ARTE JOVEN: TALENTO DENTRO Y FUERA DE NUESTRAS FRONTERAS

Desde hace una década se habla mucho de los millennials y de las inquietudes de una nueva generación que ha irrumpido en el nuevo milenio para abordar muchos de los retos que el futuro, con toda su incertidumbre y ambigüedad, nos depara. Es innegable que todo cambio, aunque genere un beneficio, va acompañado de un tiempo de transición en el que los cimientos de los conocido y las estructuras que creíamos inamovibles comienzan a tambalearse. La evolución intrínseca a estos fenómenos va unida a una sensación de desasosiego que las sociedades afrontan desde el apoyo colectivo y desde la necesidad de abrir el debate sobre las preocupaciones, tan nuevas como conocidas, que marcan nuestra evolución y el sino de nuestro tiempo.

Los creadores de nueva generación se han abierto camino en la escena artística centrando parte de su trabajo en abordar temáticas íntimamente conectadas con la realidad del momento. Es el cauce para subvertir el clasicismo, para realizar piezas que muestren el compromiso por el entorno, para hacer de sus obras un manifiesto que trascienda la mera contemplación y se convierta en una forma de expresión plástica de un sentir compartido.

Alejandro Monge

Black Series - The Wind, 2019

Óleo sobre tela

40 x 40cm

En Art Madrid hemos podido constatar este movimiento creciente de artistas del nuevo milenio que se desprenden de prejuicios y arquetipos para centrarse en cuestiones de enorme impacto social que nos afectan a todos. El número de jóvenes creadores ha ido en aumento en las últimas ediciones de la feria, y es palpable también que las sendas de expresión escogidas por muchos de ellos se alimentan de la hibridación artística, la fusión de técnicas, la exploración más allá de la imagen, la búsqueda de una segunda lectura.

Hoy recordamos el trabajo de algunos de estos autores que nos han visitado en la 15ª edición de la feria y nos acercamos a conocer un poco más su obra.

Chen Sheng-Wen

Rusa unicolor swinhoei, 2018

Hilo de hierro e hilo flor danés

30 x 30cm

Chen Sheng-Wen

Martes flavigula, 2017

Hilo de bordar y lienzo, Plástico, Papel higiénico

25.5 x 25.5cm

Entre los artistas que muestran una preocupación por el consumismo excesivo de nuestro tiempo, el agotamiento de los recursos o el devenir de una sociedad alienada destacamos el caso de Alejandro Monge (Zaragoza, 1988) y el de Chen Sheng-Wen (Taichung, Taiwan, 1993).

El trabajo de Monge ha buscado en muchas ocasiones la ironía sobre el valor tangible del dinero y la apreciación superflua de las cosas materiales, muchas veces con instalaciones que replicaban fajos de billetes en depósitos bancarios o cajas fuertes. Sus últimas obras, más pictóricas, muestran un lado oscuro de la sociedad global, ahogada en sus necesidades de producción energética y en la atmósfera contaminada y agresiva en que vivimos en las grandes ciudades.

Por su parte, Chen Sheng-Wen propone un trabajo mucho más delicado de factura manual en el que representa la delicadeza de la naturaleza y su necesidad de cuidado reproduciendo con bordados y técnica mixta numerosos animales de nuestro entorno inmediato. La decisión de Sheng-Wen de emplear materiales reciclados, rescatados de los bosques habitualmente habitados por estos seres, pone de manifiesto la falta de cuidado del hombre y el grado de exposición al que estas especies están sometidas.

Onay Rosquet

Attachments, 2018

Óleo sobre lienzo

200 x 200cm

Onay Rosquet

Tuesday, 2018

Óleo sobre lienzo

80 x 80cm

En una línea semejante se mueve Onay Rosquet (La Habana, 1987) con una obra que transmite un gran equilibrio estético, pero que permite múltiples lecturas. Sus cajas de papeles, a veces plegados, otras arrugados o apilados, nos hacen pensar sobre los problemas de incomunicación de la sociedad de nuestro tiempo mientras plantea el dilema del uso apropiado de los recursos y la generación de residuos con gran impacto medioambiental. De estas dos ideas, la primera sigue siendo la línea maestra de su discurso: la era de la hiperconectividad desemboca en la paradoja del individuo solitario, abandonado, que ha perdido la capacidad de interactuar de forma no tecnológica. Un simple vistazo a sus piezas nos hace pensar en las miles de palabras que no llegan, las cosas que no se dicen, los sentimientos que se reprimen en un contexto dominado por la apariencia de felicidad y la ficción de la perfección.

Instalación de Nina Franco en Art Madrid'20

Otros creadores ponen el acento en la desigualdad social. Nina Franco (Río de Janeiro, 1988) trata de representar la desigualdad de género y el acoso al que muchas mujeres se ven expuestas en su día a día, sobre todo en determinadas sociedades patriarcales. Su obra refleja una gran preocupación por los conflictos sociopolíticos contemporáneos.

Adlane Samet

Tiens, 2016

Acrílico

144 x 120cm

Adlane Samet

Gants noir, 2018

Acrílico sobre tela

100 x 80cm

Por su parte, Adlane Samet (El Harrach, Argelia, 1989) trata la desigualdad desde la perspectiva de su entorno inmediato, lanzando al conjunto del mundo la pregunta de dónde se sitúan determinadas sociedades en el panorama global, donde parece haber países de primera clase y países de segunda. Su trabajo resulta visceral y colorista, y el propio impulso del trazo exterioriza esa vitalidad auténtica y pura de los entornos no contaminados por las ideas importadas.

Cristina Gamón

60 Marina, 2016

Técnica mixta sobre metacrilato

81 x 130cm

Cristina Gamón

Colores Fronterizos, 2016

Acrílico sobre metacrilato

100 x 70cm

Destacamos también la obra de Cristina Gamón (Valencia, 1987), una artista que explora la evolución de la pintura con la incorporación de nuevos materiales y la integración de los plásticos como soporte. Sus trabajos nos recuerdan a paisajes de zonas áridas, a experimentos de laboratorios o a los dibujos tornasolados del aceite sobre el agua. Su objetivo es ofrecer una pintura contemporánea con materiales representativos de nuestro tiempo, sin perder la fuerza expresiva del color.

 

La agenda cultural se recupera poco a poco tras el parón motivado por las circunstancias sanitarias y los amantes del arte están deseosos de disfrutar de la rica oferta cultural que los distintos espacios y museos repartidos por nuestra geografía tienen que ofrecer. Además, conviene recordar que estos centros han hecho un enorme esfuerzo por adaptarse a las exigencias que la nueva situación impone y se han volcado en generar abundante contenido accesible en línea para superar las limitaciones derivadas del confinamiento. Os traemos una selección de contenidos que se pueden visitarse tanto presencialmente como a través de la web. No hay excusa para no disfrutar nuevamente del arte contemporáneo.

Olafur Eliasson, “En la vida real (In real life)”, 2019

El museo Guggenheim de Bilbao continúa con su exposición dedicada a Olafur Eliasson y ofrece numerosos recursos para entender no solo la exposición, sino también la labor del centro en el proceso de montaje e instalación. La web permite ampliar contenidos con entrevistas al artista, la descarga de la audioguía y la visión de la comisaria Lucía Aguirre, que nos ofrece distintas píldoras de vídeo sobre las piezas de la exposición.

“Olafur Eliasson: en la vida real” reúne parte del trabajo de este artista desde 1990 a través de esculturas, fotografías, pinturas e instalaciones que juegan con reflejos y colores. Asimismo, la integración de elementos como musgo, agua, hielo, niebla… ponen a visitante en una situación que confunde los sentidos y tratan de desafiar la manera en que percibimos nuestro entorno y nos movemos en él.

Regina de Miguel, “Isla Decepción”, 2017

El Centro Botín en Santander acoge la exposición “Coleccionando procesos: 25 años de Itinerarios” en la que se reúne el trabajo de 25 de los 210 becarios que, hasta la fecha, han disfrutado de la Beca de artes plásticas de la Fundación Botín, iniciada en 1993. Con los trabajos Lara Almárcegui, Basma Alsharif, Leonor Antunes, Javier Arce, Erick Beltrán, David Bestué, Bleda y Rosa, Nuno Cera, Patricia Dauder, Patricia Esquivias, Karlos Gil, Carlos Irijalba, Adrià Julià, Juan López, Rogelio López Cuenca, Renata Lucas, Mateo Maté, Jorge Méndez Blake, Regina de Miguel, Leticia Ramos, Fernando Sánchez Castillo, Teresa Solar Abboud, Leonor Serrano Rivas, Jorge Yeregui, David Zink-Yi, la exposición es un buen ejemplo del arte contemporáneo más joven y actual aportado por artistas de perfiles muy diversos.

Clemente Bernad. Serie “Ante el umbral”, Madrid, 2020

El Museo Reina Sofía ha querido elaborar una crónica visual de lo que el confinamiento impuesto y los trágicos números de contagiados y fallecidos ha supuesto para la vida de muchos de nosotros: un relato de dolor, nostalgia e incertidumbre realizado por el fotógrafo Clemente Bernad. Esta muestra, comisariada por Jorge Moreno Andrés, lleva por título “Ante el umbral”, frase con la que se quiere expresar la extraña sensación que se produce al estar ante algo nuevo y desconocido, algo que no podemos controlar, ni evitar, y por lo que hemos de pasar todos. La alteración impuesta en nuestras vidas de forma imprevista tiene su reflejo en las calles, transformadas en lugares de soledad y abandono donde la vida se ha paralizado.

Mario Merz / S/T. Triplo Igloo, 1984 Colección MAXXI

En el IVAM la exposición “¿Cuál es nuestro hogar?” pone en relación obras de la colección IVAM y del centro MAXXI de Roma para proponer una reflexión en torno al espacio que habitamos visto desde una perspectiva personal y social. Se trata de indagar en el valor que estos espacios tienen como hogar o refugio, así como parte de una ciudad o comunidad.

La exposición, comisariada por José Miguel G. Cortés, quiere también ahondar en la sensación que tienen aquellas personas que se sienten extranjeras en cualquier lugar, porque no se identifican con los hábitos ni costumbres del entorno, no encajan en esos patrones sociales, y el hogar se convierte en el único espacio de cobijo que pueden amoldar a sus necesidades de identidad.

Martha Rosler, fotograma de “Backyard Economy I-II”, 1974 © Cortesía de Martha Rosler, 2020

Es Baluard Museu apuesta por la videocreación y la performance y acoge la exposición monográfica “Martha Rosler. ¿Cómo llegamos allí desde aquí?” dedicada a esta artista neoyorquina que fue pionera en el uso del vídeo como mecanismo de análisis social y político. Esta muestra recoge varios trabajos, desde el vídeo a la fotografía y diversas publicaciones, en las que se sintetizan sus principales líneas discursivas. Su preocupación por las políticas públicas y por la igualdad social de las mujeres la ha llevado a participar activamente en numerosos movimientos sociales en La Habana, Nueva York, México DC o Barcelona, y estas experiencias están presentes de un modo u otro en su obra.

Con el comisariado de Inma Prieto, se ha hecho una selección dentro de la abundante producción de esta artista, que presenta una de las carreras más coherentes dentro del arte contemporáneo de transición hacia el nuevo milenio.

Imagen de archivo, vía meiac.es/turbulence/archive/acceso.html

El MEIAC - Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, alberga las obras del prestigioso archivo de arte internacional digital “Turbulence”, una plataforma dedicada al arte en red e híbrido. Ante el cierre inevitable de esta institución, el MEIAC se ha ofrecido a alojar todo este valioso contenido recopilado desde 1996. La carga del archivo también sirvió de oportunidad para restaurar numerosas piezas y hacer conversión de formatos para que los archivos que se habían quedado obsoletos, siguieran siendo legibles por los nuevos sistemas. Un inmenso trabajo de conservación y actualización que hoy se puede disfrutar en línea. El archivo se compone por cientos de obras digitales de todo el mundo que hoy se pueden visitar a distancia.