llevan y traen información, que comparten, que atraviesan límites y membranas. Es algo, en mi caso, que está vinculado a lo que entiendo como libertad, sobre todo en un momento de encasillamiento, de etiquetas y donde el concepto de libertad ha sido totalmente transgiversado.

Y después, por otro lado, en el plano más metafísico, en la mezcla, en ese mix es donde aparece la energía viva de crear algo nuevo, que sin duda es como la base de lo humano. Entonces es como que “una cosa se hace cosa fuera del molde". Y es necesaria esa interacción para romper estructuras, armar otras, transmutarse; tiene algo como alquímico. Yo creo que el enemigo es la fijación. De alguna manera lo ambiguo es lo que permite reprogramar la mirada y generar nuevos puntos de vista.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

El movimiento, la repetición y la secuencia aparecen como estrategias visuales. ¿Qué papel cumple la serialidad en la generación de significado?

El movimiento, la repetición y la secuencia están muy presentes en mi trabajo. Yo tengo un largo background en el mundo de la animación y, de alguna forma, ese interés comienza a filtrarse en las demás disciplinas en las que me desempeño. Así, el movimiento aparece también en mi obra dentro de las artes visuales.

La serialidad es como una forma de pensar el tiempo y de introducir cierta narrativa y acción en la obra, al mismo tiempo que creo que condiciona la experiencia del espectador, lo invita a intentar descifrar cierta repetición como una especie de progresión. Me interesa, en particular, la narrativa más abstracta. En este tipo de narrativa, donde no hay figuración clara, la repetición empieza a marcar un pulso, un “beat” que señala el paso del tiempo. Lo interesante, creo, es que nos damos cuenta de que repetir no es exactamente duplicar, y que lo idéntico comienza a mutar a lo largo del tiempo, del ritmo o de su propia historia.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

Trabajas con sistemas geométricos y constructivos. ¿Qué papel cumple la geometría como lenguaje simbólico dentro de tu trabajo?

La geometría está presente en mi obra de múltiples formas y dimensiones, generando distintas dinámicas. Por lo general, suelo ponerla en crisis, en tensión. Si uno se adentra en mis obras, se da cuenta de que predominan construcciones en equilibrio impreciso e inestable; no busco lo simétrico ni lo exacto, sino una construcción dinámica que plantea una situación. No lo concibo como un sistema rígido.

Creo que ahí se establece un puente entre lo intuitivo y lo racional, entre lo lúdico -el juego- y la ingeniería, como esos cruces inesperados. Al mismo tiempo, la geometría funciona como un código, un lenguaje que nos conecta con una gramática universal presente en la naturaleza, en los fractales, y que sin duda remite al simbolismo. Es ahí donde se abre un portal interesante en el que la obra empieza a resignificar y a darse como un proceso de significación externo a sí misma, totalmente incierto. El resultado de mis obras no son piezas que representan; más bien, creo que son piezas que transfiguran y que, de alguna manera, generan preguntas.

WIP. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de contrucción. 2022.

¿Hasta qué punto planificas tus obras y cuánto espacio dejas para que ocurra lo inesperado o, incluso, al error?

Con respecto a la planificación, es algo que depende bastante del proyecto y del día. Hay proyectos que, por su envergadura o complejidad, requieren planificación, sobre todo cuando involucran a otras personas que deben participar. Sin duda, en muchos casos la planificación es fundamental.

En los proyectos que suelo planificar, siempre me interesa dejar un espacio para la improvisación, donde pueda jugar un poco el azar o el devenir del propio proceso. Creo que ahí empiezan a surgir cosas interesantes, y es importante no dejarlas pasar. Personalmente, me aburriría mucho trabajar en obras cuyo resultado ya conozco de antemano. La realización de cada obra es, para mí, un viaje incierto; no sé hacia dónde me llevará, y creo que ahí reside el potencial y lo interesante, no solo para mí, sino también para la obra misma y la experiencia del espectador.