Galerías Art Lounge, Aurora Vigil-Escalera y Víctor Lope Arte Contemporáneo

El futuro de la creación siempre está por descubrir. Aunque al estudiar el arte nos obcequemos en analizar los orígenes, relaciones, vínculos o transformaciones que caracterizan a las obras o a los artistas, con la consiguiente obsesión por vaticinar qué nos deparará el próximo arte, la realidad es que en muchas ocasiones resulta más placentero descubrir los relatos sin ideas preconcebidas, sin marcos, en su máxima libertad de expresión y en su más estricto presente.

Relatos libres que pueden exceder esos marcos, a menudo ideados a base de oposiciones, dicotomías. En este sentido, las galerías Art Lounge, Aurora Vigil-Escalera y Víctor Lope Arte Contemporáneo mostrarán un conjunto de obras muy interesante, en el que los lenguajes abstractos y figurativos aparecen dentro de selecciones equilibradas y muy variadas.

Daniel Merlín

Bowie, 2018

Pintura, collage

116 x 89cm

Así, en la propuesta de Art Lounge (Lisboa) se podrá disfrutar de la figuración expresionista del argentino Daniel Merlín, así como de su dominio técnico. Autor de retratos de personajes icónicos de nuestro tiempo, como John F. Kennedy, Samuel Beckett, David Lynch o Arnold Schwarzenegger, habituales protagonistas de portadas, parecen encontrar su metáfora vital en los cientos de papeles pintados y encolados que el artista emplea para componer sus rostros. Cultivar el género del retrato mediante una técnica innovadora es algo que comparte con Vinita Dasgupta, artista que nos traslada a una visión de la compleja e impredecible escena artística de La India. En el caso de Dasgupta, su personal manera de pintar adquiere más volumen y matices mediante la técnica llamada “rolled canvas technique”, es decir, a través del paciente trabajo compositivo basado en fragmentos de lienzo enrollados y pintados. También desde una técnica y un lenguaje muy particulares trabaja el portugués Joâo Noutel, creando sus obras a partir de un marcado estilo propio del diseño gráfico y sirviéndose de materiales como la porcelana. Al igual que el joven brasileño Caio Bless, más interesado en cuestionar las directrices impuestas en el espacio público.

Uiso Alemany

Unknown, 2018

Técnica mixta Zetex

189 x 147cm

Entre la figuración y la abstracción se encuentra la obra del valenciano Uiso Alemany, uno de los fundadores del Grupo BULT. Entre el expresionismo más gestual y la figuración más crítica, y empleando el flexible zetex como material de soporte, Alemany vuelve a romper visceralmente con los límites de la pintura para introducirnos en unos relatos intensos, personales y algo desquiciados; herméticos y fascinadores al mismo tiempo. Como explicaba el crítico Fernando Castro Flórez en una exposición reciente de Alemany, su trabajo es “un canto a la pintura que, incluso suicidándose, sigue viva". Art Lounge también presentará una selección de las delicadas esculturas en bronce de la serie “Broken People” del sudafricano Dale Hellmann; y algunas de las últimas piezas lumínicas de la argentina Ángela Bassano, con las que se no invita a introducirnos en esas realidades más ocultas, casi impenetrables, tan propias de lo esotérico.

Carmen Calvo

Los términos están claros, 2018

Técnica mixta sobre papel

49 x 34cm

Rudolf Burda

V-Victory, 2018

Cristal

27 x 27cm

Otra de las artistas que presenta Art Lounge, es la valenciana Carmen Calvo, Artista Invitada de la decimoprimera edición de Art Madrid. Calvo, una de las creadoras más sobresalientes del panorama nacional, se mueve en territorios siempre híbridos, fronterizos, icónicos. Como bien apunta Alfonso de la Torre, gran conocedor de la obra de la artista y miembro del Comité de Art Madrid, su trabajo actual continúa ampliando “esa arqueología de lo imaginario”, en muchas ocasiones por medio del uso acumulativo y poético del fragmento, del recuerdo, elevando el objeto a una epifanía o practicando el canibalismo de imágenes –parafraseando a De la Torre-, para así componer una suerte de “extraterritorial reino, o quizás interregno entre cielo y tierra, en una experiencia radical que nos emplaza ante la propia finitud. En un territorio ignoto”. Maravilloso desvelo.

Para cerrar su propuesta, la galería incluye en su selección el trabajo del checo Rudolf Burda: esculturas minimalistas y obsesivamente depuradas realizadas en vidrio. Capaces de hipnotizar desde su sencillez, según el artista, encuentra su máxima inspiración en las formas de la naturaleza, el microcosmos y el macrocosmos, “la idea que motiva sus esculturas es la de reducir todo a su forma más simple y mínima”.

Santiago Picatoste

Atlas Turquoise, 2018

Técnica mixta sobre metacrilato

170 x 150cm

Juan Genovés

Acorde, 2018

Obra gráfica muy intervenida a mano por el artista. Ed de 10

74 x 100cm

Los relatos libres se propagarán de forma especial en el stand de la galería dirigida por Aurora Vigil-Escalera (Gijón). En su amplia selección se podrá apreciar el trabajo de Ismael Lagares, auténticas declaraciones de la gestualidad libre, vertiginosa y vibrante; junto con la también experimental obra de Santiago Picatoste, explosiones espontáneas de color sofisticadas por el metacrilato. Algo espontáneas también resultan las intervenciones pictóricas más gestuales que realiza el gran artista Juan Genovés –como ya dijimos, también presente en Lola & the Unicorn–, trasladadas después a impresiones en Glicée, y donde cuestiones como el comportamiento social, la colectividad y la individualidad vuelven a ser centrales dentro de sus reconocidas e infinitas narraciones.

Pablo Armesto

Nexus Aérea, 2018

DMF lacado y aluminio, fibra óptica y fuentes de alimentación LED

96 x 60cm

David Rodríguez Caballero

5 de enero de 2018, 2018

Acero y latón

160 x 195cm

Un profundo interés por la depuración formal y los juegos lumínicos unen a otros dos de los artistas que presenta Vigil-Escalera: Pablo Armesto y sus esculturas, tan precisas como asombrosas, realizadas en DMF lacado, fibra óptica y fuentes de alimentación LED; y David Rodríguez Caballero –a quien también encontraremos en el stand de Marita Segovia–, especialista del trabajo en acero y latón, tan delicado y pulcro que incita por igual a la vista como al tacto. Igualmente, salta a la vista la extendida investigación formal y espacial que revelan las esculturas de Herminio (Álvarez): piezas que destacan por su precisión, equilibrio y armonía, mas empleadas paradójicamente para reflexionar sobre la distribución de las fuerzas, la tensión o la inestabilidad.

Rafa Macarrón

Él, 2018

Técnica mixta sobre lienzo

50 x 50cm

Rafael Macarrón es uno de esos artistas cuyo trabajo es muy difícil de clasificar. Con un carácter marcadamente personal y onírico, se presentarán algunas de sus pinturas sobre aluminio más recientes, pudiendo asistir así a los mundos ambiguos de este creador, repletos de personajes desfigurados y exagerados, tantas veces obsesionados con la multiplicidad de los dedos. La galería asturiana cierra su propuesta con dos creadores más: por un lado, una selección de pinturas de Marcela Lobo quien, con aire matissiano, nos introduce en espacios domésticos coloristas donde los objetos adquieren una insospechada levedad; y por otro lado, la pintura urbana y arquitectónica de Gorka García, continuador de los nuevos realismos, este artista suele retratar una ciudad o un espacio concreto, habitualmente en cierto estado de decrepitud, pero producen la sensación de estar ante algo que en realidad es más indeterminado, lejano y hasta ficticio.

Patrik Grijalvo

Musée du Louvre I (Serie Gravitación Visual), 2018

Fotografía sobre papel Hahnemühle

150 x 150cm

Kepa Garraza

Napoleón, 2018

Pastel sobre papel

170 x 140cm

Queda por conocer la selección de Víctor Lope Arte Contemporáneo (Barcelona), galería que presentará el trabajo de cuatro de sus artistas. Las obras de Kepa Garraza hay que observarlas con mucho detenimiento, pues aunque en un primer vistazo nos resulten anacrónicas, contienen un discurso que hace referencia a una firme declaración de intenciones; Garraza, en realidad, nos incita a cuestionar los discursos del poder, y lo hace justamente apropiándose de la iconografías y lenguajes oficiales. Mucho más allá de la imagen también va Patrick Grijalvo, artista que trabaja desde la fotografía y el collage fotográfico para reflexionar sobre la multiplicidad de la realidad. Su investigación se centra en las posibilidades de la variable profundidad de los espacios, ofreciendo finalmente bellas y abstractas composiciones.

Dirk Salz

#2364, 2018

Pigmentos y resina sobre multiplex

140 x 100cm

Jacinto Moros

FMK100, 2017

Madera de arce y fórmica

132 x 70cm

En la abstracción más geométrica se ubica la obra de Dirk Salz, un trabajo que también juega con la profundidad y que exige mirar y volver a mirar para lograr apreciar. Las clásicas veladuras o barnices son sustituidos en sus piezas por capas de resina epoxy enriquecidas con pigmentos de pintura sobre planchas de multiplex. Por último, Víctor Lope cierra su selección con el “culto a la curva” desarrollado por Jacinto Moros, creador del que se expondrán algunas de sus sorprendentes esculturas y gofrados: formas voluptuosas y serpenteantes en las que enredarnos y perdernos, tan asombrosas que parecen seguir expandiéndose, como si fueran formas vitales.

La obra de Julian Manzelli (Chu) (Buenos Aires, Argentina, 1974) se sitúa en un territorio de investigación donde el arte adopta metodologías próximas al pensamiento científico sin renunciar a su dimensión poética y especulativa. Su práctica se estructura como un proceso abierto de experimentación, en el que el taller funciona como laboratorio: un espacio de ensayo, error y verificación, más orientado a la producción de nuevas formas de percepción que a la obtención de certezas. En este sentido, su trabajo dialoga con una epistemología de la incertidumbre, afín a tradiciones filosóficas que entienden el conocimiento como devenir y no como cierre.

Manzelli explora zonas intersticiales, entendidas como espacios de tránsito y transformación. Estas áreas ambiguas no se presentan como indefinición, sino como potencia: lugares donde las categorías se disuelven y permiten la emergencia de configuraciones híbridas, casi alquímicas, que reprograman la mirada.

La geometría, lejos de operar como sistema normativo, aparece tensionada y desestabilizada. Sus construcciones precarias articulan un cruce entre intuición y razón, juego e ingeniería, evocando una gramática universal presente tanto en la naturaleza como en el pensamiento simbólico. Así, las obras de Manzelli no representan el mundo, sino que lo transfiguran, activando preguntas más que respuestas cerradas.

Avícola. Escultura magnética. Madera, imanes, laca automotriz y acero. 45 x 25 cm. 2022.

La ciencia y sus métodos inspiran tu proceso. ¿Qué tipo de paralelismos encuentras entre el pensamiento científico y la creación artística?

La ciencia y el arte son dos disciplinas que creo tienen mucho en común y sin duda están muy interrelacionadas. A mí me interesa ese cruce y a pesar de que muchas veces se ponen en lugares opuestos, creo que comparten y tienen un mismo origen. En ambos está esa búsqueda continua, esa necesidad de respuestas que viene desde la curiosidad, no tanto desde la certeza y que a veces, o en muchos casos, tanto a los artistas como a los científicos, los lleva a ponerse en lugares incómodos e inciertos y a salirse de su zona de confort. Creo que eso es algo en común y muy interesante de estas dos disciplinas que de alguna forma son las que nos definen como humanos.

En ese sentido, ambas comparten la experimentación como eje de su práctica. La prueba, el error, los ensayos y todo este proceso son los que van generando el desarrollo. En mi caso, esto se aplica al taller: lo vivo como un laboratorio donde se desarrollan distintos proyectos, donde voy testeando materiales. Es como si uno genera una hipótesis y luego la pusiera a prueba: los materiales, los procedimientos, las formas, los colores, y se obtienen resultados. Resultados que no buscan ser verificados, sino que en el arte tienen, creo yo, la función de generar nuevos modos de percepción, nuevas miradas y experiencias.

Receptor Lunar #01. Ensamble de Madera Reciclada torneada. 102 x 26 x 26 cm. De la serie Fuerza orgánica. 2023.

Trabajas desde los intersticios entre lo natural y lo artificial, lo figurativo y lo abstracto. ¿Qué te interesa de esas zonas ambiguas y qué tipo de conocimiento emergen de ellas?

Siempre fui bastante inquieto y eso me llevó a meterme y sumergirme en distintos ámbitos, distintas disciplinas. Creo que hay una riqueza especial en los lugares intersticiales, en el ida y vuelta, en la circulación entre medios. Siempre me llamaron la atención estos espacios, los lugares ambiguos, los lugares híbridos. Creo que hay algo de la lógica anfibia, los anfibios como entidades que llevan y traen información, que comparten, que atraviesan límites y membranas. Es algo, en mi caso, que está vinculado a lo que entiendo como libertad, sobre todo en un momento de encasillamiento, de etiquetas y donde el concepto de libertad ha sido totalmente transgiversado.

Y después, por otro lado, en el plano más metafísico, en la mezcla, en ese mix es donde aparece la energía viva de crear algo nuevo, que sin duda es como la base de lo humano. Entonces es como que “una cosa se hace cosa fuera del molde". Y es necesaria esa interacción para romper estructuras, armar otras, transmutarse; tiene algo como alquímico. Yo creo que el enemigo es la fijación. De alguna manera lo ambiguo es lo que permite reprogramar la mirada y generar nuevos puntos de vista.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

El movimiento, la repetición y la secuencia aparecen como estrategias visuales. ¿Qué papel cumple la serialidad en la generación de significado?

El movimiento, la repetición y la secuencia están muy presentes en mi trabajo. Yo tengo un largo background en el mundo de la animación y, de alguna forma, ese interés comienza a filtrarse en las demás disciplinas en las que me desempeño. Así, el movimiento aparece también en mi obra dentro de las artes visuales.

La serialidad es como una forma de pensar el tiempo y de introducir cierta narrativa y acción en la obra, al mismo tiempo que creo que condiciona la experiencia del espectador, lo invita a intentar descifrar cierta repetición como una especie de progresión. Me interesa, en particular, la narrativa más abstracta. En este tipo de narrativa, donde no hay figuración clara, la repetición empieza a marcar un pulso, un “beat” que señala el paso del tiempo. Lo interesante, creo, es que nos damos cuenta de que repetir no es exactamente duplicar, y que lo idéntico comienza a mutar a lo largo del tiempo, del ritmo o de su propia historia.

De la serie Naturaleza orgánica. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de construcción. 2025.

Trabajas con sistemas geométricos y constructivos. ¿Qué papel cumple la geometría como lenguaje simbólico dentro de tu trabajo?

La geometría está presente en mi obra de múltiples formas y dimensiones, generando distintas dinámicas. Por lo general, suelo ponerla en crisis, en tensión. Si uno se adentra en mis obras, se da cuenta de que predominan construcciones en equilibrio impreciso e inestable; no busco lo simétrico ni lo exacto, sino una construcción dinámica que plantea una situación. No lo concibo como un sistema rígido.

Creo que ahí se establece un puente entre lo intuitivo y lo racional, entre lo lúdico -el juego- y la ingeniería, como esos cruces inesperados. Al mismo tiempo, la geometría funciona como un código, un lenguaje que nos conecta con una gramática universal presente en la naturaleza, en los fractales, y que sin duda remite al simbolismo. Es ahí donde se abre un portal interesante en el que la obra empieza a resignificar y a darse como un proceso de significación externo a sí misma, totalmente incierto. El resultado de mis obras no son piezas que representan; más bien, creo que son piezas que transfiguran y que, de alguna manera, generan preguntas.

WIP. Madera torneada recuperada de podas de sequía y rezagos de contrucción. 2022.

¿Hasta qué punto planificas tus obras y cuánto espacio dejas para que ocurra lo inesperado o, incluso, al error?

Con respecto a la planificación, es algo que depende bastante del proyecto y del día. Hay proyectos que, por su envergadura o complejidad, requieren planificación, sobre todo cuando involucran a otras personas que deben participar. Sin duda, en muchos casos la planificación es fundamental.

En los proyectos que suelo planificar, siempre me interesa dejar un espacio para la improvisación, donde pueda jugar un poco el azar o el devenir del propio proceso. Creo que ahí empiezan a surgir cosas interesantes, y es importante no dejarlas pasar. Personalmente, me aburriría mucho trabajar en obras cuyo resultado ya conozco de antemano. La realización de cada obra es, para mí, un viaje incierto; no sé hacia dónde me llevará, y creo que ahí reside el potencial y lo interesante, no solo para mí, sino también para la obra misma y la experiencia del espectador.