Para su próxima edición de 2019 Art Madrid apuesta por el talento creativo del artista madrileño Rubén Martín de Lucas, quien presentará en exclusiva una nueva entrega de sus “Repúblicas mínimas” y tendrá una participación muy activa en la feria.

La elección del artista invitado responde al deseo de Art Madrid de apoyar a autores en una fase inicial o intermedia de su carrera que destaquen por su carácter comprometido, su búsqueda constante de nuevos lenguajes expresivos, la continuidad en su práctica artística y el desarrollo de proyectos con vocación transnacional que exploren nuevos discursos en el arte contemporáneo. Es una apuesta firme por el talento creativo que la feria quiere traducir en dotar de mayor presencia al artista involucrándolo en acciones participativas que impliquen al público con los procesos de producción artística.

Rubén Martín de Lucas, "Repúblicas mínimas", nº 5

Martín de Lucas reflexiona así sobre su proyecto Stupid Borders y su participación en Art Madrid'19

No se dejen llevar. Háganse preguntas.

La eclosión de ferias de arte en las últimas décadas es el resultado de la sociedad en la que vivimos. No puedo hablar bien de ellas. No me gustan demasiado. Sin embargo tampoco puedo hablar mal porque formo parte de ellas. Quizás éste sea el peor lugar y el peor momento para ser sincero, dado que soy el artista invitado, pero creo que debemos dejar atrás la corrección y mirarnos en el espejo.

Vivimos en una sociedad-sistema-mercado-planeta del que nada escapa. Y en él, aunque todo está complejamente intrincado, las relaciones de “mercado” han acabado imponiéndose y afectando a todos los planos. Al personal, al social y por supuesto al cultural y artístico. No existe el artista perfecto porque es imposible vivir del aire. A algunos nos atrae esa imagen ascética y elevada, pero la realidad nos dice que es imposible habitar fuera de este mundo-sistema por la sencilla razón de que no existe ese “fuera”. Todo está dentro.

La paradoja es la siguiente: Cómo cuestionar un sistema del que formas parte. Cómo cambiar la inercia de una gran bola de nieve en la que estás metido. No sé si hay solución.

Lo que sí sé es que hacerse preguntas es la mejor manera de alumbrar el camino. En el plano personal cuestionar todo me llevó a renunciar al ejercicio de la Ingeniería de Caminos y a apearme, años después, del colectivo que había ayudado a fundar, Boa Mistura, para ver crecer a mis hijos y poder cuestionarme todo con un tiempo más pausado. ¿Por qué corremos tanto? ¿Hacia dónde corremos?

Puse el foco en nuestra relación con el territorio, en el extraño sentimiento de propiedad que ejercemos hacia una Tierra que nos trasciende en edad. Esa “propiedad”, una ilusión consensuada, una ilusión peligrosa. Lo mismo que el concepto “nación”, una construcción mental presente sólo en el imaginario colectivo, un concepto abstracto que es fuente de continuas tensiones y violencia.

Así empecé a cuestionar todo. El paisaje antrópico, la reducción del espacio para la vida salvaje, el alejamiento mental del concepto naturaleza y el empleo de la palabra explotación: agrícola, forestal, ganadera, minera. Explotaciones que hablan de una insana relación de sometimiento. Un hecho: al 99,9% de las especies restantes les iría mejor sin nosotros. Una verdad dolorosa.

Ante este panorama, el arte, esa voluble etiqueta, sigue siendo, al menos como lenguaje, una herramienta potente. Podemos producir objetos bellos que nos mantengan ensimismados en la altivez del hombre o podemos dar una palmada en la mesa y cuestionarlo todo.

Como artista invitado podría pedirles que apoyen el arte. No lo haré. Lo que sí les pido es que cuestionen todo. No se dejen llevar. Háganse preguntas.

Rubén Martín de Lucas, "Repúblicas mínimas", nº 11

Desde el comienzo de su carrera en solitario, Rubén Martín de Lucas ha desarrollado un trabajo centrado en la relación del individuo con el entorno y su intervención sobre el territorio. La carga discursiva de la obra de este artista multidisciplinar adopta numerosas formas y propuestas, desde pintura a fotografía, si bien en los últimos tiempos sus proyectos tienden a la videocreación. Con un lenguaje expresivo que parte de la exploración del paisaje y el análisis de la huella del hombre en la naturaleza, Rubén propone una aproximación crítica a ciertos conceptos impuestos que se traducen en delimitaciones artificiosas, en barreras y separaciones ficticias de las que el paisaje no entiende. Como él mismo explica: “hablo de fronteras, del extraño concepto de propiedad de la tierra, de superpoblación, de agricultura industrial, de la antropización del paisaje. Comprender mi trabajo lleva un tiempo y un pequeño esfuerzo por parte del espectador”. A estas ideas responde su proyecto más ambicioso “Stupid borders”, del que “Repúblicas mínimas” es una de sus líneas de trabajo: un proceso de creación permanentemente abierto que tendrá en Art Madrid una nueva entrega inédita.

Desde Art Madrid queremos poner en valor la evolución constante, la indagación expresiva y el compromiso discursivo del trabajo de Rubén. Se trata de un artista incansable que no entiende de obstáculos y arriesga en sus obras con propuestas innovadoras. Además, tiene un discurso artístico maduro y trascendente, resultado una trayectoria coherente y muy prometedora.

Rubén Martín de Lucas se tituló en Ingeniería Civil en 2002, pero ya antes de concluir sus estudios empezó a despuntar en su vertiente artística al cofundar el grupo Boa Mistura, un colectivo que destaca principalmente por sus intervenciones de arte urbano en Brasil, Sudáfrica, Alemania, México o Noruega. En 2015 decidió iniciar su carrera en solitario con un discurso volcado en la reflexión de la intervención del hombre en el entorno; una línea temática de la que han surgido ya varios proyectos y que le han permitido a Rubén participar en numerosas exposiciones dentro y fuera de España.

Cuando en septiembre de 2012 el gobierno español decidió elevar el IVA cultural del tipo reducido del 8% al tipo general del 21% (entrada en vigor 1 de septiembre de 2012) no sólo estaba aplicando una medida de ajuste fiscal en plena recesión económica. Estaba tomando una decisión estratégica que situaba a la cultura española en una posición de desventaja estructural respecto a sus homólogos europeos. La medida afectó a una industria que generaba 503.700 empleos y representaba el 4% del PIB español, convirtiendo al país en uno de los pocos de la zona euro donde no se aplicaba un IVA reducido a las actividades culturales.

Lo paradójico es que aquella subida draconiana de 13 puntos porcentuales -que afectó a cine, teatro, conciertos, etc.- no consiguió el objetivo recaudatorio esperado, más bien provocó lo contrario. Según datos de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), la industria cultural española generaba en ese momento 503.700 empleos y representaba el 4% del PIB. Cuando la Unión de Asociaciones Empresariales de la Industria Cultural advirtió que la medida supondría la pérdida de 43 millones de espectadores y 530 millones de euros en ingresos, nadie en el gobierno pareció escuchar.

Iván Quesada. Jugando al escondite. Acrílico sobre lienzo. 146 x 114 cm. 2025. Galería Aurora Vigil - Escalera.

La rectificación llegó tarde y fragmentada. En 2017, el teatro y los espectáculos en vivo recuperaron un IVA del 10%. En julio de 2018, el cine se unió a ese tipo reducido. Pero aquí comienza la verdadera anomalía: mientras el sector audiovisual y de artes escénicas respiraba, las artes visuales -entendiéndose el trabajo comercial que realizan las galerías- permanecían en el 21%. Y ahí continúan hoy, en enero de 2026.

España mantiene actualmente un sistema de IVA cultural profundamente fragmentado y contradictorio. Los artistas que venden directamente sus obras tributan al 10 %. Las galerías que comercializan esas mismas obras pueden tributar al 21 % bajo el Régimen Especial de Bienes Usados (REBU), aunque en este régimen el IVA se calcula sobre el margen de la operación y no sobre el precio total, y no todas las operaciones de una galería están necesariamente acogidas a él. El resultado es kafkiano: el principal canal de comercialización del arte contemporáneo soporta, en muchos casos, la carga fiscal más alta de toda la industria cultural española.

Isabel Ruiz. Sin título 4. 2025. Fotografía impresa en dibond. 100 x 160 cm. Nuno Sacramento Arte Contemporânea.

Los datos desmontan cualquier argumento de equidad. Según el informe Art Basel (The Art Basel and UBS Survey of Global Collecting 2025), el 95% de los compradores de arte adquiere obras a través de galerías mediante su espacio físico, web, redes sociales o ferias. En España específicamente, las ventas de galerías representan alrededor del 76% del valor total del mercado. Penalizar fiscalmente al canal mayoritario de comercialización no es neutralidad impositiva: es ceguera estructural.

La comparación con Europa es demoledora. Francia aplica un 5,5% a las ventas de arte, Alemania un 7%, Italia un 5%, y recientemente Portugal se ha sumado con un 6%. Tras el Brexit, Francia representa más del 50% de las ventas de arte en la Unión Europea y entre el 6% y el 9% aproximadamente de las subastas globales, consolidando una posición dominante que no es casual, es el resultado directo y esperado de una política fiscal que entiende el arte como palanca económica y cultural, no como un tipo de lujo prescindible.

Las consecuencias para España son tangibles y documentadas. Un museo español que quiera adquirir una obra de un artista español en una galería española puede tributar al 21 %; si compra la misma obra a través de una galería francesa, en muchos casos paga solo un 5,5 %. La paradoja es tan grotesca que roza lo kafkiano. Y es que el Estado español penaliza fiscalmente a sus propias instituciones culturales por apoyar a su mercado nacional.

En ferias que tienen lugar dentro del territorio español, las galerías nacionales compiten con stands franceses, alemanes o italianos que pueden ofrecer los mismos artistas con una ventaja fiscal de hasta 16 puntos porcentuales. Hay que matizar, sin embargo, que en compras transfronterizas dentro de la UE el tratamiento fiscal depende de factores como si el museo actúa como sujeto pasivo con NIF-IVA y del régimen de la operación (entrega interior frente a intracomunitaria, etc.), por lo que la comparación funciona como ejemplo divulgativo, pero no como afirmación fiscal. No se trata solo de competencia: es, en realidad, un dumping estructural.

Daniel Bum. Autorretrato II. 2025. Óleo y acrílico sobre lino. 27 x 35 cm. CLC ARTE.

El 5 de abril de 2022, la Unión Europea aprobó la Directiva 2022/542, que modificaba las directivas 2006/112/CE y 2020/285 relativas al sistema común del IVA. Esta normativa permite explícitamente a los Estados miembros aplicar tipos reducidos hasta un mínimo del 5% a "las entregas de obras de arte, objetos de colección y antigüedades". El plazo para su transposición a la legislación nacional era el 31 de diciembre de 2024, con aplicación desde el 1 de enero de 2025. España no ha transpuesto esta directiva en lo que respecta al mercado del arte.

Mientras Francia, Alemania, Italia, Luxemburgo y Bélgica ya han adoptado tipos reducidos para el arte contemporáneo, España mantiene el silencio administrativo. Más de mil artistas, galeristas y profesionales del sector —incluyendo a representantes de España en la Bienal de Venecia o premios nacionales de artes plásticas, han firmado el manifiesto "Artistas Visuales España firman IVA Cultural YA".

Es así como la falta de acción del gobierno trasciende el plano legal y se convierte en un serio problema de visión económica. El Comité Profesional de Galerías de Arte de Francia señaló que una tasa del 5,5% para todas las transacciones generaría entre 40 y 650 millones de dólares adicionales en ingresos fiscales a través del empleo y la venta de arte, mientras que un impuesto del 20% podría generar pérdidas de entre 320 y 610 millones de dólares en ingresos fiscales. La experiencia de países como Holanda y Portugal, que subieron sus tipos de IVA cultural y luego rectificaron al constatar el efecto devastador, debería servirnos de lección.

Kim Han Ki. Don't forget me. 2024. Óleo sobre lienzo. 33.4 x 24.4 cm. Banditrazos Gallery.

Francia y el efecto de una política fiscal inteligente

El caso francés desmonta el argumento de que la cultura no genera retornos fiscales. Tras implementar el IVA del 5,5% para el arte, Francia representa actualmente más del 50% de las ventas de arte en la Unión Europea y entre el 6% y el 9% de las subastas globales. Esta posición dominante es, sin dudas, el resultado directo de una política fiscal que entiende el arte como palanca económica.

El Comité Profesional de Galerías de Arte de Francia (CPGA) documentó que un IVA del 5,5% genera entre 40 y 650 millones de dólares adicionales en ingresos fiscales a través del empleo y la actividad comercial del sector, mientras que mantener tasas del 20% produce pérdidas de entre 320 y 610 millones en ingresos fiscales por la caída de actividad. Los datos son contundentes: bajar el IVA no reduce la recaudación, la aumenta.

Alemania vivió una experiencia similar. La Asociación Federal Alemana de Galerías y Comerciantes de Arte (BVDG) documentó que el IVA del 19% había frenado el mercado y provocado el cierre de galerías. La reducción al 7% en enero de 2025 se justificó precisamente como medida de reactivación económica. Italia, tras años de debate, bajó del 22% al 5% en 2025, con el objetivo, que en palabras del ministro de cultura Alessandro Giuli, era la única forma de "acabar con una anomalía que nos hacía menos atractivos en comparación con otros países europeos".

Beatriz Castela. Spectrum IX. 2025. Acrílico sobre tabla. 80 x 60 x 3.5 cm. Galería Beatriz Pereira.

Uno de los argumentos más reiterados para mantener el IVA del arte al 21% es su percepción como bien de lujo. Es un razonamiento que revela una incomprensión profunda del funcionamiento del mercado artístico contemporáneo. El informe Art Basel 2024 documentó un cambio significativo en el comportamiento de los coleccionistas: las transacciones menores de 5.000 dólares crecieron un 7%, mientras que las galerías con ventas inferiores a 250.000 dólares aumentaron un 17%. El mercado del arte no es patrimonio exclusivo de millonarios, ese es un estigma con el que las nuevas generaciones tenemos que romper. El mercado del arte es, de hecho, un ecosistema al que la clase media accede cada vez más, mediante la adquisición de obras.

La clasificación fiscal española trata las obras de arte con el mismo tipo que el tabaco, las bebidas alcohólicas o los gimnasios de lujo (21%), mientras que los libros tributan al 4% superreducido, y el cine y el teatro al 10%. ¿Qué lógica cultural justifica que un libro de fotografías de un artista tribute al 4%, pero una fotografía original del mismo artista tribute al 21%? La respuesta , por my irónica que nos parezca, no está en la coherencia cultural está allí, en la inercia administrativa.

Onay Rosquet. Érase una vez un mundo. 2022. Óleo sobre tela. 100 x 100 cm. Collage Habana,

Las consecuencias: del talento a la fuga

Las cifras son tercas. España no ha logrado aumentar su participación más allá del 1% en el mercado mundial del arte desde 2009. Mientras tanto, el país cuenta con más de 24.000 artistas y alrededor de 11.000 empleos vinculados directamente al ecosistema de las artes visuales. Esta masa crítica de talento y profesionales está sometida a una presión fiscal que no existe en ningún otro sector cultural español ni en ningún otro mercado artístico europeo relevante.

El resultado es predecible y lo vemos con más frecuencia de la que nos gustaría, la fuga de talento, el cierre de galerías, la deslocalización de las operaciones... y la lista podría ser infinita. Algunos galeristas asumen parte del IVA para igualar precios con competidores extranjeros, otros facturan a través de empresas en otros países para transacciones intraeuropeas. Son estrategias de supervivencia pero no de competitividad. El mercado español del arte se está convirtiendo en un mercado de segunda división, no por falta de calidad artística, que la tiene de sobra, sino por la perenne incompetencia administrativa. La cuestión, en el fondo, no es técnica sino ideológica: ¿considera España que las artes visuales forman parte de su patrimonio cultural estratégico o las trata como un capricho elitista?

La respuesta está en el BOE: mientras el IVA permanezca al 21%, la respuesta es clara.

Alejandro Monge. See you in the streets. 2025. Fibra de vidrio, cemento y pigmentos. 170 x 85 x 50 cm. 3 Punts Galeria.

Epílogo: una oportunidad desaprovechada

España tuvo hasta el 31 de diciembre de 2024 para transponer la Directiva (UE) 2022/542 y equiparar fiscalmente su mercado del arte con el europeo. No lo hizo. Las reuniones con el Ministerio de Cultura y el Ministerio de Hacienda se suceden desde hace dos años. Las promesas se repiten. El BOE permanece inmutable. Mientras tanto las transacciones que se reslizan, las ferias que se suceden dentro y fuera, los artistas que encuentran (por suerte) una galería extranjera que les represente es un recordatorio poco amigable de lo que cuesta a la cultura la inacción institucional.

El sector no está pidiendo privilegios, solamente reclama equidad; pide que el arte contemporáneo tenga el mismo tratamiento fiscal que el cine, el teatro o la música. Pide que España deje de penalizar a quienes construyen su patrimonio cultural contemporáneo.

La pregunta no es si España puede permitirse bajar el IVA cultural. Los datos franceses, alemanes e italianos demuestran que la reducción del IVA genera más actividad económica y, por tanto, más recaudación fiscal indirecta. La pregunta es si España puede permitirse seguir ignorándolo. Porque en este momento, cada punto porcentual de diferencia con Francia, Alemania o Italia, más allá de ser una fría cuestión fiscal, es una decisión sobre qué tipo de país cultural queremos ser.

Y el silencio administrativo también es una decisión.

Bibliografía para consulta 🙂

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Las fuentes citadas son verificables y accesibles públicamente. Las cifras sobre tipos de IVA en países europeos han sido verificadas con fuentes oficiales de la UE y agencias tributarias nacionales. Los porcentajes y datos económicos provienen de estudios sectoriales publicados o de declaraciones institucionales documentadas en medios de comunicación.