ENTREVISTA A FERNANDO DAZA, "ENTRE LO MÍSTICO Y LO CONCRETO". JUNTO A LA GALERÍA SORAYA CARTATEGUI

“Mi trabajo atiende a un doble origen conceptual, el místico y el concreto, y esta dicotomía evoluciona entre la búsqueda espiritual de una experiencia trascendental y el deseo de enfatizar la presencia material como realidad concreta y no como ilusión.”

Fernando Daza (Sevilla, 1979), presenta en Art madrid sus últimas creaciones, dos dípticos y dos obras individuales de formato cuadrado, además de algunas obras realizadas con papel rasgado de cómic en formato mediano.

El artista sevillano ha participado en numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas en Madrid, Girona, Cádiz, Lisboa, Cerdeña o Belgrado, y su obra está presente en colecciones públicas y privadas de todo el mundo, entre las que destaca el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Skopje y la Galería Nacional de Arte de Kosovo.

Fernando Daza

Círculo rojo, 2019

Papel cortado a mano y pegado sobre tela

100 x 100cm

Fernando Daza

Círculo multicromático, 2019

Papel cortado a mano y pegado sobre tela

100 x 100cm

La galería Soraya Cartategui presenta tu trabajo en Art por segundo año consecutivo, ¿qué esperas de esta edición de la Feria?, ¿cómo crees que encaja tu obra en Art Madrid?

Pues para esta ocasión, en la que además la feria celebra el decimoquinto aniversario de su fundación, espero que se cumplan todas las expectativas de difusión y venta del mejor arte contemporáneo. Esta feria ha sido siempre un excelente escaparate en el que se ha mostrado los trabajos de los artistas más destacados del actual panorama artístico nacional e internacional. Desde luego, el escenario que nos brinda la ciudad de Madrid y el fabuloso hall acristalado del edificio CentroCentro Cibeles resulta inmejorable para dar acogida a uno de los eventos artísticos más relevantes del año en España. Desde sus inicios, creo que esta feria ha sabido conservar su carácter abierto, dinámico y vanguardista. Creo también que es una feria muy animada, con una gran asistencia de público y muy especialmente de coleccionistas, con obras muy coloridas y de gran formato. Pienso que por estas características mi trabajo se adapta bastante bien a la filosofía de la feria. De hecho, en la edición pasada, mi obra debutó en esta feria con la galería de Soraya y fue muy bien acogida. Quedé muy satisfecho de mi participación y estoy seguro lo estaré para la presente edición.

¿Qué piezas de Fernando Daza podremos ver en esta edición de Art Madrid?

Como novedad, en esta edición, presentaré dos dípticos y dos obras individuales de formato cuadrado. Uno de los dípticos es muy potente por los naranjas del papel que he utilizado, se trata de dos formas curvas opuestas sobre tela de lino cruda. El otro es una doble composición de formas inversas blanca y negra sobre fondo, también inverso, en negro y blanco. Y los de soporte cuadrado son dos composiciones geométricas, una en forma de cruz y la otra cuadrada sobre fondo de papel azul añil. Podrán ver también en el stand algunas obras realizadas con papel rasgado de cómic en formato mediano, también cuadrado.

Fernando Daza

Monocromo beige 2, 2018

Papel cortado con cutter y pegado sobre madera

50 x 38cm

La delicadeza con la que trabajas el papel y el cuidado montaje que preparas para tus obras es admirable, ¿puedes contarnos a grandes rasgos cuál es tu método de trabajo?, ¿cómo es el proceso creativo antes de llegar a la pieza final?

Para la realización de mi obra utilizo el papel rasgado a mano en tiras que posteriormente acumulo de manera ordenada y pego sobre la tela, siguiendo un esquema compositivo que previamente trazo a lápiz sobre el soporte. Es una obra realizada en tela sobre bastidor, soporte bidimensional tradicionalmente usado para la pintura, aunque su carácter es claramente tridimensional debido a la disposición de las tiras de papel; estas son dobladas por la mitad a lo largo y pegadas en la tela por una de sus caras, quedando la otra levantada, levemente separada de la superficie de esta. Este método de adhesión del papel al lienzo proporciona un plano en relieve y desigual. Mediante una proyección lumínica cenital, natural o artificial, obtenemos un suave contraste entre luces y sombras, que da como resultado una rica y vibrante superficie de texturas visuales. Es este el rasgo formal más relevante de mi obra plástica y el rasgo distintivo que mejor la caracteriza.

El origen de esta técnica de creación surgió tras un largo período de investigación una vez finalizada mi carrera de Bellas Artes en la Universidad de Sevilla. Mi último año de licenciatura lo cursé con una beca Erasmus en la Facultad de Bellas Artes de Atenas. Allí comencé realizando unos trabajos con collages. La beca nos permitía pernoctar en escuelas anexas a la Facultad en muchas de las islas del Egeo. Pasábamos temporadas creando en estas escuelas anexas y ante la imposibilidad de transportar material como lienzos, bastidores y pinturas, llevaba tan sólo una carpeta con papeles, acuarelas, tintas y cola. Fue aquí, en Grecia, donde se gestó mi interés por el collage y la creación con papel. Cuando regresé a España quise continuar la investigación en este campo porque me parecía una técnica que podía ser novedosa frente a las tradicionales técnicas pictóricas. Tomé consciencia en aquel momento de las posibilidades que podría ofrecerme el papel usado como materia principal para la creación de obras de arte en sustitución de la pintura.

Fernando Daza

Por aquel entonces, tras finalizar mis estudios de Bellas Artes, mis dos hermanos mayores, abogados, heredaron una gestoría que era de mi padre. Un día fui a ayudarles a tirar un montón de cajas llenas de papeles y documentación antigua y me percaté en aquel momento de que podía utilizar aquellos papeles para mis creaciones. Me llevé las cajas a casa y comencé un periodo de investigación de varios años del que obtuve resultados muy fructíferos. Hallé varias formas de acumular el papel y crear composiciones tridimensionales. Con el paso del tiempo, fui comprando papeles de color de dibujo y grabado.

En general, tus obras son monocromas o bicromas, ¿tiene algún significado especial esta simplificación del color?

Mi trabajo atiende a un doble origen conceptual, el místico y el concreto, y esta dicotomía evoluciona entre la búsqueda espiritual de una experiencia trascendental y el deseo de enfatizar la presencia material como realidad concreta y no como ilusión. Mis composiciones sugieren básicamente planteamientos de origen suprematista; búsqueda de la pura sensibilidad a través del predominio de la nada y de la representación de un universo sin objetos; estructuras abstractas ortogonales, formas geométricas fundamentales como el cuadrado y el círculo o simplemente fondos monocromos carentes de figura. De este modo, pretendo evidenciar estados de máximo orden con los mínimos medios y la mínima complejidad de elementos y prestar más interés por la totalidad de la obra que por las relaciones entre las partes singulares.

Debido a su aparente simplicidad, creo que mi obra esconde una presencia enigmática que parece resistirse a la interpretación y que transmite al espectador espacialidad e idealismo. Los acabados y la materia juegan un papel primordial en la búsqueda del equilibrio y la belleza, siempre en consonancia con la moderación y la placidez que transmite la tela del soporte; de algodón o lino, cruda y sin imprimación. En las obras donde empleo dos colores, el contraste cromático proporciona un resultado de lenguaje mixto donde la calma y sutileza de los colores claros son quebradas por el vigor, la potencia y la firmeza de los negros, amarillos, rojos y grises oscuros. Esta idea de contrariedad y complementariedad entre opuestos o inversos en las obras díptico me resulta muy interesante porque creo que armoniza la composición.

Fernando Daza

Estructura negra sobre fondo blanco, 2018

Díptico. Papel cortado a mano y pegado sobre tela

100 x 130cm

Como artista, ¿con qué te sientes comprometido?

Principalmente me siento comprometido con la idea de realizar una obra artística no sólo coherente con mis necesidades e intereses creativo, sino también con el momento que me ha tocado vivir. En mi caso particular, y creo podría afirmar que lo mismo les ocurre a todos mis compañeros de profesión, existe un impulso y una necesidad permanente de crear, que son además básicos y primarios, que se remontan, según mi conciencia, a mi infancia más temprana, al mismo origen del uso de la razón. Paralela a esta necesidad nace y se afianza la resistencia a dedicarme a otros menesteres profesionales que no tuvieran que ver con la práctica artística. Por este motivo me he centrado en seguir este camino, a pesar de las muchas dificultades halladas en mi contra. Pero es tal la gratificación de poder dedicarte a aquello en lo que crees y amas que sólo por eso merece la pena. En este sentido, podría decir que el primer compromiso es conmigo mismo.


La galería Soraya Cartategui, con sede en Madrid y en Nueva York, participa una vez más, dentro del programa general de Art Madrid, con una selección de obras del trabajo más reciente de los artistas sevillanos: Isabelita Valdecasas y Fernando Daza y del artista tailandés Chamnan Chongpaiboon

La adquisición de la primera obra de arte siempre infunde respeto. Un sentimiento difícil de definir que mezcla el vértigo con la adrenalina. Pero por encima de la incertidumbre y la cautela, se impone una sensación placentera de conexión, entendimiento y deseo. Esa obra que, una vez vista, se queda en la memoria, reaparece en el recuerdo varias veces al día y parece querer decirte que está dispuesta a formar parte de tu hogar, es la candidata perfecta para decantar la decisión.

En los primeros pasos, muchos coleccionistas coinciden en señalar que no se parte de un plan establecido, sino que uno va adquiriendo piezas en función del gusto y de la conexión que siente con ellas hasta que, pasado el tiempo, se dan cuenta de que el volumen de obras que acumula puede recibir la etiqueta de “colección”. Así lo relata, por ejemplo, Alicia Aza, cuando afirma que

“No fui consciente de que estaba coleccionando hasta muchos años después, cuando un tercero me nombró como coleccionista y habló de mi colección. En 2005 tomé conciencia de lo que supone coleccionar y decidí articular una colección con una identidad de criterios y soportes”.

Comparte esta misma opinión Marcos Martín Blanco, cofundador, junto a su mujer Elena Rueda, de la Colección MER:

“Coleccionar ha sido una pasión, movida por un estado visceral que te incita a ello. La colección en cuanto a las adquisiciones no ha sido especialmente complicada porque, reconozcámoslo: es fácil comprar porque son todas cosas bellas y tienes alguna idea clara de por dónde quieres ir, pero al principio esas preferencias no estaban tan claras. Es con el tiempo cuando va conformándose un criterio”.

No siempre sucede así, por supuesto, pero para el comprador que se inicia en este sendero, la vinculación personal que traba con su primera pieza es fundamental. Ahí está el germen de una relación duradera que no se limita a una simple cuestión estética, sino que es una ventana abierta al conocimiento, a la exploración, a un mundo que muchas veces nos es desconocido y despierta nuestra fascinación. La semilla de esa conexión es puramente sentimental, y es precisamente ese impulso el que determina las primeras adquisiciones. La primera pieza nunca se olvida.

Art Madrid'20, foto de Ana Maqueda

Superando las recomendaciones habituales que se hacen por parte de asesores y agentes, rara es la ocasión en que el amante del arte se decide a comprar por pura inversión. Esos caminos suelen abrirse más adelante, cuando ya el volumen de piezas es considerable. Además, hay quien está un poco en contra de este concepto clásico del coleccionista tradicional, abordado desde una visión excéntrica, elitista y poco accesible. Muy al contrario, los compradores de arte son, por encima de todo, amantes del arte, seres sensibles y permeables al estímulo creativo que en un momento dado se deciden a profundizar en esa relación que ya mantienen con el arte para llevarse una pieza a su casa.

No es tan complicado superar esa pequeña barrera psicológica que convierte al visitante en comprador si se aborda el tema desde una óptica más personal e intimista que de consideración social. Para ello son de gran ayuda las obras de pequeño formato, la obra gráfica o la fotografía seriada, cuya horquilla de precios, por lo general más asumible, permite hacer una comparación más próxima a los gastos que pueden abordarse de manera cotidiana. De este modo, la compra de arte entra dentro del abanico de actividades factibles y se transforma en algo próximo y posible.

Art Madrid'20, foto de Marc Cisneros

En ese momento comienza una relación con el arte distinta, basada en la pura experiencia y en la convivencia con la pieza adquirida. Quizás pueda verse como un acto de atrevimiento, pero en numerosas ocasiones es más una cuestión de necesidad y de transformación. Los coleccionistas también coinciden en señalar que la adquisición de obra es un ejercicio de análisis personal y de abrirse a un nuevo campo de conocimiento que antes nos era ajeno. Alicia Aza explica que la razón por la que adquirió su primera pieza de videoarte, de Sergio Prego, es porque no la entendía y porque la veía como un reto y una oportunidad de superarse personalmente. Esta ventana abierta al conocimiento da lugar a nuevas conexiones y a entablar vínculos con los creadores, como una de las partes más fascinantes del proceso. Candela Álvarez Soldevilla explica que

“creo que lo más interesante en el mundo del arte es hablar con los artistas. Son personas provistas de una sensibilidad especial a las que escuchar y entender”

Y Alicia Aza también dice:

“Puedo compartir la satisfacción de poder contar hoy en mi círculo de amistades más cercanas con muchos artistas y eso supone un largo camino recorrido”.

Así, con obras que se presentan como asumibles dentro del horizonte de gastos que cada uno estima viable, es fácil encontrar una pieza que nos atrape. Desde ese momento, nuestro hogar también evoluciona hacia un espacio en el que el arte tiene un lugar y una presencia permanentes, y no cabe duda de que eso nos transforma por dentro.

Art Madrid'20, foto de Henar Herguera

Jaime Sordo, propietario de la colección Los Bragales y fundador de la Asociación de Coleccionistas de Arte Contemporáneo 9915, siempre ha definido su relación con el arte como una verdadera pasión y una necesidad vital. Para los compradores que se inician en esta senda tiene la siguiente recomendación:

“Es condición imprescindible que sienta la necesidad de convivir con la pasión de disfrutar de las obras. Otro aspecto muy importante es que antes de la toma de decisiones para las compras se informen, con lo cual es necesario leer prensa y libros especializados, visitar exposiciones y museos y mucho contacto con el galerismo, que es una fuente importante de información y muy concreta de los artistas que representa. Por último, la presencia en ferias de arte nacionales e internacionales. Todo ello genera información y formación”.

En efecto, las ferias se han convertido en un buen lugar para el descubrimiento porque condensan una amplia oferta y permiten una toma de contacto diversa y global de forma concentrada. Por esta razón, muchos compradores de nueva generación se inician en el contexto de un evento como Art Madrid, cuya cercanía y calidad constituyen una oportunidad única de conocer, empaparse y contagiarse de la pasión por el arte.


(*) citas extraídas de varias entrevistas difundidas en medios de comunicación públicos entre 2013 y 2019.